100 meilleurs films de tous les temps
Alejandro Jodorowsky Prullansky, le célèbre réalisateur, poète, dramaturge et compositeur de musique chilien-français, a dit un jour: «J'ai toujours pensé que, de tous les arts, le cinéma est l'art le plus complet.» Je suis d'accord. À plus d'un titre, le cinéma est en fait un amalgame de toutes les autres formes d'art importantes: la peinture, l'écriture et la musique. Ce n'est pas un hasard si le cinéma est aussi la forme d'art la plus moderne. Après tout, l'évolution d'autres formes d'art était nécessaire pour que le cinéma naisse. Le fait qu'il reste la forme d'art la plus populaire presque dès son apparition vous montre à la fois sa force et sa faiblesse: il est facilement accessible et donc plus commercialisable.
Dans cet esprit, je suis ravi de vous présenter la liste des Cinemaholic’s 100 meilleurs films de tous les temps . Avant de commencer à explorer notre liste des 100 meilleurs films jamais réalisés, rappelons-nous que les listes de par leur nature ne sont jamais parfaites. Donc, nous ne prétendons pas que ce soit le Saint Graal de la liste des meilleurs films absolus au monde. Mais ce que je peux vous assurer, c'est que de nombreuses recherches ont été menées pour établir cette liste. Des milliers de titres de films ont été considérés et chaque choix final a été débattu. Je suis sûr que vous trouverez plusieurs de vos films préférés absents de la liste. Beaucoup de mes favoris manquent aussi! Mais au lieu d’être frustré à ce sujet, saisissez cette occasion pour voir les films que vous n’avez pas vus. Qui sait, vous pourriez finir par découvrir vos nouveaux favoris!
100. Les parapluies de Cherbourg (1964)
Jacques Demy colore son opéra romantique d'une sophistication adoucie et démesurée qui se présente comme un peu hipster. Mais cette couleur n'est pas seulement celle des murs, des vêtements et des parapluies. C’est aussi sur les joues d’une jeune fille incroyablement amoureuse alors qu’elle traverse la rue pour saluer son amant et son absence quand on voit ce visage sous un voile, la jeune fille devenue l’épouse de quelqu'un d’autre. Il y a aussi de la couleur dans la façon dont les gens se parlent, ou pour être plus précis, se chantent les uns aux autres. Mais leurs conversations lyriques ne riment pas comme la plupart des chansons. Quand tout, des professions de l’amour aux soucis d’argent, est lié à une passion indiscernable, il ne vous serait pas très utile d’aller à la pêche à la rime ou à la raison. Alors que le film et toutes ses révélations mélodiques, soutenus par la musique surnaturelle de Michel Legrand, sont d'un romantisme déchirant, toutes les décisions que prennent nos personnages le sont, comme tout dans la vie, décidément pas.
Pour une intrigue si ennuyeusement connue, l'ayant vue être la base d'innombrables chansons pop et feuilletons, chaque image de «Les parapluies de Cherbourg», pleine de mélancolie, est d'une fraîcheur attrayante, même inconnue. Vous pouvez attribuer cela à l'authenticité des émotions et à la sincérité de leur expression. Fonctionnant sur une échelle aussi humble qu’elle, les «parapluies» vous ravagent avec le plus petit des reflets. J'étais abasourdi de voir à quel point l'impact de deux chaises vides, une fois remplies par les deux amants, pouvait être considérable. Dans la délicatesse tendrement faite de Demy, nous défilons dans des carnavals remplis de rubans et de confettis, nous décorons des arbres de Noël et nous nous donnons des cadeaux, rentrant tous nos sentiments quelque part dans les coins de notre cœur, car peu importe à quel point l'absence de quelqu'un est difficile à supporter ou le le passé est d'oublier, tout ce que nous pouvons faire est de vivre dans le fantasme d'aujourd'hui.
99. Trainspotting (1996)
C’est un peu difficile d’expliquer aux cinéphiles comme nous le fanatisme de «Trainspotting». Cela est arrivé à un moment où la réalité de la drogue commençait à peine à s’imposer. On dirait qu’elle a glorifié l’abus de drogues et, dans une certaine mesure, c’est vrai. Le fait qui en est ressorti a été la tentative de Danny Boyle de montrer les hauts et les bas de l’abus de drogues, sans prendre parti. «Trainspotting» est un film culte qui raconte l’histoire de quatre amis et de leur rendez-vous amoureux. Outrage et bizarre sont les deux seuls mots pour le décrire. Un toxicomane qui veut aller propre, mais hésiter à chaque étape en raison de sa plus profonde envie de planer. Généreusement surdosé d'humour, le film tente de souligner un fait avec le plus grand sérieux: malgré le luxe qu'offre la vie, la jeunesse les refuse avec beaucoup d'aplomb. Et les raisons? Il n'y a aucune raison. «Qui a besoin de raisons pour lesquelles vous avez de l’héroïne?»
98. Le diplômé (1967)
Ah, les jours de jeunesse! Insouciant et joyeux. Amusement rempli de rien à craindre. Pas de souci pour le passé, qui a été laissé pour compte et pas de souci pour l’avenir, qui est encore à venir. Benjamin Braddock a mené cette vie insouciante, après avoir obtenu son diplôme universitaire. Et quand il est finalement revenu dans sa ville natale, il y a rencontré Mme Robinson. La flamme d'une affaire se met à brûler. La vie prend une tournure sournoise lorsque le jeune Ben prend le sexe pour de la compagnie. Il devient sens dessus dessous, quand il tombe amoureux de sa fille. Un film qui suscite la réflexion, dans le costume d'une comédie, 'The Graduate' est l'un des films les plus drôles de tous les temps. Avec Dustin Hoffman, il présente la ligne emblématique - 'Mme Robinson, essayez-vous de me séduire?'
97. La double vie de Véronique (1991)
Peut-être qu'aucun autre cinéaste n'a compris les femmes à des profondeurs émotionnelles aussi profondes que Krzysztof Kieslowski. L'homme les adorait et il l'a montré avec une telle passion et une telle intimité que vous ne pouvez pas vous empêcher de vous sentir amoureux de sa puissance émotionnelle brute. «La double vie de Véronique» pourrait bien être sa plus grande réalisation artistique. Le film raconte l'histoire d'une femme qui commence à sentir qu'elle n'est pas seule et qu'une partie d'elle-même vit quelque part dans le monde dans une âme différente. Véronique et Weronika sont les deux femmes identiques qui ne se connaissent pas et qui partagent pourtant un lien émotionnel mystérieusement intime entre elles. La cinématographie hautement stylisée de Slawomir Idziak peint le film avec une sensation tendrement mélancolique qui vous enveloppe et ne vous lâche pas. Il y a des sentiments et des émotions que nous trouvons vraiment difficiles à mettre en mots et le film donne vie à ces sentiments inexplicables de tristesse et de solitude pensive. «La double vie de Véronique» est une œuvre d’art époustouflante qui dépeint l’âme humaine dans toutes ses belles fragilités et sa tendresse.
96. Cinema Paradiso (1988)
Beaucoup de gens considèrent le cinéma comme une indulgence, une activité de loisir, un amusement qui n'a aucune conséquence sur la vie. Mais moi, avec une armée de cinéphiles ardents pour me soutenir avec ferveur, je peux affirmer avec une conviction absolue que le cinéma est aussi nécessaire à la vie que la vie l'est au cinéma. Et «Cinema Paradiso» est une belle façon, quoique ironique, de faire valoir mon point de vue. Le réalisateur à succès Salvatore rentre un jour chez lui à la nouvelle de la mort d'Alfredo, sur laquelle il revient dans sa ville natale dans les années 1950 en Sicile. Le jeune et espiègle Salvatore (surnommé Toto) découvre un amour durable pour les films qui l'attire au cinéma du village Cinema Paradiso, où Alfredo est projectionniste. Après avoir pris une fantaisie dans le garçon, le vieux bub devient une figure paternelle pour lui alors qu'il enseigne minutieusement à Toto les compétences qui seraient le tremplin de son succès cinématographique.
Regarder Toto et Alfredo discuter du cinéma avec révérence et voir Alfredo donner des conseils de vie à travers des citations de films classiques est une pure joie. À travers l’histoire du passage à l’âge adulte de Toto, «Cinema Paradiso» met en lumière les mutations du cinéma italien et le métier mourant de la réalisation, du montage et de la projection de films traditionnels tout en explorant le rêve d’un jeune garçon de quitter sa petite ville pour faire une incursion dans le monde extérieur. L’un des meilleurs «films sur les films» qui ait jamais existé.
95. On a survolé le nid de coucou (1975)
Une de ces rares expériences cinématographiques qui vous fait ressentir une pléthore d'émotions à la fois. C'est drôle dans certaines parties, exaltant dans certains et fracassant tout droit dans d'autres. C'est aussi l'un des rares autres exploits dans la narration simpliste et efficace, racontant Randle McMurphy, un criminel qui, dans l'espoir d'échapper à une peine de prison, feint d'être atteint de maladie mentale et plaide non coupable pour des raisons de folie. En arrivant dans un établissement psychiatrique, il se rebelle contre l'infirmière autoritaire Rached (jouée par l'acier Louise Fletcher) dans un scénario classique ordre contre chaos. Le film établit qu'il n'y a en effet personne de mieux pour jouer des personnages avec du charme et du charme dans une égale mesure que Jack Nicholson lui-même, ce qui lui a valu une victoire aux Oscars méritée pour sa performance dans le film. Ce qui commence comme un film durable et réconfortant, dégénère en une fin tragique mais pleine d'espoir, à la suite de scènes troublantes impliquant un suicide et une thérapie électroconvulsive sur des patients. Le film, pourtant, ne lâche jamais l’attention et le pathétique du spectateur pour les personnages à l’écran, évoquant une véritable émotion et la joie de l’esprit humain qui émane même face à une autorité non partagée.
94. Pyaasa (1957)
Dense avec des idées de changement social et des commentaires cinglants sur la méchanceté et les stigmates de la société, «Pyaasa» incarnait non seulement l'âge d'or du cinéma indien, mais était aussi le reflet de la bourgeoisie indienne elle-même. C'est un film qui a une qualité subtile sur lui-même, où toutes les vérités effrontées et les dures réalités de la société mijotent sous la surface en attendant d'être explorées et extrapolées par un public attentif. «Pyaasa» est un classique intemporel non sans raisons. Même après 60 ans de sa sortie, il reste d'actualité dans les temps modernes, parce que l'Inde continue d'être en proie aux mêmes malédictions sociétales - corruption, misogynie, matérialisme - que «Pyaasa» s'attaque directement ou indirectement.
93. Temps modernes (1936)
«Modern Times» est un film humoristique avec un message puissant. Portant les thèmes caractéristiques de Chaplin, l'espoir et la pauvreté, cette image se concentre sur les effets néfastes des machines et d'autres formes de progrès technologiques sur les gens du commun, en attirant sous les projecteurs un ouvrier d'usine dont la vie traverse de nombreux rebondissements alors qu'il tente de faire face au nouveau monde. Bien que le slapstick soit extrêmement drôle, tout est contenu dans un récipient de tristesse. «Modern Times» utilise des éléments intelligents et subtils pour poser de temps à autre des questions philosophiques importantes. Le point culminant est l'un des plus touchants de tous les temps, impliquant une forme triste de bonheur et aucune réponse ou résolution réelle. Ce film peut très bien être l’œuvre la mieux écrite de Chaplin, et il est surprenant de voir à quel point les idées présentées ici sont pertinentes encore aujourd'hui. Ayant sans aucun doute résisté à l'épreuve du temps, le chemin emprunté par Modern Times pour partager ses pensées est probablement le meilleur aspect de ce triomphe cinématographique.
92. La mince ligne rouge (1998)
Terrence Malick Le retour du cinéma après une interruption de 20 ans a été marqué par ce drame de guerre magnifiquement époustouflant qui explore non pas la guerre, mais l’émotion de la guerre. Le film est vraiment de nature malick-ian avec plus d'accent mis sur les visuels que sur l'histoire, vous permettant de vous imprégner de l'expérience. Le génie du film réside dans la vision de Malick de voir la beauté dans quelque chose d'aussi sombre et sanglant que la guerre. Il faut un génie absolu pour transformer quelque chose d'aussi brutal et sanglant que la guerre en une expérience aussi hypnotique qui transcende les réalités de la guerre et vous permet plutôt de vous imprégner des émotions de ses personnages. C’est une expérience tellement immersive qui vous demande de ressentir les êtres humains derrière les armes et les bombes. Ce sont des âmes dévastées, tout comme nous, aspirant à un toucher délicat, manquant la chaleur du souffle de leurs amants et épouses tout en ayant à faire face à la plus laide des réalités loin d'eux. «The Thin Red Line» est tout simplement une expérience pas comme les autres; celui qui doit être vu, ressenti et réfléchi.
91. Blade Runner (1982)
Le montage final de «Blade Runner» de Ridley Scott, je crois, est le plus grand film dystopique jamais réalisé. Bien que Metropolis soit un choix discutable, il faut observer les visuels inauthentiques associés au cinéma expressionniste allemand. «Blade Runner», en revanche, est plus que parfait pour bâtir un monde qui souffre d’inégalités financières, d’expansion démographique, de carence en quoi que ce soit de naturel, car même la chair ne peut pas faire confiance ici. L'éclairage scintillant est contextuellement naturel, car c'est un monde électronique et Jordan Cronenweth l'utilise de la même manière que les objets d'éclairage quotidiens du film noir. Bien que cela ne pose peut-être pas des questions aussi vastes que «Une odyssée de l’espace», mais nous nous demandons si «les androïdes rêvent de moutons électriques».
90. Fargo (1996)
Violent, drôle, chaleureux et brutalement intense, «Fargo» est l’un des meilleurs films américains des années 90 et l’un des plus grands drames policiers jamais réalisés. Le film raconte l'histoire d'un homme qui engage deux hommes pour kidnapper sa femme et extorquer de l'argent à son riche beau-père. L’utilisation brillante de l’humour noir par Coen Brothers imprègne le film d’un air chaleureux qui donne un ton très distinctif au film. C’est ce mélange magistral de comédie, de drame et de violence qui fait de «Fargo» une expérience cinématographique si mémorable. Ce magnifique plan d'ouverture d'un Minnesota rempli de neige, magnifiquement complimenté par une partition obsédante, donne le ton du film et crée un sentiment de profonde tristesse qui se cache sous la violence et l'humour dont le film regorge. Frances McDormand est clairement la star du film et vole la vedette, dépeignant un chef de police enceinte pris dans un monde de mal et de brutalités mais parvient à trouver la lumière et l'espoir. «Fargo» est une pièce de cinéma purement captivante, émotionnellement brute, brutalement intense, terriblement drôle et douloureusement réaliste.
