Les films allemands ont eu un voyage mouvementé et ardu de l'ère silencieuse aux temps modernes. Après la Première Guerre mondiale, les réalisateurs allemands étaient à l'avant-garde de la réinvention cinématographique. Le mouvement expressionniste allemand a donné naissance à certains des films les plus influents de tous les temps, inventant pratiquement le genre d'horreur. Pendant ce temps, des maîtres comme Fritz Lang, F.W. Murnau et Robert Wiene ont envahi le monde du cinéma avec leurs techniques et leurs idées brillantes.
Dans les décennies qui ont suivi, l'Allemagne nous a donné de nombreux autres cinéastes magistraux, mais la plupart d'entre eux ont dû quitter le pays en raison de la montée en puissance d'Hitler. Cependant, l'industrie a connu une renaissance après la Deuxième Guerre mondiale avec l'arrivée de Werner Herzog, R.W. Fassbinder et autres. Cela dit, voici la liste des meilleurs films allemands de tous les temps. Vous pouvez regarder certains de ces meilleurs films allemands sur Netflix, Hulu ou Amazon Prime.
L'auteur autrichien Michael Haneke est sans doute le plus grand cinéaste travaillant dans le cinéma aujourd'hui. Ses films explorent l'aliénation parmi la société de la classe supérieure, la violence et racisme . «71 Fragments of a Chronology of Chance» est loin d’être son meilleur travail, mais il a plusieurs moments inoubliables et vous pouvez voir le cinéaste construire lentement sa vision cinématographique et se perdre dans sa réalisation. Le film dépeint plusieurs événements apparemment sans rapport impliquant différentes personnes, dont les vies se croisent vers la fin du film.
Si vous vous attendez à un thriller sanglant, vous serez complètement déçu. Il s’agit davantage d’une exploration philosophique de la violence qui existe à différents niveaux de la société moderne. C’est certes une montre difficile, mais c’est une montre qui vous fait réfléchir à beaucoup de choses en général sur la société et la vie humaine. C’est presque comme lire un journal, en ce sens que vous avez une vision objective de plusieurs incidents choquants qui se produisent à travers le monde et qui n’ont aucun sens. La réalité douloureuse est que ces choses arrivent vraiment - elles se produisent autour de nous, parfois juste devant nous; mais nous choisissons commodément de fermer les yeux, à chaque fois. Haneke tente de nous rapprocher de la confrontation aux réalités brutales de notre existence, et le résultat est une expérience cinématographique choquante mais profondément immersive.
Pas parmi les plus grandes œuvres de Haneke, mais 'Benny’s Video' est toujours une belle pièce de cinéma qui explore les nombreuses facettes de la violence. Il raconte l'histoire de son personnage titulaire, un garçon de 14 ans qui adore regarder des vidéos extrêmement violentes et sanglantes. Il invite une fois une fille chez lui quand ses parents sont absents et ils regardent ensemble une vidéo d'un cochon se faire massacrer. Il tue plus tard la jeune fille à l'aide d'un fusil d'abattage.
Le film souffre de problèmes de rythme et de méandres dans la seconde moitié, mais il y a une scène au milieu qui définit vraiment la vision de Haneke en tant que cinéaste. La scène du meurtre de la jeune fille est brillamment tournée: on ne la voit pas; il n’y a pas de sang à l’écran. Tout ce que nous entendons, ce sont des cris et des bruits de coups de feu. Malgré la violence qui se passe entièrement hors écran, nous sommes terrifiés, car ce que fait Haneke ici, c'est qu'il nous laisse imaginer l'horreur du moment. Pour les personnes souhaitant explorer l'œuvre de ce cinéaste autrichien légendaire, cela pourrait être un bon point de départ qui vous aidera à vous faire une idée de sa philosophie sur la violence et l'influence de la technologie sur la société moderne.
L'horreur est un genre intéressant. Il est étonnant de constater à quel point nous, en tant que téléspectateurs, avons été insensibles aux horreurs de la violence et du sang, en raison de nos années et de nos années de consommation films de tueurs en série et slasher flicks . Michael Haneke avait tout à fait raison lorsqu'il a dit qu'il n'y a pas de limite à ce que le cinéma peut montrer. Et avec ce film, son débuts de réalisateur , il prouve que la véritable horreur réside dans l'inconnu, le caché. «Le septième continent» raconte l'histoire d'une famille autrichienne aliénée de la classe moyenne supérieure qui, fatiguée de sa vie terriblement banale, décide de déménager en Australie à la recherche d'une vie meilleure, mais finit par se suicider.
