10 meilleurs films sans intrigue ni scénario

«Il y a des histoires qui n'ont pas besoin d'intrigue. Tôt ou tard, ils surmontent la confusion et démêlent leurs mystères en une série de mots. - Patrice Nganang. Chaque fois que vous entendez quelqu'un dire «Mec, ce film n'avait aucun complot!», L'hypothèse de départ est que le film est nul. Et c'est généralement vrai aussi. Pas toujours cependant.

Un «complot» est un terme littéraire qui définit l'ordre des événements dans une histoire (racontée via n'importe quel support) à travers une séquence interdépendante. Concevoir une intrigue est l'une des toutes premières étapes de la réalisation d'un film, et une étape très importante aussi. De nombreux réalisateurs visionnaires ont rendu des histoires simples extraordinaires simplement en peaufinant l'intrigue ( Nolan «S 'Mémento' ou Gaspar Noah’s ‘Irréversible’ sont de beaux exemples). Mais il y a aussi ces cinéastes qui jettent par la fenêtre la vision conventionnelle du «cinéma avec une intrigue cohérente» et parviennent toujours à captiver les cinéphiles, que ce soit avec des visuels surréalistes, des dialogues contemplatifs, des personnages charismatiques ou tout ce qui précède. Voici la liste des meilleurs films sans intrigue ni scénario.

10. Café et cigarettes (2003)

«Coffee and CIgarettes» est un film d’anthologie composé de 11 segments reliés par, vous l’avez deviné, du café et des cigarettes. Le thème du film est l'absorption dans les obsessions, les joies et les addictions de la vie. Les courtes vignettes N&B s'appuient les unes sur les autres pour créer un effet cumulatif, alors que les personnages discutent de choses telles que les sucettes glacées à la caféine, Paris dans les années 1920 et l'utilisation de la nicotine comme insecticide - le tout assis autour de boire du café et de fumer des cigarettes.

Plus que les plaisirs titulaires, il y a d'innombrables points communs entre les vignettes, tels que la bobine de Tesla, les connaissances médicales, la suggestion que le café et les cigarettes ne font pas un repas sain (généralement le déjeuner), les cousins, le délire, les problèmes de communication, les musiciens, les similitudes entre la musicalité et les compétences médicales, la musique industrielle, la renommée reconnue et l'idée de boire un café avant de dormir pour faire des rêves rapides. Dans chacun des segments du film, le motif commun de l'alternance des carreaux noirs et blancs peut être vu d'une certaine manière, en mettant l'accent sur le thème des contrastes interpersonnels, car chaque vignette présente deux personnes qui sont complètement en désaccord tout en réussissant à s'asseoir à l'amiable en même temps. table. Un effort unique de plusieurs manières.

9. Corde (1948)

Cet effort par Alfred Hitchcock est souvent éclipsé par les chefs-d'œuvre incomparables et passionnants que l'auteur visionnaire a créés. Et honteusement, car alors que les goûts de «Vertigo» ou «Psycho» ont des frissons sans limite, 'Corde' capture la tension palpable en montrant les manières de deux coupables de meurtre en temps réel au cours d'un dîner en soirée.

Dans «Rope», deux brillants jeunes esthètes, Brandon et Phillip, étranglent à mort leur ancien camarade de classe David, dans leur appartement, comme un exercice intellectuel; voulant prouver leur supériorité en commettant le «meurtre parfait». Ils procèdent ensuite à l'organisation d'un petit dîner. Parmi ses invités figurent le père de David, sa fiancée et leur professeur qui avaient déjà discuté des concepts intellectuels de l'Übermensch de Nietzsche et de l'art du meurtre de De Quincey avec les deux. Leur suffisance initiale conduit bientôt à l'hystérie et c'est là que Hitchcock libère son génie technique complexe qui est le point culminant du film.

Le film est composé de plusieurs longues prises et présente des coupes rares, car la caméra effectue un panoramique et un suivi continu des objets, masquant les coupes pour donner une illusion de plans continus. À un moment donné, la caméra se concentre pendant une minute et demie sur un objet inanimé avec un seul personnage visible se déplaçant d'avant en arrière près de lui, le trempant dans le suspense, laissant même les spectateurs les plus calmes et les plus rassemblés au bord de leur siège, se ronger les ongles. L’interprétation par John Dall du numéro habituel du virtuose snob de Brandon et Jimmy Stewart est un bon bonus. Un must pour tout cinéphile.