89. Eraserhead (1977)
«Eraserhead» est un manuel sur l’horreur atmosphérique. Racontant l'histoire d'un homme aux cheveux étranges qui tente d'élever une sorte de famille par lui-même, ce film se transforme de plus en plus en un cauchemar surréaliste à chaque minute qui passe. Utilisant le son et les gros plans pour offrir un sentiment de peur claustrophobe et en alignant cela avec une intrigue qui n'a guère de sens lors d'une première montre, les débuts de David Lynch se révèlent être l'un des meilleurs réalisateurs du maître, ce qui en soi est un éloge. Ce que fait «Eraserhead», c’est créer un monde dystopique - éclaboussé de bâtiments laids et d’engins mécaniques trempés dans un noir et blanc vicieux - et y jeter des personnages plus ou moins confus par leur environnement. S'il est presque impossible de comprendre le «sens» de cette image, il faut se rendre compte que ce n'est jamais l'intention. «Eraserhead» place dans l’esprit de son public un sentiment d’inconfort absolu, en utilisant à la fois ses visuels et son style surréaliste, et trouve un moyen de manipuler ses pensées. Seule une poignée d'images sont aussi magnifiquement structurées mais indéniablement menaçantes que celle-ci, et c'est quelque chose que seul quelqu'un comme Lynch pourrait réussir.
88. Enfance (2014)
«Boyhood» est un rappel émouvant des années passées de joie sans frein, d’optimisme sans faille et d’innocence bouillonnante. Il repose sur le fait de tirer la beauté, la joie et l'émotion de la vie ordinaire des gens et non d'un acte dramatique intensifié (pain et beurre pour la plupart des films). C'est fascinant de voir comment d'une scène à l'autre, non seulement il y a des changements dans la physicalité des personnages, mais aussi vous remarquerez la transformation de leur mode, coiffure, goût de la musique et en général, perspectives sur la vie. «Boyhood», comme très peu de films le font, transcende les frontières du cinéma et devient une infime partie de notre propre existence et expérience. Linklater nous rappelle à nouveau pourquoi il est le meilleur en affaires lorsqu'il s'agit de raconter des histoires simples sur des gens ordinaires.
87. Days of Heaven (1978)
L’évolution de Terrence Malick en un visionnaire du cinéma entièrement contrôlé et faisant autorité est l’une des plus grandes choses qui soit jamais arrivée au cinéma américain. Il ressort clairement de ses premières œuvres qu’il était désespéré de sortir des limites conventionnelles du cinéma. Des films comme 'Badlands' et 'Days of Heaven' avaient des récits apparemment simples, mais c'étaient des films qui essayaient d'être quelque chose de plus. Quelque chose de plus qu'une histoire. Une expérience. «Days of Heaven» y parvient plus brillamment que «Badlands». Beaucoup de gens ont souvent critiqué le film pour son scénario faible. Je ne pourrais pas dire qu’ils ont tout à fait tort, mais l’histoire, de toute façon, n’est pas l’aspect le plus important d’un film. Ce que Malick fait ici, c'est utiliser la visualité du cinéma qui met l'accent sur l'ambiance de l'histoire plutôt que sur l'histoire elle-même. Ses intentions ne sont pas de vous rendre émotif en utilisant le sort des personnages mais de vous laisser les observer, ressentir la beauté des paysages et le parfum de leur lieu. Et créer une telle expérience viscéralement émouvante n'est rien de moins qu'un miracle.
86. Tombe des lucioles (1988)
Un film émouvant et émouvant qui est à égalité dans tous les aspects auxquels vous pouvez penser, avec les autres films d'action en direct mettant en lumière le butin de la guerre. Ce film d'animation japonais centré sur les horreurs de la Seconde Guerre mondiale en se concentrant sur la vie d'un couple de frères et sœurs, m'a brisé le cœur d'une manière qu'aucun autre film n'a réussi et a continué à piétiner les pièces jusqu'à la toute fin. En tant que film de guerre, il fait également des merveilles sur le front humain, réalisant et développant magnifiquement la relation tendre entre Seita et Setsuko face à l'adversité de la Seconde Guerre mondiale. Le message est fort et clair. Aucune guerre n'est vraiment gagnée, et toute gloire entraînant des victoires est également accompagnée de gémissements de vies innocentes détruites dans la guerre. J'applaudirais le film pour ne pas être ouvertement manipulateur émotionnel en nous poussant à ses personnages; mais ne vous y trompez pas, son point de vue puissant et sans compromis sur la guerre et les travestis subis par les frères et sœurs vous réduira à un désordre sanglotant. C'est SI triste. Cela étant dit, il n'y a pas d'autre moyen que je l'aurais. C'est la perfection, dans sa forme la plus déchirante.
85. Manhattan (1979)
La romance dans les films de Woody Allen s'est toujours sentie douloureusement véridique et déprimant réaliste malgré le sens de l'humour délicieusement poignant avec lequel il les enveloppe. Si «Annie Hall» reste son film le plus audacieux, «Manhattan» se présente comme une œuvre plus mûre, artistiquement. Dans le film, Allen joue un New-Yorkais ennuyé et confus, récemment divorcé, sortant avec une lycéenne mais finit par tomber amoureux de la maîtresse de son meilleur ami. Allen a légèrement atténué l'humour de ce film afin de nous laisser vraiment ressentir la tristesse engloutissant ses personnages, ce qui en fait une expérience tellement épuisante sur le plan émotionnel. C’est juste un portrait profondément émouvant de relations instables et d’êtres humains défectueux qui luttent avec eux-mêmes et leur existence, recherchant désespérément un bonheur qu’ils ne pourraient jamais reconnaître et atteindre. Et c’est cette réalisation doucement délicate et poignante de la condition humaine qui fait de «Manhattan» un film si puissant.
84. Marketa Lazarova (1967)
Marketa Lazarová, l’icône tchèque Franti & scaron; ek Vláčil, est tout simplement l’une des œuvres d’art les plus incroyables parmi les 20eSiècle. Son approche avant-gardiste du langage cinématographique correspond à peine aux limites de cette tournure de phrase souvent accablante - car c'est quelque chose de plus. Une fusion étonnante de la vue et du son, libérée de la convention, de la structure ou de toute règle écrite, des universitaires émeutiers du cinéma ont giflé la forme cinématographique au fil des ans. En comparaison, tout le reste semble si étroitement contrôlé - si artificiel et artificiel dans l'exécution. Marketa Lazarová est brut, viscéral et étonnamment dynamique. En bref: c'est gratuit - un véritable summum des possibilités d'explorer chaque médium cinématographique. Pour cela, il fait partie des plus grands films jamais réalisés.
83. Singin ’In The Rain (1952)
Singin ’In The Rain est la comédie musicale la plus marquante de l’âge d’or d’Hollywood. Il est impossible d’oublier l’image de Gene Kelly dansant devant le réverbère, quand on parle des moments lustrés du cinéma. Le film célèbre non seulement sa propre compétence, mais aussi le passage du cinéma d'un médium visuel à un médium résonnant et stimulant. Une réalisation monumentale dans le cinéma Technicolor, l'effort de réalisateur de Kelly a été amusé par la critique et le public, au départ. Je crois que la pertinence de ce classique se renforce de jour en jour, car l'écart entre les périodes de temps couvertes par le film (vie réelle et bobine) et le présent se creuse de plus en plus. Nous perdons le contact avec une époque importante, et ce film vous envahit de sa nostalgie.
82. Ne cherchez pas maintenant (1973)
Il est très difficile de trouver une œuvre d’art visuel aussi hypnotique que «Dont Look Now» de Nicolas Roeg. À bien des égards, ce chef-d'œuvre est comme le nain hideux à la fin. Il est magnifiquement drapé de couleurs extatiques, mais recèle le pire aspect de la vie: la mort. Quelle que soit l’efficacité du personnage de Sutherland, je pense qu’il s’agit d’un film axé sur les émotions, car Roeg place la poursuite de l’amour perdu sur une histoire concluante. La fondation gothique est un dispositif très puissant pour crier l'importance des liens sur lesquels elle s'appuie, celle de l'amour paternel et familial, ainsi que pour donner une forme vague aux fantômes qui hantent le protagoniste. 'Certains endroits sont comme des gens, certains brillent et d'autres pas'.
81. Fight Club (1999)
De temps en temps, il arrive une œuvre d'art qui définit la psyché d'une génération. En ce qui concerne le cinéma, les années 50 avaient «Rebel Without A Cause», les années 60 avaient «The Graduate» et les années 70 avaient «American Graffiti». Et même deux décennies plus tard, «Fight Club» correspond à l’éthique maussade, mécontente et anti-établissement de notre génération comme un gant. Comme beaucoup de grands films, «Fight Club» est très source de division et peut être interprété philosophiquement de différentes manières - certains le trouvent pour définir la virilité contemporaine, tandis que d’autres pensent qu’il glorifie la violence et le nihilisme.
Essentiellement un thriller, le film est raconté depuis le point de vue d'un protagoniste anonyme souffrant d'insomnie et mécontent de son travail monotone qui croise la route d'un savonnier impétueux nommé Tyler Durden. Durden et le protagoniste commencent bientôt un «Fight Club» clandestin pour permettre aux membres mécontents de la société d'exprimer leur colère. Mais bientôt les plans de Tyler et les relations du narrateur échappent à son contrôle, conduisant à un point culminant explosif (littéralement!)
Parallèlement à l’attitude diabolique qu’il propage, «Fight Club» est également la marque d’une direction d’aspect de la légende contemporaine David Fincher. La palette de couleurs sombres, le montage net et le travail de caméra astucieux ont inspiré une horde de thrillers sombres après le film. Un film décisif des années 1990.
80. Avant le coucher du soleil (2004)
Voici la vérité sur l’évolution humaine que personne ne vous dira: l’humanité va bientôt perdre l’art de la conversation. Les progrès technologiques ont un effet secondaire important: les gens sont de moins en moins intéressés à engager une vraie conversation - parce qu'ils ont la technologie derrière eux. Et c’est exactement la raison pour laquelle la série Before résistera pendant des décennies. Une série de films mettant en scène deux personnes engagées dans une vraie conversation est une rareté même pour cette génération. À l’avenir, de tels films ne seront plus du tout réalisés. C’est pourquoi les générations futures vont revenir sur la trilogie Avant avec admiration et émerveillement. Et je ne serai pas surpris si la trilogie trouve sa place non seulement dans l’histoire du cinéma, mais aussi dans la bibliothèque de toutes les écoles de cinéma.
Parmi les trois films d’avant, ‘Before Sunset’ se démarque parce qu’il est le plus beau. Un film qui parle intrinsèquement du désir humain le plus fort: le désir d'être avec quelqu'un avec qui vous pourriez passer le reste de votre vie. Si vous regardez de plus près, «Avant le coucher du soleil», en fin de compte, devient un miroir, en regardant dans lequel vous pouvez juger vos propres relations: où vous êtes-vous trompé? Qui était réellement «celui» pour vous? Quelles opportunités avez-vous manquées? Qu'est-ce qui aurait pu être? C’est l’un des films les plus rares où votre propre expérience de la vie enrichira et nourrira votre expérience du film.
79. La matrice (1999)
Une idée ingénieuse et intelligente rendue à l'écran par les Wachowski, aboutissant à un film qui a rendu de nombreux téléspectateurs se méfier de la réalité dans laquelle ils se trouvaient. C'est vrai, une fois «The Matrix» réalisé, il n'y avait pas de retour en arrière, ça a changé des choses. Non seulement le film a innové dans son histoire, mais il a également révolutionné la façon dont les films de science-fiction et d'action ont été conçus par la suite. Le succès de «The Matrix» en tant que film réside également dans la façon dont il se mêle magistralement à des thèmes tels que la philosophie, l’existentialisme et même la religion, tout en revêtant l’apparence d’un film d’action et de science-fiction. La capacité de Neo à manipuler la réalité simulée pour réaliser des exploits apparemment impossibles et l’utilisation du «bullet time», une technique d’action qui n’est rien d’ici peu emblématique maintenant, ajoute à l’ingéniosité du film. Le genre est peut-être surchargé maintenant, mais quand il est sorti pour la première fois, on peut dire que le public n’avait rien vu de tel.
78. Le septième continent (1989)
Qualifier 'Le septième continent' de Michael Haneke de film d’horreur me semble très faux, mais c’est ainsi que la plupart des gens qui l’ont vu le désignent. Il est difficile de discuter avec eux, car le visionnement de ce film laisse un sentiment désespéré, déprimé et effrayé. Ayant à voir avec une famille qui déteste le monde et la vie en général, ce classique de 1989 prend une position froide et distante pour isoler davantage les trois joueurs du reste de la société, ce qui amène lentement mais sûrement le public à se sentir profondément pour eux comme leur l'existence prend une tournure sombre. Étant l’un des films les plus dérangeants jamais créés sur le grand écran, la première pièce de Haneke raille le spectateur et ne le lâche jamais. Si le public appelle cela un film d'horreur, il le fait en se référant à un film effrayant qui ne ressemble à aucun autre. Couvert d'ambiguïté et de réalisme, Le septième continent est un récit personnel, intime et terrifiant d'une histoire vraie qui vous laisse dans le silence, car pendant au moins quelques minutes après la fin, vous devenez incapable de prononcer un seul mot.
77. Zodiac (2007)
«Zodiac» n’est pas votre thriller conventionnel; il est lent et se concentre davantage sur l'humeur et les personnages que sur l'intrigue. Il y a une aura que David Fincher construit tellement pour que vous puissiez ressentir l'ambiance du film dans vos os. Ce n'est pas un film qui vous laissera heureux quand il se terminera. C'est aussi un film où le méchant gagne, les bons perdent. Et c’est pourquoi c’est si bon. Pas seulement bon, mais un chef-d'œuvre moderne. Quand un film parvient à vous secouer pendant deux heures et demie complètes et à vous laisser réfléchir pendant des jours, il doit avoir bien des choses que les thrillers régulièrement réalisés ne font pas. À mon avis, «Zodiac» est le meilleur film de Fincher, où lui, avec sa discipline et sa gamme de compétences, montre pourquoi parfois «moins est plus».
76. Magnolia (1999)
«Magnolia» est sans aucun doute l’œuvre la plus personnelle de Paul Thomas Anderson. L'ambiance hystérique qu'Anderson imprègne le film apporte une certaine fluidité émotionnelle au mélodrame qui est si incroyablement addictif et cathartique dans son énergie. Le film se déroule entièrement dans la vallée de San Fernando avec divers personnages interdépendants traversant différentes phases de leur vie, luttant pour faire face à leurs propres démons intérieurs et conflits émotionnels. Anderson aime ces gens, il les connaît et les comprend mais les présente comme sans excuse qui ils sont; des êtres humains complètement nus, crus et purs, confrontés et surmontant leurs peurs et fragilités les plus profondes. Ce qui rend «Magnolia» si spécial, c’est que c’est un film qui en dit long sur son cinéaste. On nous donne un aperçu de la vie d’Anderson, de la place à laquelle il appartient et des gens dans sa vie. Il y a tellement d'Anderson dans tout le film. Un film comme «Magnolia», s'il avait été réalisé par un autre cinéaste, se serait senti démodé et ressemblait à peu près à un produit de son temps, mais avec Anderson, cela ne fait qu'ajouter à l'attrait du film.