Le film est hautement minimaliste car Haneke se concentre davantage sur les sentiments des personnages que sur leurs paroles. C’est un regard sans faille sur l’effondrement choquant d’une famille. Haneke, comme vous vous en doutez, n’offre pas de solutions ni n’explique la raison pour laquelle la famille se suicide. Il les observe juste à distance et nous laisse contempler et méditer sur des choses qui auraient pu mal tourner avec ces personnes. C’est juste une réalisation de film magistrale.
«Der Untergang» ou «Downfall» est probablement l’un des films allemands les plus immédiatement reconnaissables des temps modernes. Nominé pour le meilleur film étranger aux Oscars, il présente les derniers jours de Adolf Hitler dans son bunker, aux yeux de sa secrétaire. Le film montre l’effondrement du nazisme et la folie implacable d’Hitler face à un espoir mourant. Cependant, ce qui le distingue des autres films de la Seconde Guerre mondiale, c'est son objectivité. Cela nous montre «humain» Nazis - des gens en chair et en os, mais avec des idées vicieuses dans la tête. Cette représentation est peut-être la plus proche que nous puissions obtenir pour voir Hitler que le peuple allemand a vu. À cet égard, ce film rappelle d’autres interprétations «partiellement humaines» des nazis comme «Das Boot» et «Judgment at Nuremberg».
Propulsé par d’excellentes performances, «Downfall» recrée le bunker berlinois d’Hitler dans toute sa tourmente à la fin de la guerre. Néanmoins, Hitler semble espérer un «miracle», un revirement de guerre, planifiant des contre-infractions avec une armée qui n’est pas là. Ses camarades de confiance commencent à s'effondrer mais beaucoup croient encore en leur Führer, y compris son secrétaire Traudl Junge. Mais en dehors du bunker, dans le monde réel, Berlin est dévastée, tout comme le national-socialisme. Le film présente des scènes particulièrement fortes lorsque de hauts responsables nazis commencent à faire face à des morts volontaires, Hitler emboîtant le pas.
«Run Lola Run» est un Thriller en francais pas comme les autres. Le film est super vibrant et énergique, à juste titre pour son titre, et regorge de techniques cinématographiques et de moments qui sont maintenant considérés comme des clichés. Il a une intrigue intéressante impliquant Lola et son amant, Manni, qui perd beaucoup d'argent qui appartient à un gangster. Il appelle Lola pour lui dire que s'il ne trouve pas 1 million de marks allemands en 20 minutes, c'est un homme mort. Alors, Lola commence à courir. L’histoire au-delà est racontée en trois possibilités différentes et indépendantes de ce qui s’ensuit sur les pistes de Lola. Les trois courses se déroulent avec de légères différences qui ont de grandes conséquences sur le résultat. Même les effets qui en résultent sur les personnages secondaires mineurs sont prévus. 'Run Lola Run' laisse une marque indélébile dans l'esprit des téléspectateurs car il a plusieurs moments mémorables - de l'animation, aux flashbacks, aux rediffusions instantanées. Les amateurs ardents de thrillers à bout de souffle ne peuvent pas se permettre de manquer ce film.
«Pappa ante Portas» est sans doute la meilleure comédie allemande de tous les temps. Il existe très peu de films de ce type qui offrent une interprétation subtilement humoristique des extraordinaires difficultés de ses personnages; celui qui me vient à l’esprit est «Hori ma Panenko» de Milos Forman. Dans ce film, nous suivons un manager qui est contraint de prendre sa retraite après avoir commandé 40 ans d’approvisionnement en papier à dactylographie et en gomme à effacer, en raison d’une remise de gros. Maintenant qu'il n'a plus de travail, il peut passer beaucoup plus de temps avec sa femme et son fils adolescent. Mais étonnamment, nous apprenons qu'ils ne sont pas vraiment satisfaits de cela. Notre directeur, s'accrochant à son ancienne vie, commence à gérer sa maison avec son idiosyncrasie intacte. Il achète d'énormes quantités de moutarde et organise même le tournage d'une émission de télévision chez eux, mais finit par entrer en conflit avec sa famille. Le film est un artiste sain qui garantit un sens de l'humour frais.
Le nouveau mouvement du cinéma allemand a donné naissance à Wim Wenders et a ouvert la voie à cette brillante maison d'art film de fantasy . L’un des films allemands les plus connus au monde, 'Wings of Desire' est un incontournable. Le film suit des anges dans un Berlin divisé alors qu'ils regardent les habitants de la ville. Cependant, tout en écoutant les troubles complexes dans l’esprit de l’humanité, ils sont incapables de contrôler leurs actions. Dans ce décor intrigant, se développe une romance des plus sublimes et poétiques entre un ange et un trapéziste de cirque. Lorsqu'il devient enfin un humain, le film passe du noir et blanc à la couleur, renforçant sa qualité évocatrice.
«Wings of Desire» est un film hautement stylisé qui se joue presque lyriquement. La cinématographie est exquise. Le film a une esthétique incomparable qui persiste dans l’esprit du spectateur longtemps après sa fin. Le dialogue est également presque poétique et, en outre, la manière dont il est livré par les personnages à l'écran est sentimentale et contemplative.
Cette comédie de renommée internationale mérite une place sur cette liste, notamment parce qu'elle a rétabli l'Allemagne sur la carte mondiale du cinéma. Nominé pour l’Oscar du meilleur film en langue étrangère, «Toni Erdmann» est un brillant par son originalité et son imprévisibilité. Nous suivons un duo père-fille alors qu'il lui joue des blagues stupides, alors qu'elle s'efforce de maintenir son style de vie d'entreprise. Vous pouvez trouver plusieurs incidents comiques absurdes dans ce film qui affichent une critique fervente mais hystérique de la vie mécaniste moderne. Ses personnages sont loin des personnages traditionnels unidimensionnels des films, nous surprenant constamment par leurs actions.
Il y a beaucoup de scènes de ce film qui résonnent avec nous, certaines d’entre elles si outrageusement honnêtes que nous ne savons pas si nous devons rire ou pleurer. Une scène qui reste imprimée dans l'esprit est celle où les deux protagonistes attendent un ascenseur, sans rien à se dire. Le moment devient gênant et inconfortablement silencieux. Avec ses merveilleuses performances et sa profondeur thématique, «Toni Erdmann» peut facilement être considéré comme l’un des meilleurs films allemands de ces derniers temps.
Ce chef-d'œuvre d'horreur fantastique de Robert Wiene est désormais considéré comme l'un des films les plus influents de l'ère silencieuse. Ce film ainsi que d’autres œuvres expressionnistes comme «Nosferatu» de Murnau et «Vampyr» de Carl Theodor Dreyer ont jeté les bases du genre de l’horreur. Il suit un hypnotiseur fervent, le Dr Caligari, qui est influencé par un manuscrit médiéval pour utiliser un somnambule, Cesare, pour commettre des meurtres. Ce somnambule, un homme dans un cercueil, dort depuis 23 ans. Lorsque certains meurtres se produisent autour de la foire où le médecin a exposé son exposition, la suspicion retombe sur Cesare. Ce qui s'ensuit par la suite est une histoire quelque peu absurde. Le monde créé dans «Le cabinet du Dr Caligari» n’est pas réaliste - car il ne veut pas se connecter avec la réalité; il essaie d'embrasser les cauchemars!
Dans un genre comme romance-drame , les émotions exagérées, le mélodrame et les clichés dominent. Cependant, «Head-On» de Fatih Akin utilise tous ces éléments avec beaucoup d’effet. L'histoire a de fortes nuances de mélancolie et de pathétique. Une jeune fille suicidaire et un toxicomane beaucoup plus âgé se croisent dans un établissement psychiatrique. A l'improviste, elle propose de l'épouser, cherchant à se libérer de sa famille conservatrice. L'homme, qui est en deuil depuis qu'il a perdu sa femme, accepte et ils se marient. Ensuite, ils tombent amoureux. Mais ce n’est pas ainsi que le film se termine - il commence pratiquement ici.
Le couple vivait ensemble, mais à part cela, ils avaient une vie indépendante. Mais, une fois qu'ils tombent amoureux, les choses se compliquent. Sans en révéler grand-chose, l'un d'eux finit en prison et l'autre s'enfuit à Istanbul. Même à la fin, «Head-On» évite bien une fin traditionnelle de bien-être. C'est une montre merveilleuse et sans aucun doute l'un des meilleurs films allemands de tous les temps.
Un autre chef-d’œuvre de Werner Herzog, «L’énigme de Kaspar Hauser» est basé sur un mystérieux événement réel. En 1828, un jeune homme particulier, Kaspar Hauser, apparaît soudainement à Nuremberg, tenant une Bible et une lettre anonyme. Il est à peine capable de marcher ou de parler. Le film nous montre que pendant les 17 premières années de sa vie, Kaspar Hauser a été retenu captif dans une cave par un homme en pardessus noir et chapeau. Kaspar suscite beaucoup de curiosité chez les habitants de la ville et se retrouve dans un cirque. Mais il est emmené par un professeur qui tente de le normaliser. Il apprend à lire, à écrire et à jouer du piano, ce qui lui procure un immense plaisir.