75. Rosemary’s Baby (1968)
«Rosemary’s Baby» est une œuvre d'art sombre et tordue qui joue avec l'innocence pour créer un sentiment d'horreur. Ayant à voir avec une femme éprouvant des complications pendant la grossesse, le film emprunte un parcours complètement nouveau avec son intrigue en laissant jouer un rôle majeur à des éléments rituels. Il y a tellement de choses à aimer dans ce film, en commençant par les personnages bien écrits jusqu'à l'environnement lointain et sombre qui entoure chaque incident qui se produit. Il y a toujours un sentiment de tension tout au long de la photo, et cela en partie grâce à la cinématographie silencieuse et persistante exécutée avec le style de réalisateur serré de Polanski. Mia Farrow donne ici la meilleure performance de sa carrière en tant que Rosemary Woodhouse, une femme qui s'affaiblit alors qu'elle se débat avec les douleurs qui accompagnent le port d'un enfant. Dans l'ensemble, l'atmosphère capturée par ce film n'a d'égale que quelques autres, et la façon dont il s'infiltre dans votre peau est vraiment autre chose.
74. Le bon, le mauvais et le truand (1966)
Des personnages captivants interprétés par des acteurs légendaires, une action de fusillade débridée et brutale, une musique accrocheuse et une cinématographie intense - la troisième partie de la trilogie «Dollars», qui serait la naissance des westerns spaghetti, est un cinéma indulgent, captivant et divertissant à son meilleur. Blondie ou No Name (The Good), un Pistolero professionnel et Tuco (The Ugly), un hors-la-loi recherché, forment une allégeance involontaire lorsqu'ils découvrent chacun un détail important sur une réserve d'or cachée par un confédéré en fuite. qui Angel Eyes (The Bad), un tueur à gages, est chargé de tuer. Le voyage du trio forme le nœud d'une intrigue fascinante qui se termine par un regard classique de style occidental. Clint Eastwood comme Blondie est l'image du machisme, Lee Van Cleef comme Angel Eyes est le mal personnifié et Eli Wallach comme Tuco ajoute une complexité de caractère d'impulsion et de rage aux actes plus simples mais plus voyants de Good Vs Evil des deux plus grandes stars. Mais les rênes sont pour toujours le réalisateur entre les mains de Sergio Leone - il utilise de longs plans tentaculaires et une cinématographie intense en gros plan au besoin pour créer une tension dans la procédure. Un film qui définit le genre Quentin Tarantino, l'un des plus grands représentants du western moderne, autrefois appelé «Le film le mieux réalisé au monde».
73. Les joueurs itinérants (1975)
Pendant trop longtemps, l’épopée intime et délicatement assemblée de Theo Angelopoulos était connue de peu de cinéphiles, et peut-être encore moins appréciée. Son érection majestueuse et graduelle d'un monument cinématographique à notre relation ésotérique et cryptique avec le temps n'est naturellement pas pour tout le monde. Mais pour les curieux d'entre nous, il est connu pour apporter du réconfort, apporter de la sagesse et offrir une perception qui aide à trouver des constantes auxquelles s'accrocher dans ce monde universellement et cruellement dynamique. Parmi les nombreuses choses que ce film réussit, il y a sa compréhension parfaite des révélations du conte «Oreste». La mythologie associée à la figure tragique est capturée avec une humilité stupéfiante et pourtant, le film parvient à nous transporter à travers sa vision souple vers une vision mélancolique et persistante de la Grèce du milieu du XXe siècle. Son élégance temporelle justifie de regarder l'histoire en se tenant à côté de la troupe: de l'extérieur vers l'intérieur. On a tendance à la fois à en ressentir la dureté et à réfléchir sur sa création. C'est une rare leçon d'histoire antifasciste car elle ne nous dit jamais quoi penser. Cela nous montre seulement ce qu'il faut ressentir. Angelopoulos et le directeur de la photographie Giorgos Arvanitis nous placent dans des lieux à couper le souffle et les laver avec la méchanceté dévastatrice de l'époque. «The Travelling Players» est une perle rare et humble qui donne l’impression d’être sauvée des rues chargées d’émeutes et de survivre à la famine. En termes plus simples, nous ne le méritons pas.
72. Cache (2005)
Michael Haneke est souvent accusé de toujours avoir des histoires sombres. Cette caractérisation est complètement injuste parce que ce qu'il fait essentiellement est de fournir des informations humaines sur l'obscurité qui nous enveloppe tous, comment nos perceptions erronées conduisent à un isolement angoissant et comment nos délires réduisent nos chances de surmonter cet isolement. «Caché» n’est pas seulement un document massif et brûlant qui souligne la méchanceté du massacre de la Seine de 1961 et notre inhumanité en tant que société, mais aussi une étude de caractère poétiquement universelle. Georges, notre protagoniste, perçoit la vie et sa présence comme un être social dans un sens déformé de joie. Il fuit le confort de faire confiance et de communiquer avec les autres. Il savoure son aliénation, tout comme il aliène tant de ceux qui le tiennent si cher. Sur ce, Haneke se moque de la génération qui souhaite être laissée seule. Son appareil photo est parfois inhabituellement éloigné, tout comme beaucoup d'entre nous le sont par rapport à notre environnement. Mais sous son contrôle, nous devons affronter notre indécence, notre inconsidération, notre réalité. L'une des pièces de cinéma les plus difficiles que vous verrez jamais.
71. Spirit of the Beehive (1973)
Le maître espagnol Victor Erice n'a réalisé que trois longs métrages avant de prendre sa retraite. Toujours en vie aujourd'hui, ses films comme El Sur, Quince «Tree of the Sun» et surtout Spirit of the Beehive, ses débuts indéfinissables, qui nous font tous souhaiter qu'il fasse encore des films. Une histoire parabilique de deux enfants, l’un explorant son existence avec une fascination innocente et souvent déconcertante et l’autre obsédé par le film «Frankenstein» qui a joué dans leur théâtre local. Son portrait mystifiant du cœur espagnol est laissé dans une ambiguïté séduisante par la direction typiquement neutre d'Erice - se risquant rarement à la méthode cinématographique en faveur de l'observation silencieuse. Le travail qui en résulte est déroutant, captivant et vous laissera vous interroger sur l'énigme intrinsèque de la vie elle-même: ses questions sans réponse, ses grands mystères et leur indisponibilité déconcertante. Pour vous laisser complètement dévasté ou incomparablement ému, il ne fait aucun doute que l’un ou l’autre extrême «Esprit de la ruche» sera une expérience importante.
70. Tous les hommes du Président (1976)
Watergate. Un mot qui a fait tomber les rideaux sur la présidence de Richard Nixon et a fait comprendre aux gens que même une personne de la stature du président peut se baisser le plus possible pour faire avancer les choses. Alors que les copains du président étaient occupés à nettoyer le désordre qu'il avait créé, il y avait deux journalistes qui en ont eu l'odeur. Malgré les menaces imminentes, ils ont travaillé sans relâche, poursuivi même la moindre des pistes et parfois, se sont mis en danger dans le processus de communication des faits au peuple. Basé sur le livre du même nom, écrit par les journalistes Bob Woodward et Carl Bernstein, «Tous les hommes du président» est une observation astucieuse de ce que devrait être le vrai journalisme. Réalisé par Alan J Pakula, il a été nominé pour huit prix académiques, en remportant finalement trois et en perdant accessoirement la meilleure image au profit de «Rocky».
69. Armée des ombres (1969)
Je pense qu’un excellent point de comparaison à faire pour les nouveaux venus dans l’œuvre de Jean-Pierre Melville est celui de Stanley Kubrick. Les deux pratiquent une précision technique extrême et dégagent une confiance absolue dans chaque bobine de travail qu'ils ont effectuée au cours de longues carrières lucratives et créatives. Cela étant dit, une plainte bon marché mais difficile que quiconque peut adresser au réalisateur américain est son «manque d’âme». Une vacance d'expression humaine. Ce n'est pas le cas avec Melville. Dans 'Army of Shadows', les personnages de Melville brûlent d'une étincelle amère alimentée par le désespoir qui fait respirer chaque action d'humanité. Dans le monde mortel du mouvement Wartime Resistance, un faux mouvement peut entraîner une destruction totale et c'est avec la grâce susmentionnée et le contrôle virtuose de son cinéma que Melville coud les graines d'un monde totalement crédible et convaincant. «Army of Shadows» est l’une des œuvres les plus calmes, les plus intrigantes et les plus marquantes du cinéma français - et rater un classique aussi mal ignoré serait de vous rendre un grave mauvais service.
68. The Shining (1980)
Avec son adaptation du classique de Stephen King, Stanley Kubrick crée en 1980 un film qui redéfinit le genre d'horreur. Ici, ce n’est pas seulement l’histoire ou les personnages qui ont peur. L'environnement et la façon dont il a été filmé aident à merveille à permettre à une tension anesthésiante de pénétrer l'esprit du public. Le film suit Jack Torrence, un gardien nouvellement nommé à The Overlook Hotel, et sa famille alors qu'ils passent une période d'isolement total dans le mystérieux bâtiment. Grâce à des performances époustouflantes et à un excellent travail de caméra, Kubrick s'assure que le contenu du film pénètre profondément dans notre subconscient. La façon dont il manipule le son et l'atmosphère est absolument incroyable et crée deux heures et demie inoubliables et effrayantes. Le monde de «The Shining» est magnifiquement sombre, vous tenant fermement par le col pendant l'intégralité de son troisième acte à couper le souffle.
67. Chinatown (1974)
Il y a un film noir et un néo-noir et juste entre ces deux-là, se trouve Jake Gittes, habillé avec soin avec un fedora net pour compléter ce sourire sur son visage. Bien qu’étant un grand admirateur de Polanki, il y a toujours quelque chose qui ne correspond pas au produit final de ses films. Sauf Chinatown. Ce chef-d'œuvre fondateur a non seulement créé une identité pour lui-même, mais est toujours regardé par les cinéastes qui empruntent son style pour créer une identité pour leur film. Polanski est un magicien au travail, nous trompant avec des pistes distinctes ainsi que des rythmes et des décors noirs classiques. Mais vient ensuite le dernier acte de Chinatown, qui détruit si rapidement toutes les conventions initialement attachées à des films à mystère similaires, vous vous retrouvez avec un sentiment de choc et de désespoir accablant. Son échec à battre Godfather II me laisse encore perplexe, mais après un demi-siècle, les gens ont oublié la Sicile, mais jamais Chinatown.
66. Satan Tango (1994)
Confession numéro un: je n’ai presque jamais vu le chef-d’œuvre prodigieux et tentaculaire de Béla Tarr. On pourrait supposer que son statut de favori des cinéphiles de tous les temps et la réputation exceptionnelle qu'il a accumulée parmi les cercles des maisons d'art américaines et parmi certains des critiques de cinéma les plus informés du monde m'auraient intrigué. Mais l’immensité de sa durée (environ 432 minutes) et le rythme de loris que j’avais tant apprécié dans les «Werckmeister Harmonies» de Tarr semblaient décourageants. Confession numéro deux: j’ai vu «Sátántangó», pour la première fois, d’un seul coup. J'étais hypnotisé par son sens pragmatique du monde réel et son sens patient et prudent du cinéma. Elle a observé plus qu'elle ne reflétait et ne contemplait plus qu'elle ne faisait des déclarations parfaitement formées. Son réalisme mythique et sombre était trop beau pour être vrai et bien trop brutal pour avoir été réalisé avec un tel œil pour la beauté.
Tout ce que je souhaitais faire à la fin était de fermer toutes mes fenêtres et de m'envelopper dans l'obscurité parce que le film pour moi avait été comme ce fou de l'église et ses pleurs avaient trop de sens. Confession numéro trois: je suis ravi d’annoncer que les réflexions sociales et politiques sagaces de «Sátántangó» ont commencé à se manifester à mes yeux alors que j’y suis revenu à plusieurs reprises. Un été passé à dévorer le roman de László Krasznahorkai, qui sert de source au film, a été particulièrement mémorable. Tout ce que je peux faire maintenant, c'est espérer continuer à récolter les fruits de cet heureux accident.
65. L'Exorciste (1973)
L’exorciste de William Friedkin est parfaitement réalisé. L'homme est tristement célèbre pour un cheminement de carrière erratique qui voit les classiques tomber dans le shlock (et souvent les deux groupes se croisent pour des explorations fascinantes de l'impudeur cinématographique). Avec son meilleur film, Friedkin a décidé de tourner un drame qui se trouvait justement sur la possession démoniaque: coudre du pathétique pour ses personnages complexes et traduire viscéralement le texte de l'auteur original William Peter Blatty piégé entre la croyance et le doute paralysant. Le résultat final de deux artistes merveilleux travaillant au sommet de leur art pour livrer un classique scintillant du cinéma américain: celui qui éclipse presque tous les films de son genre (à l'exception peut-être de l'horrible horrible `` Wake in Fright '' ou de la tournée fortuite de Tobe Hooper -Obliger Le massacre à la tronçonneuse du Texas ). Simplement renversant.
64. Suspiria (1977)
«Car dans nos rêves, nous entrons dans un monde qui est entièrement le nôtre» - J.K.Rowling. Et si l’un des esprits les plus tordus du cinéma décidait de vaporiser son subconscient sur un morceau de film. Suspiria de Dario Argento est considérée comme défiant la logique cinématographique avec son histoire étrangement structurée. Mais je crois que c’est un chef-d’œuvre néo-expressionniste qui capture la véritable essence du cinéma, qui est de nous faire sentir vraiment, vraiment vivants. Argento comprend la valeur de l'espace et se concentre donc davantage sur la cinématographie et la scénographie, qui sont les habitants dominants de son film. «Suspiria» ne représente pas seulement le style d’Argento mais l’ensemble de l’horreur italienne, un genre piqué par l’esthétique de l’art.
63. Un homme s'est échappé (1956)
D'une précision irréprochable et d'une économie inspirante, la cible si rare de Robert Bresson a été frappée par «A Man Escaped» de 1956. Le sommet des pouvoirs mercuriels de l'homme en tant que cinéaste, il suit les tentatives de l'agent de résistance français Fontaine pour échapper à une prison nazie de plus en plus dangereuse et trouve un sens à chaque image. De la représentation incroyablement humaine du rôle principal par le non-acteur François Letterrier, dont les joues enfoncées et les yeux foudroyés exprimaient de manière si convaincante le poids écrasant de la vie en temps de guerre, au minimalisme de Bresson parvenant à cultiver une intimité brûlante entre le public et ledit homme désespéré : De points de vue fréquents et de compositions élégantes qui ne se livraient pas à des techniques excessives, le travail environnant de Bresson s'est parfois noyé. Je ne couperais pas une seule image - et le film sert donc de mode d'éducation absolument vital pour les cinéastes en herbe: Pour peindre quelque chose d'aussi vif et dense sans jamais se sentir envahissant.