L'intrigue elle-même est pour le moins intrigante. Kaspar Hauser devient le sujet de nombreuses études avec ses vues inhabituelles et ses idées étranges. Bruno S., l'acteur qui joue Kaspar, était lui-même une énigme, ayant passé 23 ans enfermé dans un établissement psychiatrique. Il donne à Herzog exactement ce qu'il veut pour ce film. «L’énigme de Kaspar Hauser» est considéré comme l’un des plus grands films d’Herzog, ce qui est très louable compte tenu de sa stature.
Ce film est sans aucun doute l'un des meilleurs politique films dramatiques / thrillers jamais. Centré sur la surveillance dans le régime communiste totalitaire de Berlin-Est, le film est passif mais très graveleux. Un agent secret écoutant les conversations d’un écrivain avec son amant devient de plus en plus obsédé par leur vie. Pour la plupart, «La vie des autres» maintient un ton étrange, présentant en silence l’histoire. Cette méthode du film crée un effet atmosphérique approprié. Mais ensuite, nous voyons l'espionnage entrer de plus en plus profondément dans une transe, finissant par s'inquiéter pour ses victimes. Le film offre un grand point culminant, rendu envahissant par les scènes autrement silencieuses. 'La vie des autres' est un film incontournable, en particulier pour les fans de thrillers.
Un des meilleurs films de guerre jamais réalisé et l’un des rares à montrer une perspective allemande de la Seconde Guerre mondiale, «Das Boot» est probablement le cinéma le plus proche jamais venu pour montrer un récit authentique de la guerre. La guerre n'est pas une question d'héroïsme cinématographique bon marché ou d'histoires d'amour à travers le pays; la guerre est l'enfer et l'enfer n'est pas du tout joli - c'est ce que la plupart des gens retiendront de «Das Boot». Nous suivons la piste étouffante et étouffante d'un U-boat allemand voyageant sous terre pour trouver et détruire les navires alliés. La vie de l'équipage est montrée avec grand effet - mauvaise nourriture, claustrophobie et terreur d'une mort imminente.
Le film avait deux sorties - une sortie en salle raccourcie et une version beaucoup plus longue et meilleure du réalisateur. Étant d'un point de vue allemand, le film évite d'évoquer les sentiments clichés des films de guerre. Nous comprenons simplement comment fonctionnait un U-boot; la vie sale et dégradée des soldats pendant la guerre; et à quel point les menaces sont réelles.
Rainer Werner Fassbinder était aussi prolifique que n'importe quel autre cinéaste, prenant de l'importance pendant le mouvement du nouveau cinéma allemand. Il a dirigé de nombreux grands films, et «Ali: Fear Eats the Soul» est au sommet. Ce film est plein de pathétique et est assez évocateur avec sa compréhension profonde de certains traits humains. Il tourne autour de l'histoire d'amour interdite d'une femme allemande âgée et d'un travailleur migrant marocain. Comme si leur romance n’était pas assez effroyable pour la société, ils sont impulsivement contraints de se marier, ce qui en fait des parias virtuels dans le monde «sain d’esprit» dans lequel ils vivent. Nous suivons leur voyage ardu dans les deux sens dans la société bornée. Ils sont ostracisés en raison de leur nature «perturbée», mais accueillis lorsque cela est pratique ou rentable pour les gens.
Le film présente une vision extrêmement cynique de l'humanité. Les propres enfants de la femme sont les moins disposés à comprendre, et encore moins à accepter, ses choix. Elle est considérée comme une femme affamée de sexe. «Ali: Fear Eats the Soul» a été tourné en seulement 15 jours avec un petit budget. Il est désormais considéré comme l’un des chefs-d’œuvre de Fassbinder.
Michael Haneke «Le ruban blanc» est, sans aucun doute, l’un des meilleurs films de la dernière décennie. Peut-être que la plus grande vertu de ce film est son charme esthétique, sa belle cinématographie. Tire dedans noir et blanc , ce film est beaucoup plus expressif que la plupart des films couleur qui sont diffusés à travers le monde. Son cadre est un petit village allemand avant le Première Guerre mondiale où des événements mystérieux et étranges commencent à se produire brusquement. Les accidents arrivent; les gens sont gravement blessés; certains meurent; les enfants sont gravement torturés. Cela crée une grande confusion parmi les gens - Y a-t-il un lien? Est-ce que quelqu'un les fait délibérément? Qui? Pourquoi? Aucune de ces questions n’obtient de réponse dans «Le ruban blanc». Mais ce que cela nous laisse, c'est une intrigue plus épaisse.