62. Pour tuer un oiseau moqueur (1962)
Dans des moments comme ceux-ci, il n’ya pas de meilleur film que «To Kill A Mockingbird» pour expliquer aux néo-nazis la véritable signification de la caste, de la croyance et de la race. Situé dans la chronologie d'une Amérique divisée racialement, un homme afro-américain est accusé d'avoir violé la modestie d'une femme blanche. Au plus fort des injustices raciales, lorsqu'un tribunal rempli de Blancs réclame son sang, il revient à un homme de défendre son cas. Un homme blanc, nommé Atticus Finch. Il s'est battu vaillamment pour mettre en avant le fait que tous les hommes sont créés égaux devant les tribunaux, qu'ils soient colorés ou non. Ses efforts sont vains, car le tribunal déclare l'homme coupable. Mais ce qui reste en arrière avec le spectateur, c'est la leçon qu'Atticus Finch inculque à ses enfants. Autrement dit, 'vous ne comprenez jamais vraiment une personne tant que vous ne considérez pas les choses de son point de vue'. Basé sur le best-seller de Harper Lee du même nom, 'To Kill A Mockingbird' est l'un des plus grands films de tous les temps.
61. Fenêtre arrière (1957)
Ce qui distingue un film à suspense de chef-d'œuvre des eaux usées ordinaires qui nous entassent régulièrement, c'est que dans ce dernier, les rebondissements arrivent en un éclair, reposant plus sur notre choc que sur la véracité de la torsion pour avoir un impact. Mais dans des films comme 'Rear Window', des choses infimes sont évidentes depuis l'époque où le photographe professionnel L.B. «Jeff» Jeffries regarde par sa lunette arrière s’accumuler goutte à goutte jusqu’à ce qu’elle soit inondée, faisant soupçonner l’innocent Jeff qu’un homme vivant de l’autre côté de la cour a commis un meurtre. Hitchcock utilise sa caméra magistralement comme les outils d'un illusionniste pour garder ses téléspectateurs tendus, trompés et devinants jusqu'à ce que la révélation à couper le souffle. À travers la traque obsessionnelle de Jeff sur son sujet d’intérêt, Hitchcock commente les erreurs du voyeurisme, à quel point il peut être séduisant et la morosité du mode de vie urbain solitaire qui y mène. Plus incroyable encore, c’est autant un commentaire sur le voyeurisme du spectateur que celui de Jeff; car nous sommes captivés par la captivation de Jeff. Regarder sans être observé est une joie méchante; Hitchcock le sait, l'admire et nous entraîne avec lui.
60. 4 mois 3 semaines et 2 jours (2007)
Certains films vous émeuvent; certains font rire; certains vous brisent le cœur. «4 mois, 3 semaines et 2 jours» appartiennent à une catégorie spéciale de films: ceux qui vous rendent anxieux et nerveux. Comme vous l'auriez deviné, ces films sont probablement les plus rares des races rares. Le film suit deux amis qui tentent d'organiser un avortement dans le brutal régime communiste de Ceausescu en Roumanie. Viscéral et sans compromis, le film vous saisit par la peau du cou et ne vous laisse jamais partir. Regarder ce film, c'est comme ressentir la sensation déchirante que vous ressentez lorsque vous attendez nerveusement que l'un de vos proches sorte d'une salle d'opération après une chirurgie. Ce n’est pas seulement un cinéma réaliste à son meilleur; c'est aussi l'un des films qui changeront votre vie.
59. L'année dernière à Marienbad (1961)
Film d’Alan Resnais de 1961 «Last Year At Marienbad» est le plus proche que nous ayons pu visualiser un rêve, et cela se fait de la manière la plus étrange possible. La musique qui occupe l'arrière-plan pour la plupart du temps d'exécution fonctionne comme un sédatif qui met le public dans un état somnolent. Malgré cela, il est quasiment impossible de ne pas regarder l’écran des yeux, car il se passe tellement de choses tout au long de la photo, bien que peu de choses soient affichées. J'aime penser à «L’année dernière à Marienbad» comme un film imaginé de l'extérieur du subconscient, en raison de sa nature répétitive et déroutante. Les personnages sont également confus quant au monde bizarre dans lequel ils ont été placés. C'est une pièce mature et sophistiquée, et je trouve l'intrigue principale - impliquant un homme et sa relation avec une femme étrange dont il se souvient distinctement avoir rencontré l'année précédente, bien qu'elle ne se souvienne pas de lui - très immersive, originale, passionné, romantique, onirique et bien sûr brillant.
58. Fraises sauvages (1957)
Avez-vous déjà fait un road trip où vous n'avez rien de mieux que de regarder par la fenêtre? Pendant un certain temps, vous regardez la vue à l'extérieur, avant que vos pensées ne se précipitent et que ce qui est à l'extérieur n'est plus qu'un modèle - il ne retient plus votre attention. Il en va de même pour Isak Borg, le protagoniste de la pièce d'ambiance classique de Bergman qui a trouvé sa place dans d'innombrables listes de meilleurs films de tous les temps, dont une compilée par Stanley Kubrick en 1963. Il voyage avec sa belle-fille pour obtenir le diplôme. du «Docteur Jubilaris» de son alma mater. Elle ne l’aime pas et envisage de quitter son fils. Mais notre professeur, interprété par le brillant Victor Sjöström, ne s’intéresse pas beaucoup à l’avenir. Ses pensées et par conséquent le film, catapulté par les nombreuses personnes qu'il croise dans son parcours, ne jettent une lumière que sur son passé. Vu à travers la lentille indulgente et assurée de Bergman, ses souvenirs sont simples, familiers et humains. Ils ne glorifient pas sa vie ou ne rejettent pas ses réalisations. Ils sont désordonnés, comme la plupart des nôtres, et délibérément déformés. Quand il arrive enfin à l'endroit pour se voir accorder l'honneur, nous nous rendons compte qu'il n'a jamais eu besoin d'une récompense. Il l'avait déjà dans ces fraises qu'il avait ramassées avec son amour d'enfance, le marchand qui se souvenait de lui, la relation troublée avec sa femme, le bien et le mal, le rédempteur et l'impardonnable. Tout comme nous, sous la forme de ce film mystérieux et inexplicablement émouvant.
57. Les règles du jeu (1939)
La comédie de manières ingénieuse et mordante de Jean Renoir parvient à tenir étonnamment bien après toutes ces années, tout en restant aussi ludique et obsédante que jamais. Il a été évité au moment de sa sortie par la critique et le public, ce qui a conduit Renoir à couper une partie importante du film après la première désastreuse - une partie qui mettait principalement en vedette le personnage d'Octave, qui était joué par Renoir lui-même. La croissance de sa stature depuis lors n'est guère surprenante. Le film, dans sa jonglerie sournoise et autoritaire de personnages, de thèmes, de tons et de décors, est toujours délirant, mais jamais moins diligent ou moins somptueusement conçu que le meilleur du cinéma mondial de l'époque. Ses visuels scrupuleusement forgés vibrent de sophistication, mais l'effort n'est jamais vu et le film vous laisse perplexe à quel point vous étiez profondément empêtré dans son atmosphère habilement construite. Les cinéastes Jean Bachelet et Renoir jouent avec la caméra d'une manière qui donne une légèreté au film, mais leur contrôle implacable est ce qui en fait une aventure constamment intrigante. Si tout cela ne suffit pas, sachez qu’Alain Resnais a dit un jour que le film était l’expérience la plus bouleversante qu’il ait jamais vécue au cinéma. Il serait difficile de trouver une recommandation plus élogieuse.
56. Le troisième homme (1949)
Le film noir est un genre associé à des films qui somptuaient des ruelles sombres, des personnages secrets et séduisants, un sentiment de mystère et du noir et blanc crémeux pour tout recouvrir. Bien que beaucoup de ces images soient intrigantes et offrent un bon moment, peu essaient quelque chose d'innovant et de différent. Le troisième homme est l'un des plus grands films noirs jamais réalisés, car il raconte son histoire étonnante de manière exceptionnelle, en utilisant d'impressionnantes inclinaisons hollandaises, une lumière saisissante et une belle musique. Le film a à voir avec un homme et son enquête personnelle sur le meurtre de son ami financièrement aisé. L'intrigue de Le troisième homme est bordée de romance, d'humour noir, de rebondissements et de suspense. En son cœur, le film peut être appelé une douce histoire d'amour, mais avec tout le reste, cet engouement est laissé à douter. Jouant un scénario magistralement écrit, le magnum opus de Carol Reed est celui qui vous garde au bord de votre siège depuis son humble et léger premier acte jusqu'à une fin qui pourrait très bien être la finale la plus intelligente de n'importe quelle image que vous '' Je verrai jamais.
55. Cris et chuchotements (1972)
Le drame familial tragique d’Ingmar Bergman porte sur une tristesse à la fois désespérée et fiévreusement urgente. Il n’est pas patiemment construit scène par scène et livré sur un plateau à la fin. Vous êtes obligé de l'inhaler dès l'ouverture même du film qui présente les principaux acteurs et leur chagrin endurci et combustible avec de magnifiques gros plans qui rendent leur inconfort étouffant clairement évident. Tout cela est recouvert d'une pléthore impitoyable de rouge, sous la forme du cramoisi avec lequel sont peints les murs de la maison dans laquelle se déroule l'histoire. Bergman nous fait prendre conscience de la puanteur de la mort qui entoure les femmes avec une direction si imposante qu'une mort réelle n'est pas une cause de panique. Le désir intrinsèquement violent des femmes a fait de tout dans le film un souvenir obsédant et imbibé de sang dans mon esprit. Les visuels toujours fascinants de Sven Nykvist sont tempérés par l'écriture subtile de Bergman et les performances magistralement vécues par les acteurs. La lumineuse Liv Ullman semble mystifier et captiver chaque fois que la caméra est sur elle, tandis que les incrédules Ingrid Thulin et Harriet Andersson sont si impeccables dans leur travail qu'il est envahissant d'entrer en contact avec leurs sentiments. Bergman ne nous donne pas d’idées claires à ramener à la maison, mais nous refuse toutes les autres sensations que celles que ses personnages éprouvent. On se demande jusqu'où va son accès à nos émotions et il l'étend à chaque tournant. En fin de compte, «Cris et murmures» ne doit pas être cru, il doit être vécu.
54. Il était une fois dans l'Ouest (1968)
C'est peut-être la partition obsédante de Morricone ou peut-être la vision de Delli Colli qui est aussi vaste que l'Occident ou peut-être le cran inébranlable qui anime les yeux de Bronson et Fonda et peut-être que c'est l'aboutissement de tous ces aspects dans presque tous les cadres par le maestro, Sergio Leone. . Si vous avez besoin d'un western qui a à la fois la beauté de John Ford et la folie impitoyable de Sam Peckinpah, alors il n'y a tout simplement personne près de Leone. Dans son magnum opus, il réalise ce qui lui a pris 3 films auparavant, pour créer un monde mystique au milieu de nulle part. Bien qu'il n'y ait rien de spirituel à la surface, le film a des dieux. Les dieux arborent des couronnes remplies de 10 gallons de poudre à canon et du sable qu'ils avalent avec de l'eau. De plus, le casting d'Henry Fonda en tant qu'antagoniste était probablement la décision de cette décennie, car ses yeux bleus glacés ne ressemblaient à rien de ce que l'Occident avait jamais vu.
53. Annie Hall (1977)
Personne ne peut prétendre comprendre l'énigme déroutante et dévorante qu'est l'amour comme Woody Allen. Et aucun film de Woody Allen ne se rapproche de le montrer dans sa gloire authentique et décalée que ce conte d'Alvy Singer, un comédien névrosé et nihiliste à New York qui tombe `` plus que l'amour '' avec le ditzy, voluptueux et joyeux Annie Hall, et puis en tombe. Le film explore également les différences entre les sexes dans la sexualité à travers le genre de relation entre Alvy et Annie «Yin et Yang». À la fin, même Alvy accepte l'amour comme étant «irrationnel, fou et absurde» mais nécessaire dans la vie. L'utilisation de multiples techniques narratives innovantes, telles que la rupture impromptue du quatrième mur, l'alternance rapide du passé et du présent à travers des coupes lisses, montrant en sous-titres comment Alvy ou Annie se sentent alors qu'ils parlent réellement quelque chose de complètement différent, et l'ajout d'un ' histoire dans une histoire »comme point culminant, élever l'histoire déjà engageante. «Annie Hall» est probablement la première romance véritablement moderniste sur celluloïd et a inspiré une génération de comédies romantiques à sa place. Aucun n'est aussi charmant que celui qu'ils cherchent à imiter.
52. M (1931)
L'apparition de la technologie d'enregistrement de la voix, un phénomène pour lequel la tête de mât représentait «The Jazz Singer» de 1927, a conduit à une saturation absurde des dialogues dans les films. La technologie était considérée comme acquise comme une mise à niveau directe, plutôt que comme un outil à utiliser en conjonction avec le langage cinématographique établi. Fritz Lang, un homme qui a débuté sa carrière dans le cinéma muet avec une série d'œuvres magistrales dont Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen et l'exceptionnelle Metropolis. Sa migration vers le son a atteint son apogée en 1931 «M» - un film qui, contrairement à toutes les sources environnantes, avait éliminé presque tout le bruit ambiant. Le résultat est un talkie-walkie silencieux avec une atmosphère extrêmement sans vie: celui qui sous-tend si efficacement son récit. L'histoire en question frappe un enfant meurtrier et l'incompétence de la gouvernance allemande à l'attraper - formant leur propre tribunal kangourou pour punir le tueur. Ce que Lang communique ici est d'une incroyable maturité dans le message: la justice qui mérite d'être rendue complètement minée par le contexte politique de l'époque - avec la politique d'euthanasie enregistrée du Parti national-socialiste et des idéaux de plus en plus violents se manifestant comme une tumeur vicieuse sur les accusations du peuple . La performance de Peter Lorre, riche en pathétique et en humanisme torturé, aide à marteler la profonde tromperie de «M», qui reste incommensurablement émouvante même à ce jour.
51. 12 hommes en colère (1957)
La réponse à savoir si le garçon était coupable ou non, nous ne le saurons jamais. Mais une chose que 12 Angry Men affirme, c'est que la logique prévaudra toujours sur l'intuition, s'il y a un homme sain d'esprit au milieu d'un monde d'imbéciles. Et la folie est-elle une maladie ou simplement un sous-produit de l'ignorance? Le drame de Sidney Lumet ne vous demande pas d’utiliser votre cerveau sur le cœur, mais de vous efforcer d’atteindre un point où vous pouvez prendre une décision, les deux travaillant en tandem. Outre son scénario fascinant, qui figure fièrement dans le programme de toutes les écoles de cinéma du monde entier, le travail de la caméra et la mise en scène sont tout droit sortis d'un classique japonais de la nouvelle vague. Bénéficiant d'une performance inoubliable de l'ensemble de la distribution, 12 Angry Men est un monument du cinéma américain.
50. Lumières de la ville (1931)
Dans la culture d’aujourd’hui, peu de cinéastes ont la reconnaissance et la popularité dont jouit Chaplin. Cela peut être dû à de nombreuses raisons. Ses films parlent à tous et sont extrêmement hilarants, mais plus que cela, ses histoires regardent des situations mélancoliques sous un jour humoristique. C’est le cas de ce qui est probablement sa photo la plus personnelle, «City Lights», qui raconte l’histoire d’un clochard et ses efforts pour impressionner et aider une pauvre fleuriste aveugle. Il le fait sous une façade, se faisant passer pour un homme riche afin d'attirer son attention, mais se heurte à des problèmes en le faisant. Quand un film continue d’être aussi drôle et touchant de nos jours qu’il y a plus de 75 ans, cela signifie généralement qu’il fait quelque chose de bien. `` City Lights '' a laissé sa marque sur le monde avec sa représentation de la pauvreté et de la vie pendant les années difficiles de la Dépression, qui est si bien exécutée et sentie qu'elle ne manque jamais d'émouvoir le public, tout en lui donnant l'espoir de un lendemain meilleur.
49. Come & See (1985)
La seconde moitié d’une équipe de réalisateurs incroyablement talentueuse, le réalisateur Elem Kilmov était marié à Larisa Shepitko, la virtuose lumineuse derrière «Wings» et «The Ascent». Quand elle est décédée si tristement dans un accident de voiture, Kilmov a terminé son travail sur son exceptionnel projet inachevé `` Farewell '' (qui aurait pu facilement prendre cette place) - et je pense que ce qui rend tout ce contexte si puissant, c'est la façon dont le chagrin de l'homme saigne. chaque cadre de son travail. Le cinéma de Kilmov bouillonne d'une rage et d'un désespoir inexprimés: Hulking dans son propre poids écrasant d'émotion - et peu de films jamais réalisés ont vibré avec un sentiment aussi puissant que Viens voir . On peut soutenir que le meilleur film de guerre jamais réalisé, sa représentation infernale de l'invasion de la Wehrmacht en Biélorussie résonne avec des explosions assourdissantes, des visuels cauchemardesques et un monde qui se vide lentement de la vie - ses scènes tournées dans une lumière magnifique et creuse. Pourtant, dans toute cette angoisse, Kilmov trouve son chemin vers la compréhension dans sa conclusion transcendantalement mature. Peut-être, dans son engagement à contempler l'in-éphémère de la vie, trouve-t-il enfin la force d'enterrer les os de sa défunte épouse. On ne peut qu'espérer.
48. Le septième sceau (1957)
Dès les toutes premières images du document emblématique de Bergman sur la foi, la peur et le contentement, un sort vous est jeté. Le regard austère et granuleux sur la mer, la côte et sur elle un chevalier courageux et sa rencontre fatidique avec la personnification de la mort définit la clarté de l’objectif du film, même s’il laisse place à une ambiguïté séduisante, presque terrifiante. Bénéficiant d'une performance magnétique de l'incomparable Max von Sydow et d'un groupe d'acteurs qui élèvent le matériau étonnant de Bergman, basé sur sa pièce «Wood Painting», à des niveaux inattendus, «Le septième sceau» dans ses maigres 90 minutes a l'influence de une vieille fable transmise de génération en génération qui propulse l'imagination bien plus expansive qu'elle ne peut elle-même espérer contenir. Le noir et blanc étincelant et net de Gunnar Fischer garantit que l'intensité déchirante rampe sous notre peau. La fluidité fluviale est le résultat d'un récit déployé avec une confiance sublime et une pondération tangible. C'est peut-être une histoire tout à fait simple, qui contient néanmoins des idées précieuses dans son sein, mais elle est cousue avec un tissu si complexe et audacieux que vous ne pouvez pas vous empêcher de la regarder encore et encore pour qu'elle se traduise en un souvenir durable.
47. La Dolce Vita (1960)
Le virtuose prudemment, patiemment et poétiquement adouci de Fellini est pleinement exposé dans sa Palme d’Or qui, dans son glamour émouvant et sombre, capture un mode de vie qui semble trop insaisissable et, à certains égards, bien trop réel. Son rythme souligne le sentiment d’absence de but du protagoniste et nous oblige à nous baigner dans l’arrangement symphonique du dynamisme de la vie et de son caractère éphémère. Ce protagoniste est joué par Marcello Mastroianni, meilleur en carrière, qui utilise ce don de temps pour remplir ses yeux d'une lassitude irrésistible du monde. Remettre en question la signification de certaines sections de «La Dolce Vita» qui peuvent sembler dépourvues d’importance philosophique ou de pertinence narrative, c’est rejeter la possibilité de laisser les détails piquants vous submerger puis d’en contempler les conséquences. Alors que la partition céleste de Nino Rota nous transporte dans le monde vertigineux de Rome, comme on le voit à travers l'œil illusoire de Fellini, vous ne voyez que ce qu'il veut que vous voyiez et cela devient rapidement ce que vous voulez voir aussi.
46. Psycho (1960)
Les êtres humains, au mieux, peuvent être décrits comme des particuliers. L'esprit humain qui est capable de beaucoup de choses étonnantes, est également capable de se dégénérer au-delà de la compréhension. 'Psycho' d’Alfred Hitchcock n’a pas besoin d’introduction car il tient la tête haute, au milieu de cinémas intemporels. En plus d’être un classique, c’est aussi un triste commentaire sur la morale défaillante des êtres humains. Et ce n’est pas Norman Bates qui vous dérange! L'emprise caustique de Mme Bates qui a plongé la vie de Norman dans le marasme tout au long de son enfance et finalement de l'âge adulte est un rappel de la façon dont l'amour peut suffoquer. Célèbre, M. Hitchcock a adopté d'étranges politiques pour «Psycho», qui prévoyaient de ne pas autoriser les entrées tardives dans le film. Il a été adopté pour assurer une justice complète à la scène palpitante du film. Un thriller à sa forme la plus vraie, «Psycho» est l’histoire d’un fils, de sa mère et de leur lien malsain de possessivité. Hitchcock était si férocement gardé à propos de la finale, qu'il a fait la promotion du film avec ce slogan - 'Ne donnez pas la fin - C'est le seul que nous ayons!'
45. Solaris (1972)
Le 'Solaris' de Tarkovsky est assez semblable aux phénomènes décrits dans le film. De la perplexité avec son concept profondément enraciné à l’évolution vers une entité dont je ne peux pas me séparer, c’est une expérience qui me fait s’interroger sur la nature inconsciente de chaque molécule qui constitue l’univers. Nous sommes peut-être conscients des dimensions scientifiques, mais un instrument peut-il calculer la quantité d'amour ou de chagrin que l'on détient dans un nanogramme du cœur? Quelque chose peut-il trouver la cellule cérébrale où réside un souvenir inoubliable? De la musique envoûtante de Bach dans la séquence d’ouverture à la scène perpétuelle de l’autoroute, l’utilisation du temps par Tarkovsky pour détacher le spectateur du fonctionnement d’un monde normal est magistrale. Solaris est un royaume où les émotions vous envoient faire un tour avec la folie, mais qui ne serait pas ému quand la folie est belle à toucher et suffisamment viscérale pour vous absoudre de vous-même.
44. Liste de Schindler (1993)
Un film important qui bénéficie grandement du flair de Spielberg pour le dramatique, c’est une expérience tout aussi troublante et sensible en soi. Le film est, comme beaucoup d'autres sur cette liste, une masterclass dans quelque chose que j'aime appeler une narration simpliste et percutante. Le récit suit Oskar Schindler, un homme d'affaires allemand qui a sauvé la vie de plus d'un millier de Juifs en les employant dans ses usines pendant l'Holocauste. Tous les trois principaux, Liam Neeson dans Oskar Schindler, Ralph Fiennes dans Amon Goth et Ben Kingsley dans Itzhak Stern sont dans une forme formidable, réalisant les performances les plus sincères. Une scène en particulier vers la fin du film, où Schindler s'effondre compte tenu du nombre de vies supplémentaires qu'il aurait pu sauver, est profondément émouvante et reste gravée dans mon esprit comme l'une des scènes les plus puissantes du cinéma. Le fait que le film ait été tourné en noir et blanc, avec une utilisation rare et occasionnelle de la couleur pour symboliser ou mettre en évidence un élément d'importance, renforce l'expérience. Facilement, le meilleur film de Spielberg, il reste une expérience de visionnage de film essentielle.
43. Lawrence d'Arabie (1962)
Le cinéma en tant que médium ne cesse de devenir plus grand. Avec une technologie de pointe à leur disposition, les cinéastes d'aujourd'hui nous offrent des expériences cinématographiques viscérales. Mais il y a des films réalisés avant que CGI ne soit à la mode, dont l'ampleur pure et monumentale n'a pas trouvé de pair. Le drame historique épique de David Lean basé sur la vie de T. E. Lawrence , l’une des personnalités les plus renommées de Grande-Bretagne, est l’un de ces films. Il met en vedette Pater O’Toole dans le rôle de Lawrence et raconte ses aventures dans la péninsule arabique pendant la Première Guerre mondiale. Dès le départ, David Lean peint une image animée resplendissante du désert infini dans toute sa splendeur, aidé par le directeur de la photographie Freddie Young et une partition captivante de Maurice Jarre. Mais cela ne sacrifie en aucun cas l'émotion à l'extravagance. En son cœur, `` Lawrence d'Arabie '' est une étude étonnante du personnage de Lawrence - ses luttes émotionnelles avec la violence personnelle inhérente à la guerre, sa propre identité et son allégeance divisée entre sa Grande-Bretagne natale et son armée et ses nouveaux camarades à l'intérieur. les tribus du désert arabe. Cette qualité saine fait de «Lawrence Of Arabia» l’un des films les plus influents qui aient jamais existé.
42. Les chercheurs (1956)
Sans doute le plus grand western jamais réalisé, le meilleur film de la grande carrière de John Ford, 'The Searchers' est un classique américain, parmi les meilleurs films sortis des années cinquante. Bien qu'admiré et respecté à l'époque, son pouvoir lacérant et stupéfiant n'a pas été reconnu pendant quelques années, mais au début des années 70, il a été salué comme un classique du genre et peut-être le meilleur western jamais réalisé. Certes, le temps a érodé une partie du pouvoir des films, mais pas cette performance imposante et déchaînée de Wayne, ni le racisme dans le film qui alimente la colère et la rage. Le récit moteur du film, Ethan et sa recherche est intemporel, aussi puissant aujourd'hui qu'il l'était à l'époque, peut-être plus parce que tant de points subtils de l'histoire sont maintenant clairs.
41. Pather Panchali (1955)
Le film qui a fait connaître le cinéma indien au monde et a donné au cinéma l'un des meilleurs auteurs, Satyajit Ray. Basé sur le roman de Bibhutibhusan Bandopadhay, «Pather Panchali» raconte l’histoire d’une famille appauvrie, essayant de prospérer à travers de nombreuses difficultés de la vie. On peut affirmer qu'il rompt avec la pauvreté, car le spectateur est témoin des nombreuses épreuves auxquelles la famille est confrontée, gagnant leur subsistance. Malgré cela, ce sont les moments, entrecoupés de la musique du maestro Ravi Shankar, qui restent avec le spectateur. La relation affectueuse entre Appu et sa sœur Durga, la séquence de train qui est l'un des moments forts du film amène le film à un tout autre niveau. «Pather Panchali» est devenu au fil des ans l’un des films cultes et figure régulièrement dans les listes des plus grands films de tous les temps, et à juste titre.
40. Casablanca (1942)
Le film classique américain par excellence. Il y a peut-être quelque chose de si contagieux dans son charme que vous en tombez toujours amoureux, même toutes ces années. En plus de son immense facteur de réobservation, sa partition mémorable (As Time Goes By!) Et son dialogue suprêmement citable en font un argument solide. En termes simples, c’est un régal lorsque tous les éléments d’une grande expérience cinématographique sont présents en quantité suffisante!
Le scénario est pour le moins simple, presque banal parfois. Un homme cynique et au cœur brisé qui dirige la boîte de nuit la plus célèbre de Casablanca se retrouve à la croisée des chemins lorsque la dame qu'il aimait se présente avec son mari. Les intrigues ici sont les célèbres lettres de transit, mais l'histoire parle carrément des deux amants dans le contexte des premières étapes de la Seconde Guerre mondiale et de la décision difficile à laquelle le personnage de Bogart a été confronté, de s'accrocher ou de lâcher prise. Cependant, comme pour de nombreux films de ce genre, l'exécution fait l'affaire, transformant «Casablanca» en l'un des drames romantiques les plus fascinants de tous les temps, qui est également incroyablement bien joué; Humphrey Bogart et Ingrid Bergman sont de premier ordre et sont habilement soutenus par des joueurs comme Paul Henreid, Claude Rains et Conrad Veidt.
39. Barry Lyndon (1975)
Quand on considère le cinéma comme une forme d’art, on ne peut nier la perfection de Barry Lyndon, de la belle cinématographie, des décors fascinants, de la musique exceptionnelle à la mise en scène puissante. En tant qu'histoire, il raconte la vie d'un jeune homme dans l'Europe du XVIIIe siècle alors qu'il gravit les marches vers l'aristocratie, pour être ramené par son malheur. L'image a en elle-même certaines des plus grandes scènes jamais filmées, faisant des utilisations à couper le souffle de la lumière, des couleurs, des caractéristiques physiques, etc. Il n'y a pas de meilleure façon de résumer la vie d'une personne que de la regarder objectivement, et c'est ce que ce film a fait en utilisant un narrateur peu fiable. Il est froid et distant, donnant rarement au public une chance de ressentir le protagoniste. De cette perspective, Barry Lyndon est une étude de caractère somptueuse, avec des personnages riches, une touche réaliste et une façon poétique de communiquer l'émotion. C'est tout simplement le cinéma à son meilleur.
38. Le général
L'un des titres les plus anciens de la liste, 'The General', rappelle que de nombreux chefs-d'œuvre de l'action moderne sont assis dans une très longue ombre - projeté par nul autre que le génie de la comédie silencieuse Buster Keaton. Bénéficiant d'une œuvre aussi impressionnante que Charlie Chaplin, l'adorable clochard de ce dernier artiste troque les lieux avec une cavalcade de personnages délicieusement loufoques dans le cas de Keaton; le tout entouré d'une curiosité cinématographique hérissée qui a repoussé les limites du médium dans des films comme Sherlock Jr. et The Cameraman. Tout cela sans même mentionner son opus magnum, le général de 1927: à la suite d'un ingénieur confédéré se précipitant pour avertir son côté de l'avancée des troupes de l'Union pendant la guerre civile américaine. Son récit forme un modèle pour le récent 'Mad Max: Fury Road' de George Miller et à peu près tous les films de chat et de souris jamais réalisés, avec sa comédie hilarante, ses effets spéciaux impressionnants et ses cascades de bravade qui voient Keaton mettre sa vie plus en danger. qu'une fois pour l'adulation de son public aimant. Le général reste l'un des plus beaux films d'action, sinon le plus beau jamais réalisé - un film qui s'amuse avec chaque once de son être et parvient à invoquer autant de moments d'une ampleur épique superbement gérés pour rivaliser avec tous les jeux chargés de CG réalisés aujourd'hui.