Les villageois apparemment simples et justes ne sont pas aussi moraux qu'ils le pensent. Le village, bien que fonctionnel, a un ventre de sombres secrets et de pourriture morale. Michael Haneke a une vision terrifiante des gens «ordinaires» qu’il décrit comme non seulement immoraux mais aussi assez têtus pour ne jamais se regarder. Néanmoins, «The White Ribbon» est un film incontournable qui mérite d’être vu pour sa seule beauté esthétique.
«Metropolis» est l’un des films muets les plus vénérés et les plus connus. Réalisé au plus fort du mouvement expressionniste dans les arts allemands, à l'époque de la république libérale de Weimar, ce film a donné naissance au genre de science-fiction. Avec ses effets spéciaux époustouflants et son grand attrait visuel, ce film reste toujours une bonne montre aujourd'hui. Il est situé dans une ville dans un futur lointain qui est divisée sur une base de classe - les travailleurs vivent sous terre, les urbanistes à la surface. Avec «Metropolis», Lang a envisagé les maux d’une croissance exponentielle tirée par la technologie et a dépeint l’avenir comme un monde mécanisé sinistre. Cette impression de dystopie est encore vu dans presque tous les film de science fiction .
Le film suit les tentatives de Freder, le fils du dirigeant de la ville, et de son amante Maria, une ouvrière, de surmonter l’énorme fossé de classe dans leur monde. «Metropolis» fait partie des très rares films qui ont révolutionné tout un genre. Il a inspiré plusieurs générations de cinéastes. En le regardant, on a le sentiment que les débuts du cinéma n'étaient pas si «humbles» ou dépourvus de ressources après tout.
Werner Herzog est certainement parmi les meilleurs réalisateurs de tous les temps. Il a réalisé d'innombrables films brillants, chacun d'entre eux méritant également de figurer sur cette liste. Certains de ces films sont «Fitzcarraldo», «Stroszek» et «Nosferatu the Vampyre». Cependant, «Aguirre, la colère de Dieu» est la grande réalisation de Herzog. Le film suit un groupe de soldats du XVIe siècle et leurs nombreux esclaves lors de leur expédition sur le fleuve Amazone, à la recherche d'El Dorado, la légendaire cité d'or. Une partie du groupe est dirigée par Lope de Aguirre, un oppresseur impitoyable et dont la sauvagerie ne connaît pas de limites. Dès le premier plan lui-même, le film établit que ces hommes sombrent dans la ruine.
«Aguirre, la colère de Dieu» montre un conflit entre l’avidité de l’homme et la puissance de la nature. Le dialogue est réduit au strict minimum dans le film, trop improvisé, et nous sommes plongés dans la terreur désespérée de la jungle sur le puissant fleuve. Les incidents qui se produisent dans le film, principalement aux mains d'Aguirre, sont incroyables dans leur décadence morale. Finalement, nous voyons qu'Aguirre n'a personne pour lui obéir ou pour l'écouter sauf des cadavres et des singes.
Fritz Lang a été parmi les premiers maîtres du cinéma et «M» est l’un des films les plus influents jamais réalisés. C'est un film unique et très intriguant qui a étonnamment résisté à l'épreuve du temps. C’était le premier film sonore de Lang, après avoir connu le succès à l’ère du silence avec «Metropolis». L'intrigue elle-même est séduisante: frappés par l'intensification des activités policières et des fouilles, les criminels de Berlin se joignent à la chasse à l'homme effrénée pour un tueur d'enfants. Cependant, le vrai génie derrière «M» réside dans la performance de Peter Lorre, l’exécution cinématographique et la vision du film plutôt que son intrigue. C'est une tentative courageuse de dépeindre un homme malade et dépravé comme un être humain après tout.
À le regarder aujourd'hui, il est aussi provocateur, horrible et dramatique que jamais. Le film est une satire cinglante sur le fonctionnement de la ville, montrant à quel point les humains s'approprient la morale à leur avantage. Cependant, «M» n’exonère pas son méchant en montrant à quel point il est impuissant. Il ne veut pas nous faire comme le tueur; il veut simplement nous faire croire qu’il ne s’apprécie pas non plus. L'expertise de Lang dans l'utilisation de son appareil photo pour créer du choc, du suspense et des sensations fortes est présentée ici. Et pour son premier film sonore, son audio ne rate pas sa cible. Faites-vous une faveur et regardez ce film aujourd'hui!