37. Blow Up (1966)
Le temps ? Le swing des années soixante. Le lieu? Londres. La ville qui éblouit et éblouit. Vibrant et glamour. Sexe, drogue et rock n roll. En somme, une journée dans la vie de Thomas, un photographe de mode qui vit une vie, disons de moralité douteuse. Dans une journée riche en événements, en parcourant les photographies d'un couple qu'il a capturé assez subrepticement dans un parc, il y découvre un cadavre. Il se rend au même endroit et trouve que le corps est l'homme du couple. Peur, il revient dans son atelier pour le trouver saccagé mais avec une photo à gauche, celle du cadavre. Le lendemain, le corps disparaît. Qui l'a assassiné? Et pourquoi le corps a disparu? Pourquoi Thomas a-t-il senti qu'il était suivi? «Blow Up» est l’acte de classe du réalisateur Michelangelo Antonioni qui a inspiré de nombreux cinéastes au fil des ans, dont Brian De Palma et Francis Ford Coppola.
36. Eternal Sunshine of the Spotless Mind (2003)
L’épiphanie vertigineuse et surréaliste d’amour et de chagrin n’a jamais été explorée de la manière et avec le degré de succès avec lesquels «Eternal Sunshine of the Spotless Mind». Luxuriant avec de belles images et une partition inventive similaire à une bande-son de l'époque silencieuse, il est impossible de tout expliquer sur «Eternal Sunshine of the Spotless Mind». Nul doute que le film est superposé avec un récit difficile à suivre - même si en fait, c'est simple une fois que vous commencez à suivre - c'est l'un de ces films qui est richement gratifiant simplement parce que vous ne pouvez pas vous empêcher de vous évanouir devant le concept très réfléchi et profondément émouvant. film que ce soit. Mais la vraie star du spectacle est son écrivain, Charlie Kaufman , qui sous la forme de «Eternal Sunshine of the Spotless Mind», aurait très bien pu écrire le scénario le plus profondément brillant de l’histoire du cinéma. Un film qui est non seulement unique à sa manière, mais aussi à l'infini ré-regardable avec quelque chose de nouveau à trouver dans chaque visionnage.
35. Chauffeur de taxi (1976)
Dans ‘Taxi Driver’, Martin Scorsese nous présente l’un des protagonistes les plus dérangés, improbables et fantaisistes de notre époque à Travis Bickle. Le film le suit alors qu'il devient chauffeur de taxi pour faire face à son insomnie et le regarde être lentement submergé par toute la folie de la ville qui l'entoure. La vraie façon dont Taxi Driver gagne en tant que film est de savoir comment il réussit à se faufiler vers vous, se frayant lentement un chemin à travers la sordide et l'horreur qui semblent affronter Travis Bickle. En cela, il mérite à juste titre sa distinction de thriller psychologique plus que de drame, travaillant souvent à plus de niveaux que simplement les deux. Le film peut être une montre dérangeante pour certains, en raison de son sujet sombre, d'un traitement encore plus sombre et d'une poignée de violence, mais pour les téléspectateurs désireux de regarder au-delà, ce n'est rien de moins qu'une brillante tentative de comprendre le rôle du la psyché humaine qui prend le plus souvent la forme du vigilantisme. Je veux dire, qui ne songe pas à se relever et à lui rendre l’incorrection de notre époque? C’est ce fantasme de réalisation de souhait profondément ancré avec lequel «Taxi Driver» joue d’une manière très efficace. Le film est maintenant largement considéré comme l'un des films les plus importants jamais réalisés et a présenté au monde la force qu'était Scorsese.
34. Paths Of Glory (1957)
Avant que Stanley Kubrick ne se mette à explorer les aspects inexplicables de la société qui transcendent non seulement le temps, mais aussi les attentes des téléspectateurs par rapport à eux-mêmes, il a réalisé cette pièce de guerre fascinante que je classe aux côtés de «Come and See». Contrairement à ce dernier, Paths of Glory extrait son interprétation déchirante de WW de la même superficialité humaine, qui a dominé les dernières œuvres de Kubrick. Dans le monde de Kubrick, les démons ne sont pas couverts de sang et de boue, mais de médailles et d’orgueil, et l’enfer plonge dans l’endroit le plus sacré, la cour. À une époque où l’industrie avait adopté l’attrayant 3 bandes, le monochrome de Kubrick a peint la guerre avec une seule teinte. Les corps, les chiffons, les baraquements, la fumée, les cendres, tout camouflé avec le spectacle commun de l'agonie pénible.
33. Trois couleurs: rouge (1994)
La partie la plus triste de la disparition d’un artiste, c’est quand on pense que son œuvre finale est la plus belle de tous les temps. C’était le cas de l’auteur polonais Krzysztof Kieslowski et de son dernier film «Red». Kieslowski avait déjà annoncé sa retraite du cinéma après la première du film à Cannes en 1994, mais c’est sa disparition tragique près de deux ans après avoir annoncé sa retraite qui le rend encore plus profondément triste. «Red» est le dernier volet de sa trilogie très acclamée «Three Colors» et raconte l'histoire d'une jeune femme qui rencontre un vieil homme après avoir accidentellement heurté son chien avec sa voiture. Le vieil homme est un juge à la retraite, détaché de la vie et de toute sorte d'émotions et passe son temps à espionner les autres. Un lien improbable avec des nuances romantiques subtiles se développe entre les deux. «Rouge» parle de chances et de coïncidences qui nous frappent tous les jours et de notre incapacité à en reconnaître la beauté et la signification. Il y a un sentiment inexplicable de mélancolie qui règne tout au long du film sur la tragédie du destin humain et du temps et comment nous, en tant que personnes dans le monde, sommes tous connectés d'une manière ou d'une autre. «Red» est un exploit étonnant dans la réalisation de films et est tout simplement l’un des plus grands films jamais réalisés.
32. Le trésor de la Sierra Madre (1948)
Comme son nom l'indique, nous associons souvent la chasse au trésor à l'aventure palpitante et à la montée d'adrénaline qui y est associée. Mais très peu d'histoires parlent des émotions que les gens subissent lorsqu'ils se lancent dans un voyage pour obtenir cet or. On dit souvent que l’adversité fait ressortir votre vrai caractère. «Le trésor de la Sierra Madre» raconte une histoire où la soif d’or entraîne des changements peu recommandables dans les personnages, aboutissant finalement à leur désolation individuelle. Alors que l’accent est mis sur l’avidité qui corrompt la conscience, c’est l’étude du caractère humain dans des situations défavorables qui reste avec le spectateur. Histoire tragique de cupidité et de trahison, ce film a remporté le prix académique du meilleur réalisateur, du scénario le mieux adapté et du meilleur acteur de soutien. Au fil des années, c'est devenu un classique culte pour les amateurs de cinéma du monde entier.
31. Pulp Fiction (1994)
Pulp fiction, un terme qui désigne les magazines ou les livres mettant en avant la violence, le sexe et le crime. Ces éléments ont fait vendre les magazines comme des crêpes chaudes. Tarantino a pris ces éléments, les a mélangés autour de trois histoires et a créé un récit qui n'était rien de moins qu'un génie cinématographique. L'un des films de culture pop les plus uniques à avoir été réalisé, le spectateur se familiarise avec le monde du tueur à gages de la mafia Vincent Vega, son partenaire dans le crime et le motormouth Jules Winnfield, la femme du gangster Mia Wallace, le boxeur Butch Coolidge et est époustouflé par son traitement élégant du crime et de la violence. L’un des aspects les plus importants du film qui a contribué à son succès a été la performance de Samuel L. Jackson. En tant que tueur à gages Jules Winnfield qui cite des versets bibliques comme punchlines, il était phénoménal. L’un des plus grands films de cette époque, 'Pulp Fiction' est devenu un manuel pour les cinéastes en herbe du monde entier.
30. La bataille d'Alger (1966)
Peu de films ont exercé le fardeau de la politique d'une manière qui enrichit leur effet cinématographique, mais laissent au maestro italien incendiaire Gillo Pontecorvo le soin de prendre le point d'éclair encore frémissant de l'oppression coloniale française de la fin des années 50 du peuple algérien et de le transformer en quelque chose. absolument convaincant. Le parallèle toujours prémonitoire de l'observation admirablement neutre de Pontecorvo de la terreur et du terrorisme commis par les deux camps fait aujourd'hui l'expérience de la `` bataille d'Alger '' un défi intellectuel fascinant pour notre compréhension de la guerre en noir et blanc, au vu de la froideur empalante de Miklós. Filmographie indélébile de Jancsó. De plus, ses techniques de montage d'actualités sont un jalon dans la communication cinématographique et, à mon avis, ont beaucoup plus utilisé les techniques de découpage frénétique de la Nouvelle Vague que bon nombre de ses têtes de mât exploratoires. Une fois vue, jamais oubliée, «La bataille d’Alger» est tout simplement une pièce phare du cinéma mondial.
29. Goodfellas (1990)
C’est le rêve d’un réalisateur de créer un film datant de l’époque où il est réalisé. Mais pour Martin Scorsese, c’est une habitude. Pour chaque décennie, il a été un A-Lister, il a réalisé un film considéré comme l'un des plus grands de la période. Il a fait 'Taxi Driver' dans les années 1970, 'Raging Bull' dans les années 1980, 'Goodfellas' dans les années 1990, 'The Departed' dans les années 2000 et 'The Wolf Of Wall Street' dans les années 2010. Et c'est le drame de gangsters de 1990 basé sur la véritable histoire de l'associé du gangster Henry Hill qui est devenu l'une des références du genre. Le film, raconté à la première personne par Hill, raconte son ascension et sa chute dans le cadre de la mafia new-yorkaise de 1955 à 1980. Contrairement à toute l'extravagance des gangsters dans «Godfather» ou «Scarface», «Goodfellas» traite de la détails authentiques de la vie quotidienne des gangsters, mettant l'accent autant sur la relation de Hill avec sa femme Karen que sur ses exploits avec ses compagnons de gang. Mais Scorsese utilise toutes les flèches dans son carquois d'astuces pour rendre cette affaire alléchante, comme ce long travelling légendaire , un dialogue mémorable et un acte explosif de Joe Pesci dans le rôle de Tommy DeVito, l'associé tumultueux de Hill. En ce qui concerne le genre de crime, 'Goodfellas' est aussi bon que possible.
28. Raging Bull (1980)
Martin Scorsese est connu pour dépeindre dans ses films des histoires de protagonistes brisés, imparfaits et souvent autodestructeurs. Et il a souvent parcouru les annales de l'histoire pour retrouver ses héros tombés dans des histoires vraies. «Raging Bull» est l’histoire de la vie du boxeur légendaire Jake LaMotta, dont la rage autodestructrice et obsessionnelle, la jalousie sexuelle et l’appétit animal, qui avaient fait de lui un champion sur le ring, ont détruit sa relation avec sa femme et sa famille. Le film est entièrement tourné en noir et blanc, pour véritablement dépeindre l'époque dans laquelle il s'est déroulé et l'atmosphère sombre et déprimante qu'il définissait. Scorsese s'attendait à ce que ce soit son projet final. Ainsi, il était minutieusement exigeant dans sa réalisation. Tout aussi dévoué était Robert De Niro, qui joue le rôle principal. Il a pris 60 livres et s'est en fait entraîné comme boxeur. Il imprègne les maniérismes fusionnés de LaMotta avec une perfection ardente alors qu'il se submerge complètement dans le personnage. Il a reçu un mérite pour ses ennuis. C’est le plus grand triomphe de Scorsese-De Niro. Un opus magnum intense et puissant.
27. Le parrain: deuxième partie (1974)
Dans l'histoire des deuxièmes tranches, peu de films ont été connus pour être à la hauteur du premier, laissez-les surpasser à certains égards. Si une liste comprenant de tels films est faite, 'The Godfather: Part II' sera son joyau. Vivre à la hauteur de l’héritage du premier était une tâche gigantesque en soi, mais cette continuation de la saga «The Godfather» a non seulement réussi à cela, elle a également élargi son héritage pour devenir une partie de la plus grande histoire américaine sur le crime organisé jamais racontée. Le film présente deux récits parallèles; l'un traitant de Michael Corleone en tant que nouveau chef de «l'entreprise familiale» Corleone, le second présentant un excellent Robert De Niro en tant que jeune Vito Corleone, et son ascension au pouvoir. Les deux histoires sont habilement tissées, offrant un récit séduisant qui ne lâche pas une seule fois son emprise sur le spectateur. Al Pacino fait une partie de son meilleur travail ici, son nouveau regard mordille pratiquement le paysage chaque fois qu'il fait une apparition à l'écran. Un de ces films presque parfaits qui peuvent être visionnés indépendamment de l'heure, du lieu et de votre dernier visionnage, et vous vous retrouvez toujours dans une soumission totale et en admiration devant lui. Si la partie I est le saint autel, la partie II est le pain et le vin.
26. Une orange mécanique (1971)
La première chose qui vient probablement à l’esprit lorsqu'on lui demande de décrire ce film en un mot est «dérangeante». Seul film de la liste que j'ose revisiter, je me suis surpris à tressaillir plusieurs fois en regardant ce film. «A Clockwork Orange» est un commentaire social à son plus sans compromis, fournissant des images austères dont on ne peut jamais se remettre. C'est sombre, c'est tordu et cela n'apporte pas de rédemption à ceux qui la recherchent dans un film avec probablement la plus sombre interprétation d'une dystopie en termes sociétaux. Et c’est là, je crois, que réside le succès du film à faire passer un message inquiétant à la maison. Non conventionnel de quelque manière que vous puissiez l'imaginer, il nous fournit des protagonistes qui sont méchants au cœur et se livrent à des actes d '«ultraviolence» et de viol; il commente l'état socio-politique des choses de la manière la plus dure que vous puissiez imaginer, vous met dans un état de confusion alors qu'Alex DeLarge (joué par un charismatique Malcolm McDowell) est soumis à des manières inhumaines de reconditionnement et finit par laisser le public dans un farrago de toutes les choses que cette expérience inquiétante vous fait ressentir à la fois. Vraiment, une œuvre aux proportions kubrickiennes.
25. Vertige (1958)
L’histoire de «Vertigo» se déroule comme suit: l’ancien détective Scotty (James Stewart) souffre d’acrophobie en raison d’un incident survenu dans l’exercice de ses fonctions. Il est approché par un vieil ami pour garder un œil sur sa femme Madeleine qu'il croit possédée. Initialement sceptique, Scottie devient bientôt obsédée de manière autodestructrice par la jolie dame, qui semble être beaucoup plus qu'elle ne le laisse supposer. L’éclat d’Alfred Hitchcock réside dans le fait que ses plus grands films, passionnants à regarder la première fois, semblent ouvrir une nouvelle couche de compréhension au spectateur à chaque coup d’œil successif. Bien sûr, en un coup d'œil rapide, «Vertigo; est un mystère de meurtre psychologique bien conçu. Mais en le regardant encore et encore, ses thèmes d'agression masculine et de construction de l'image féminine dans l'esprit d'un homme commencent à se déployer comme une boîte à l'infini et à vous engloutir. Probablement le film le plus finement vieilli jamais réalisé, la brillance à combustion lente de Vertigo est attestée par le fait qu'après s'être ouvert à des critiques mitigées, le film est largement considéré comme l'un des plus grands films jamais réalisés. Un chef-d'œuvre du maître des thrillers.
24. Hiroshima, mon amour (1959)
Né de l’esprit du visionnaire français de la Rive gauche Alain Resnais, «Hiroshima mon amour» est un film qui pleure d’une puissance transcendantale. Son histoire du temps entrelacée avec la mémoire et les cicatrices des deux qui ont eu lieu à Hiroshima pendant la Seconde Guerre mondiale, racontée à travers deux personnes - un Français, un Japonais - alors qu'elles tentent de reconstituer le message dominant de la dévastation causée là-bas. Sauf qu'il n'y a rien à gagner, intellectuellement ou émotionnellement, à une telle folie. C’est un travail imprégné de deuil international - qui va plus loin que le conflit lui-même et dans les vérités et les répressions qui hantent les êtres humains chaque jour. À travers les réverbérations de l'explosion atomique, nous trouvons une petite partie de ce qui ne va pas chez nous. Le fait que Resnais comprenne simplement cette confusion intouchable, plutôt que de tenter de la réparer, est ce qui fait de «Hiroshima mon amour» l’un des grands chefs-d’œuvre du cinéma.
23. Au Hasard Balthazar (1966)
Le chef-d’œuvre désolé de Robert Bresson est un exercice de sentiment. Cela évite de définir un protagoniste clair ou un thème central à moins de compter la force miraculeuse de la nature qu'est Balthazar et si vous prenez le film pour valeur nominale, vous ne le faites pas. Mais si vous lui permettez d’être votre point d’accès au paysage émotionnel et thématique du film, il est difficile d’en revenir sans récompense. Le style visuel particulier, mince et cool de Balthazar semble presque glamour rétrospectivement; sa fragilité placide enveloppée dans un sentiment de contrôle résigné et singulièrement sage. Même son honnêteté palpable cache un effort étudié pour se retenir un peu, pour nourrir dans sa simplicité de décor et de caractère une richesse laissée au public à découvrir et dans certains cas à couper le souffle, à imaginer. Parce que les acteurs parlent si peu de leur situation difficile, nous subissons les actes de cruauté aléatoires et déraisonnables et ressentons une tristesse étouffante. pour leur. Sous une forme où même les artistes les plus accomplis ne visent qu'à élever les sens des spectateurs en se conformant à ce qui a fait ses preuves, les images de Bresson m'ont fourni un modèle lyrique sur lequel fonder l'ampleur de ma compassion, pour même évaluer à quel point cette compassion est consciente. .
Tout cela me ramène à ma pensée originale. Attribuer une signification à chaque moment dans «Balthazar» ne dépend pas du fait que nous supposons que son contenu est des allégories de nature sociale ou même politique, mais de la façon dont elles nous font ressentir en savourant leur complexité et leur tranquillité, au lieu de compter sur l'exposition stupide à laquelle la plupart des films ont recours. Il est donc parfaitement logique que le protagoniste soit l'âne éponyme.
22. Andrei Rublev (1966)
Je pense qu ’« Andrei Rublev »est le meilleur exemple du concept de l’auteur russe Andrei Tarkovsky de la sculpture dans le temps. Une grande partie de ses derniers travaux était abstraite, car il traitait de thèmes et de visualisations incroyablement personnels, dispersés à travers le temps. Avec «Andrei Rublev», Tarkovsky a capturé le temps lui-même et l'a ensuite caressé avec les teintes les plus profondes de l'âme d'un artiste. Tarkovsky est probablement le seul cinéaste capable de réaliser la plus haute réalisation en décrivant la répression d’un artiste. Il explore les régimes oppressifs de la Russie qui sont aussi indigènes au pays que sa littérature profonde qui a étonnamment remis en question les questions les plus impérieuses concernant le spirituel et la métaphysique. Beaucoup des traits ultérieurs de Tarkovsky, y compris le tournage du flux de la nature, peuvent être observés dans le voyage d'Andrei Rublev. C'est un film qui vous filme, vous brise et vous fait réfléchir - à la fois pendant le film et longtemps après la fin du générique.
21. L'aventure (1960)
Que pensez-vous d'un mystère non résolu? Ou une histoire inachevée? Cherchez-vous la fermeture en la recherchant désespérément? Ou vous acceptez les faits et passez à autre chose? N’est-ce pas la vie? Compromettre et passer à autre chose? Film qui a valu la reconnaissance de Michelangelo Antonioni à travers le monde, «L’Avventura» est l’histoire d’une jeune femme en train de disparaître, lors d’un voyage en bateau sur la côte de la Sicile. La recherche d'elle, rassemble son ancien amant et meilleur ami et une relation troublante commence. Alors que l'histoire est tissée autour de la recherche d'une femme disparue, son véritable objectif est de construire un récit, sans être centré sur un événement majeur et toujours en mesure de captiver le public. Les véritables motifs des personnages centraux ne sont jamais pleinement expliqués et à la fin du film, le spectateur est obligé d'accepter que certains événements restent inexpliqués, tout comme la vie. Un chef-d'œuvre incontestable!
20. À bout de souffle (1960)
Bien avant que Quentin Tarantino ne se fraye un chemin sur la scène indépendante américaine avec son approche follement non-conformiste de la réalisation de films qui mettait l'accent sur le style plutôt que sur la substance, il y avait cet homme nommé Jean Luc-Godard qui a sans crainte pris les grammaires cinématographiques traditionnelles et les a brisées imprudemment. vers le bas, redéfinissant et façonnant les films tels que nous les voyons aujourd'hui avec un film intitulé «Breathless». Aucun autre film n’a peut-être réussi à capturer la folie éphémère de la jeunesse comme le fait «Breathless» avec son énergie imprudente et son ambiance enivrante. L'utilisation bizarre des coupes de saut exalte la folie inhérente à la prémisse alors que Godard vous éloigne farouchement de ses personnages, vous demandant de vous concentrer sur les aspects fragmentés de l'intrigue au lieu de l'histoire dans son ensemble. «Breathless» est l’un des débuts cinématographiques les plus importants de l’histoire du cinéma et, s’il continue de polariser les cinéphiles et les critiques, on ne peut nier l’influence qu’il a sur le cinéma moderne.
19. Sept samouraïs (1958)
Akira Kurosawa est l'un des réalisateurs les plus originaux, influents et référencés à avoir jamais vécu. Roger Ebert a dit un jour à propos de Kurosawa 'On pourrait soutenir que ce plus grand réalisateur a donné un emploi à des héros d'action pendant les cinquante prochaines années' et il n'aurait pas pu être plus vrai. 'A Fistful Of Dollars' de Sergeo Leone, qui aurait donné naissance au genre Spaghetti Western, est inspiré du 'Yojmbo' de Kurosawa. Notre entrée actuelle est également un tournant technique et créatif et a inspiré d'innombrables récits directs, ainsi que de nombreux éléments visuels du cinéma moderne . Le drame épique raconte l'histoire de sept Ronin (samouraï sans maître) qui prennent les armes pour défendre une civilisation pauvre qui n'a plus de place pour eux des pillards de bandits au 16ème siècle au Japon, qui culmine dans une bataille féroce. Mais l’éclat de «Seven Samurai» réside dans le fait qu’il raconte une foule d’histoires bien conçues allant de tous les genres au drame principal. Il y a des éléments d'action, d'aventure, de romance et de passage à l'âge adulte présents partout dans le film. Il se compose également de personnages aussi richement développés qu'un steak rare, qui deviendra plus tard des agrafes de plusieurs genres. Vraiment une œuvre d'art inspirante.
18. L'Arbre de Vie (2010)
«L’arbre de la vie» est la plus haute forme de cinéma: il ne raconte tout simplement pas une histoire mais vise à changer votre vie. C'est un film qui mettra du temps à grandir sur vous, et quand c'est le cas, vous aurez du mal à ne pas y penser constamment. Poème cinématographique d’une portée et d’une ambition extraordinaires, ‘The Tree of Life’ ne demande pas seulement à son public d’observer, mais aussi de réfléchir et de ressentir. Dans sa forme la plus simple, c'est une histoire du voyage pour se retrouver. Dans sa forme la plus complexe, c'est une méditation sur la vie humaine et notre place dans le grand schéma des choses. Peu importe la foi que vous croyez ou si vous croyez en une entité supérieure du tout. Le véritable sentiment d'émerveillement dans le film provient de la magie qu'est la vie elle-même. Le plus bel aspect du film est qu'il ne cesse de s'améliorer avec le temps, comme un bon vin.
17. Gros plan (1990)
Le regretté grand auteur iranien Abbas Kiarostami voyait souvent la beauté et la poésie dans les épisodes les plus absurdes de la vie humaine. Avec des intrigues trompeusement simples et des décors naturalistes, Kiarostami a exploré des thèmes universels qui transcendaient de manière transparente les barrières culturelles en raison du type d'humanité dans lequel son cinéma était intrinsèquement enveloppé. `` Close Up '' est sans doute son œuvre la plus aboutie et l'une des œuvres les plus originales et inventives. de l'art cinématographique jamais produit. Le film prend la forme d'un docu-fiction pour raconter le procès réel d'un homme qui s'est fait passer pour le réalisateur iranien Mohsen Makhmalbaf. Le casting comprend des personnes qui étaient réellement impliquées dans le procès, jouant elles-mêmes dans le film. `` Close Up '' est une exploration étonnante de l'identité humaine vue à travers les yeux d'un homme ordinaire qui lutte pour faire face à lui-même et à sa vie et, par tristesse désespérée et amour sincère pour l'art du cinéma, il se met à la place de son idole pour savoir ce que ça fait d'être vraiment vivant, admiré et respecté. C'est un cinéma du plus haut niveau.
16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)
Ce long métrage d'avant-garde français mettant en vedette Delphine Seyrig comme personnage principal n'est pas une simple expérience cinématographique. C'est plus proche d'un exercice - un test, et vous affecte d'une manière que peu d'autres films ont faite avant ou depuis. La pièce indépendante se concentre sur trois jours dans la vie d'une femme au foyer solitaire et troublée, alors qu'elle passe par son horaire strict rempli de tâches ménagères banales. Elle est une mère et une veuve qui fait du travail du sexe pour les messieurs le soir pour gagner sa vie. Des problèmes surviennent lorsque, le deuxième jour, sa routine est légèrement perturbée, conduisant à une sorte d'effet domino qui se reflète dans les heures qui la suivent. Jeanne Dielman nous entraîne dans son monde lent et méditatif avec la signature de réalisateur distinctive d'Akerman, impliquant une atmosphère diégétique, et une aura hypnotique provoquée par la personnalité calme, subtile et patiente du chef-d'œuvre, qui est une douloureuse célébration de la monotonie de l'existence.
15. Rashomon (1950)
L'une des œuvres cinématographiques les moins conventionnelles et expérimentales de l'époque, «Rashomon» regarde le maître au travail, mettant tout en œuvre avec ses talents de narrateur. Pour le dire simplement, il s'agit du récit d'un incident qui s'est produit à travers quatre points de vue très différents, ceux de l'accusé, des victimes et de ceux qui prétendent être des témoins oculaires. Il se démarque sur tous les plans techniques avec un montage presque parfait et une direction magistrale, mais le film assure ses victoires sur les questions thématiques qu'il traite; les questions sur l'existence d'une vérité absolue. La vérité est-elle vraiment aussi objective et inéquitable qu'on le prétend, ou y a-t-il une certaine subjectivité qui y est liée? Normalement, il est objectif, ou du moins largement considéré comme tel, sans apparemment aucune autre version de celui-ci. Ce film l'interroge de telle sorte que le spectateur lui-même est exaspéré par les questions, commentant aussi fréquemment comment les gens ne sont parfois pas complètement honnêtes envers eux-mêmes. Il est aussi thématiquement complexe que possible, mais en apparence aussi simple que vous le souhaitez.
14. Stalker (1979)
En gardant ses descendants inférieurs, qui incluent la série télévisée à succès «Westworld», à distance, l’influence colossale de «Stalker» sur la narration visuelle ne peut être surestimée. Les idées - philosophiques, spirituelles et scientifiques - ainsi que leur exploration cinématographique habile et glorieuse dans «Stalker» ont trouvé leurs impressions sur de nombreuses science-fiction pour venir après. Ce n'est pas tant le glissement, la transe induisant et par moments, le rythme abstrait ou l'utilisation émouvante de sépia monochromatique en dehors de la «Zone» et les couleurs d'impression des lieux en Estonie, qui ont été reflétés dans le travail de cinéastes comme Terrence Malick et Lav Diaz, pour n'en nommer que quelques-uns, mais la patience et l'humilité persistantes. Remettant largement les règnes philosophiques au public, Tarkovsky laisse tellement de place aux téléspectateurs de découvrir les multiples facettes métaphysiques du film pour eux-mêmes, que même sa poésie littérale et visuelle inégalée semble autant le fruit de notre fabrication que de la sienne. et ses collaborateurs ». Et pourtant, le film reste distant, nous guidant dans les mystères insondables de l'esprit et du cœur, et nous ne finissons jamais par les démêler, car la voie directe n'est jamais la bonne.
13. Fanny et Alexander (1982)
Près de 35 ans après sa sortie initiale, le dernier long métrage de réalisation de Bergman est tout aussi fascinant à disséquer que pour les critiques du monde entier à l'époque qui semblaient tous avoir du mal à faire entendre leurs opinions à ce sujet. Ces opinions étaient beaucoup plus controversées qu’aujourd’hui, mais la place du film dans la filmographie de Bergman semble encore difficile à définir. C'est différent, par le ton, la structure et l'ampleur, de tout ce que Bergman avait fait jusqu'à présent. Mais c'est aussi une fusion indubitable de tous ses instincts thématiques et visuels entrecroisés dans cette tapisserie affirmant la vie d'une famille au début des années 1900 en Suède. Son exubérance pittoresque semble attirer toute votre attention dès la première visualisation avec ses variations profondément immersives de rouges, de verts et de jaunes doux et chauds qui forment une palette de couleurs si enivrante que son absence - quand tout est drapé de blancs, de noirs et de bleus durs - semble punitif. Les chroniques méticuleusement élaborées de Bergman rayonnent de la verve d’un pique-nique familial et possèdent la familiarité des liens humains maintenus ensemble pendant des décennies par une affection authentique et fragile. Dans cette interprétation généreusement montée de la vie, la naissance et la mort sont toutes deux fortuites. Dans le petit monde ces personnages, comme la plupart d'entre nous, habitent, les joies circonférentielles sont tout ce que l'on peut espérer et elles leur suffisent, comme elles devraient l'être pour nous. Est-ce une illusion? En regardant ce gigantesque ensemble faire de telles merveilles, on pourrait le penser. Si c'est le cas, croyez-moi, vous ne voulez pas qu'il soit brisé.
12. Apocalypse Now (1979)
Il y a des films de guerre qui montrent les subtilités de la guerre (comme `` Enemy At The Gates ''), d'autres qui en réprimandent et en détestent la notion (comme `` Le pianiste '') et puis il y a l'audacieux `` Apocalypse Now '', qui n'offre aucune opinion ou conclusion, mais met plutôt à nu une représentation graphique des horreurs de la guerre tout en glorifiant les soldats qui y participent. Le débat fait rage à ce jour pour savoir si «Apocalypse Now» est pro-guerre ou anti-guerre. Aimez-le ou détestez-le; la chose sûre est que vous vous en souviendrez. L'une des productions les plus problématiques de l'histoire d'Hollywood, le montage final du scénariste-réalisateur Francis Ford Coppola a abouti à son œuvre la plus brillante sur le plan technique. Le principe de base est simple: le capitaine Willard doit «mettre fin à un préjugé extrême», le colonel Kurtz qui est entré en territoire ennemi et est parti AWOL. Mais c'est le voyage débilitant de Willard à travers les terribles champs de bataille du Vietnam (surélevés par la cinématographie à couper le souffle de Vittorio Storaro) qui reste gravé dans les esprits bien après le générique. Mettant en vedette une scène mémorable après l'autre et des performances définitives de Martin Sheen dans le rôle de Willard, Marlon Brando dans le rôle de Kurtz et Robert Duvall dans le rôle du lieutenant-colonel Kilgore, «passionné de napalm», «Apocalypse Now» comme Coppola l’a dit à juste titre «ne concerne pas le Vietnam. C'est le Vietnam ».
11. Les 400 coups (1959)
«Les 400 coups» de François Truffaut est une véritable œuvre d’art issue d’une vraie douleur. Œuvre vraiment sincère et profondément personnelle, Truffaut a dédié le film à son père spirituel et théoricien du cinéma de renommée internationale, André Bazin. De nature nettement autobiographique, la propre enfance de Truffaut a été troublée, et cela se reflète très clairement dans le film. À l'extérieur, le film parle de la délinquance juvénile et adolescente souvent motivée par la négligence sociétale et parentale. Regardez un peu plus loin et vous trouverez un film sur l'espoir; espérons que ce soit à la fois intense et thérapeutique. Antoine Doinel, le protagoniste, est en quelque sorte une représentation crue de la société elle-même, une société qui cache ses propres échecs derrière des règles, des punitions et des jugements. Le film coule comme une rivière et entraîne le public dans un voyage d'espoir, de désespoir, d'empathie et même de colère pure. Si jamais vous avez voulu voir à quoi ressemble un chef-d’œuvre, ne cherchez pas plus loin que «Les 400 coups».
10. Mulholland Drive (2001)
David Lynch n'est pas un cinéaste. L'homme est un rêveur. Et «Mulholland Drive» est le plus grand rêve dont il ait jamais rêvé. Un rêve qui englobe toutes les émotions qui englobent l'existence humaine. Il est difficile d’expliquer ou de décrire un film comme ‘Mulholland Drive’ car il s’agit d’un film sur l’expérience et de ce que vous en retenez plutôt que sur une intrigue basée sur un récit conventionnel qui vous nourrit de réponses que vous pourriez emporter avec plaisir. Lynch a souvent déclaré que sa vision d'un film repose essentiellement sur de nombreuses idées et sentiments. Et cela devient une passerelle pour comprendre un film aussi complexe et stratifié que «Mulholland Drive». C’est un labyrinthe de rêves, d’ambitions, de désirs et de cauchemars. Lynch sait ce qui nous terrifie le plus et ce qui nous pousse à la pure folie. Et c’est ce reflet étrangement intime du subconscient humain qui fait de Mulholland Drive une œuvre d’art si profondément angoissante. Celui qui vous enveloppe d'une sensation de chaleur et de tendresse avant de vous couper le crâne.
9. Voleurs de bicyclettes (1948)
«La simplicité est la sophistication ultime» - Leonardo Da Vinci. L'une des tâches les plus difficiles de la réalisation cinématographique est de déterminer quand terminer votre film. La fin de Bicycle Thieves est tellement synchronisée avec le début, car nous partons d'Antonio, un homme ordinaire émergeant de la foule à Antonio, un homme ordinaire, se dissipant dans la foule. La vie dans la Rome d'après-guerre s'était transformée chaque jour en lutte, et il n'y avait presque personne qui sortait de ce marais de misère. Il y a très peu de films qui offrent une introspection aussi profonde que Bicycle Thieves. C'est un film qui vous brisera le cœur en morceaux et qui vous inspirera à vivre pleinement la vie. Rarement, un film aussi simple dans ses prémisses est aussi brillamment efficace dans son message. Il est pratiquement impossible d'oublier le film une fois que vous l'avez regardé. Bien que la plus grande réussite du film réside dans le nombre de cinéastes indépendants qu'il a inspirés, qui jusqu'à ce jour citent «Bicycle Thieves» comme source d'inspiration.
8. Histoire de Tokyo (1953)
«Tokyo Story» est ce à quoi aspire tout cinéaste désireux de raconter une histoire significative. De toute évidence, tous échouent! Il n'y a pas de meilleur exemple d'un film qui rend une histoire épique d'une manière aussi simple mais magistrale, efficace et inoubliable. Avec «Tokyo Story», Yasujiro Ozu a réalisé quelque chose qui est le rêve de tout cinéaste vivant: résider pour toujours dans le cœur et l’esprit du public. Quiconque a vu 'Tokyo Story' saura de quoi je parle. Le film raconte l'histoire d'un couple japonais traditionnel vieillissant qui rend visite à leurs enfants à Tokyo pour se rendre compte que leurs enfants sont trop occupés par leur vie pour s'occuper d'eux et qu'ils sont devenus immensément éloignés d'eux, culturellement et émotionnellement. . Ce qui est également si génial dans le film, c'est son thème universel auquel tout le monde, n'importe où, peut s'identifier. Le style cinématographique d’Ozu garantit également que vous êtes plongé dans un conte qui offre un aperçu profond de la psyché humaine en évolution avec les temps changeants. Tout simplement génial!
7. Dans l'humeur pour l'amour (2000)
«In the Mood For Love» est tout simplement la plus grande histoire d’amour jamais mise en scène. Période. Cela aurait pu si facilement être une pièce de théâtre ou même une poésie. Avec de belles images captivantes et une musique exquise et percutante, ‘In The Mood For Love’ raconte l’histoire complexe de deux individus simples. Deux individus qui traversent la peur et l'attrait de tomber amoureux; et une fois amoureux, la douleur pure de le laisser incomplet. «In the Mood for Love» dépeint l’amour sous sa forme la plus vulnérable. Et ce faisant, il révèle nos propres vulnérabilités et à quel point nous sommes impuissants face à l'amour. Rarement un film aussi discret et si réservé a un tel impact après le visionnement.
Je ne sais pas si le réalisateur Wong-Kar-Wai avait l'intention de faire le film qu'il a réalisé, étant donné qu'il a principalement tourné le film sans scénario. Si vous regardez l'histoire, les œuvres d'art les plus marquantes sont des accidents heureux. Comptez «In the Mood For Love» parmi eux.
6. 8 1/2 (1963)
Numéro huit et demi dans la filmographie du maestro italien, cette épopée étouffante et succulente de fantasmes, de cauchemars et d'une réalité trop confuse est comme un biscotti - résolument absurde dans sa forme et cuit d'une manière qui interdit de le dévorer entièrement en une fois. Son travail de caméra effrayant et agité complète la vision consciente de Fellini d’un cinéaste essayant de canaliser les nombreuses expériences changeantes qu’il a vécues au cours de sa vie nouée dans son nouveau film. Aussi semi-autobiographique que cela puisse être, `` 8 1/2 '' passe devant son public avec toute sa ravissante complexité intacte à un rythme si radical, que je me suis retrouvé à essayer de déconstruire ses images astucieusement composées dans le but de trouver ma propre place dans La spécificité imposante de Fellini, mais n'a jamais pu atterrir fermement sur le sol.
En exploitant la gravité ombragée de Marcello Mastroianni, l’électricité pure de Fellini peut être accablante. Vous vous accrochez à votre perception d'un moment particulier et vous reconnaissez sa richesse sensuelle pour découvrir que le cinéaste est passé à une autre séquence flottante et délicieusement posée. Ses idées sur les artistes et leur obsession déroutante et ridicule pour eux-mêmes peuvent sembler démodées - ou pire, hors de propos - mais l'audace de leur construction et de leur expression ne nous échappe jamais. Il nous ensorcelle et nous séduit, ne nous permettant jamais de le quitter des yeux, puis nous glisse entre les doigts alors qu'il nous vient à l'esprit que nous ne l'avons jamais eu à portée de main. Fellini n'est pas très différente de la clairvoyante Maya du film qui semble savoir ce que tout le monde pense: une compétence attribuée par son assistante à la télépathie. Lorsque notre protagoniste, Guido, interroge l'assistante sur la façon dont elle le fait, il note clairement: «C'est en partie un truc et en partie réel. Je ne sais pas, mais ça arrive. » Aucun mot ne pourrait être plus approprié pour décrire le film avec.
5. Personne (1966)
Je pense qu’il est prudent de dire que «Persona» a brisé le cinéma à lui seul. Étant un film d’horreur à première vue, le classique de 1966 d’Ingmar Bergman est plus une étude de l’identité individuelle qu’autre chose. Utilisant des techniques de montage innovantes, des angles de prise de vue nets, des expressions froides, des dialogues immersifs et une mise en scène splendide, ce film raconte de manière aussi parfaitement ambiguë que possible l'histoire d'une célèbre actrice qui perd sa voix et de l'infirmière qui s'occupe d'elle. dans une maison isolée, où leurs personnalités distinctives commencent lentement à se fondre. Étant l’entreprise la plus «cinématographique» du réalisateur, «Persona» s’assure de contourner toutes les règles conventionnelles du cinéma pour essayer de créer une expérience nouvelle et passionnante. Avec certains des plus grands acteurs jamais mis sur celluloïd, l'atmosphère du film nous aide à apprécier les questions que nous nous posons à ce sujet en nous concentrant intelligemment sur le métier mis en jeu. Il n’existe simplement rien de comparable à «Persona», et cela pourrait très bien être un fait.
4. Le Parrain (1972)
Peut-être le film le plus influent jamais réalisé. L'une des adaptations les plus rares qui soit en fait meilleure que le matériel source - dans le cas du roman du même nom de Mario Puzo - le film a traversé les âges et est un classique dans le vrai sens du mot qui ne cesse de s'améliorer avec chaque visualisation. Le film raconte une famille mafieuse sous Don Vito Corleone et se concentre sur la transition de son fils alors qu’il reprend l’entreprise familiale après la disparition du patriarche. Sans aucun doute, les performances sont l'une des principales forces de ce film, avec des grands comme Marlon Brando dans le rôle de Vito Corleone et Al Pacino dans le rôle de Michael Corleone redéfinissant les normes d'acteur avec leurs performances. Tout le reste, en particulier le scénario et la cinématographie et la partition de l'ambiance, sont normalement définis par un taux A et un genre. À juste titre, il n’existe pas de cinéphile qui n’ait pas vu ce chef-d’œuvre de film. C’est l’autel où nous allons prier.
3. Citoyen Kane (1941)
Le Saint Graal du cinéma américain. «Citizen Kane» a défini presque tous les aspects qui englobent l’art du cinéma. Un film qui a brisé d'innombrables conventions cinématographiques pour en créer de nouvelles. Depuis ses technicités révolutionnaires, notamment l'éclairage, le son et les visuels, jusqu'à son style de narration très innovant, «Citizen Kane» a changé la façon dont les films étaient réalisés. Le film est une étude de personnage profondément profonde qui prend la forme d'un drame mystérieux en dévoilant les vérités de la vie d'un magnat de l'édition énigmatique dont le dernier mot a piqué l'intérêt d'un journaliste. Il entreprend un voyage, explorant un être humain qui a autrefois commencé sa vie avec des ambitions et des désirs crus, mais qui succomberait bientôt aux pouvoirs de séduction de l'avidité et de l'autorité. «Citizen Kane» est une œuvre d’art immensément puissante qui balaie dans son exploration de thèmes profonds et capture les facettes émotionnelles infiniment complexes de la vie en tant qu’être humain.
2. Le miroir (1975)
L'art pourrait-il jamais être si personnel que l'on n'arrive pas à le distinguer de son créateur? C’est une question qui m’a frappé lorsque j’ai vu pour la première fois ‘The Mirror’ d’Andrei Tarkovsky. Il s’agit d’une œuvre d’art où l’artiste s’abandonne totalement à son travail que vous ne faites pas la distinction entre lui et le travail qu’il fait. C’est presque comme si Tarkovsky avait respiré tout le film. Les auteurs ont fait leurs chefs-d'œuvre, changeant et façonnant le cinéma tel que nous le voyons aujourd'hui, mais Tarkovsky a franchi un pas au-delà et atteint l'inatteignable; donner vie à son art. «The Mirror» ne fait que respirer le cinéma. Vous pouviez voir Tarkovsky, sa famille, la culture dans laquelle il a grandi. En fait, vous pourriez réussir à vous y voir, votre mère et il y a ce sentiment de Deja Vu qui frappe votre esprit, en regardant ces endroits. C’est presque comme si vous y étiez, peut-être dans la vie ou dans un rêve perdu quelque part. Et pour un artiste, créer quelque chose d'aussi personnel et intime est quelque chose de vraiment au-delà des mots. C'est un film qui confirme ce que nous avons toujours su: le cinéma est la plus grande forme d'art.
1. 2001: L'Odyssée de l'espace (1967)
Comme toutes les autres entrées de cette liste, «2001» est également une leçon de cinéma. Plusieurs cinéastes, dont Christopher Nolan et Denis Villeneuve, ont expliqué comment le film a été leur inspiration. Alors, oui, le film est une merveille technique. Mais ce n’est pas la raison pour laquelle le film est en tête de cette liste de tant de grands films. Il se situe au sommet car c'est un film qui a osé aller dans un endroit où aucun film n'est allé auparavant. Bon sang, personne ne savait même qu'il y avait un tel endroit où le cinéma pouvait viser à aller. Et si jamais l’art du cinéma exigeait une raison ou une preuve pour corroborer que son but d’existence est bien plus qu’un simple divertissement, alors le voici: le tout à fait fascinant et suprêmement mythique, «2001: A Space Odyssey».
Stanley Kubrick a élargi les horizons du cinéma avec presque tous ses films. Avec «2001: A Space Odyssey», il a également donné un nouveau sens à ce que le cinéma peut accomplir. La majorité des cinéastes utilisent le cinéma comme moyen de raconter une histoire. Mais Kubrick a utilisé le cinéma pour remettre en question. Qu'a-t-il questionné? Tout, de Dieu au but de notre existence. Si «2001: A Space Odyssey» est un film de science-fiction très intelligent à part entière, c’est aussi beaucoup plus. Je crois que c'est un film qui est plus une quête philosophique pour déterminer si Dieu existe. Parlez de viser haut!
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