8. Slacker (1991)

Les débuts de «L'ambassadeur du cinéma au-delà de l'intrigue» Richard Linklater , «Slacker» suit une seule journée dans la vie d’un ensemble composé principalement de bohémiens et de marginaux de moins de 30 ans à Austin, au Texas. Le film suit divers personnages et scènes, ne restant jamais avec un personnage ou une conversation plus de quelques minutes avant de prendre quelqu'un d'autre dans la scène et de le suivre. Les personnages incluent Linklater en tant que passager de taxi bavard, un passionné d'OVNI qui insiste sur le fait que les États-Unis sont sur la lune depuis les années 1950, un théoricien du complot JFK, un anarchiste âgé qui se lie d'amitié avec un homme essayant de voler sa maison, un collectionneur de séries télévisées, et une femme hipster essayant de vendre un frottis de Madonna.

La plupart des personnages sont aux prises avec des sentiments d'exclusion sociale ou de marginalisation politique, qui sont des thèmes récurrents dans leurs conversations. Ils discutent de classe sociale, terrorisme , le chômage et le contrôle gouvernemental des médias, offrant une vision aussi proche de la vie que le cinéma. Étant le premier aperçu au monde du génie égaré de Linklater (qui apparaît deux fois de plus ici), «Slacker» est original, drôle, inattendu et sans cesse engageant.

7. Lost In Translation (2003)

Sofia Coppola 'Perdu dans la traduction' peut être appelé une histoire d'amour, presque. Réflexion sur la manière dont des environnements aliénants peuvent rassembler des personnes improbables et forger des relations inattendues et intenses, il évoque aussi la douce agonie des sentiments non articulés avec perspicacité et maturité. En même temps, il s'agit d'un regard humoristique observateur et froidement amusé sur le Japon contemporain (qui frôle parfois le stéréotype) et comment un étranger y fait face.

Bob Harris ( Bill Murray ), en tant qu'acteur vieillissant dans un mariage malheureux et Charlotte ( Scarlett Johansson ) en tant que diplômée en philosophie de 25 ans qui a l'impression que sa vie manque de direction, sont les deux grandes pièces maîtresses de ce puzzle, alors qu'elles se croisent maintes et maintes fois dans la ville extraterrestre de Tokyo, finissant par se lier sur leur perplexité à ce sujet. Et à partir de là, ce couple improbable développe un lien étrange, presque indescriptible, qui est exploré à travers la majeure partie du film. Et Murray et Johansson jouent habilement leurs rôles avec subtilité et retenue, faisant ainsi passer ce film d'une pièce d'ambiance conversationnelle à une expérience de plaisir avec une gamme émotionnelle solide.

6. L'histoire droite (1999)

En 1999, David Lynch a pris une pause dans la réalisation de ses films surréalistes pour créer ce drame biographique qui suit essentiellement le vieil Alvin Straight qui a conduit un tracteur de pelouse John Deere sur 240 miles pour faire amende honorable avec son frère qui a eu un accident vasculaire cérébral. Avant de faire défiler à la hâte vers le bas en pensant «Comment un vieil homme conduisant une tondeuse à gazon sur 200 miles peut-il aboutir à un bon cinéma?», Permettez-moi de vous arrêter et de dire que c’est exactement là que réside l’éclat inhabituel de ‘A Straight Story’.

Oui, probablement au début du voyage d'Alvin, vous ne prendrez pas la peine de regarder au-delà du vieil homme conduisant lentement, mais comme le paysage magnifique de la campagne, la bande-son douce, les rencontres avec un mélange d'étrangers bizarres et gentils le long du chemin (certains si genre vous ne les croiriez pas être réels si vous ne saviez pas que c'était une histoire vraie) et surtout le passé d'Alvin se décompose, le film se transforme en une affaire intime, et vous vous retrouvez presque à applaudir Straight alors qu'il atteint son destination. Les dialogues, bien que jamais à la limite du philosophique, laissent également une trace durable. Et la façon simple, belle et pas trop sentimentale dont il se termine est gagnante. 'A Straight Story' grandit sur vous.

5. The Breakfast Club (1985)

Qui aurait pensé que l’un des films de passage à l’âge adulte les plus célèbres de tous les temps se déroulerait sur une seule journée d’école? 5 adolescents, de 5 cliques de lycées, dans une détention. C'est toute l'intrigue de `` The Breakfast Club '', mais c'est le regard chaleureux et perspicace sur la vie désordonnée de tous les adolescents, qu'ils soient la reine de beauté, un rat de bibliothèque, un jock, un paria ou le rebelle, qui rend cela un Années 80 classique.

Le thème principal du film est la lutte constante d'un adolescent pour être compris, par les adultes et par eux-mêmes. Il explore la pression exercée sur les adolescents pour qu'ils s'intègrent dans leurs propres domaines de construction sociale du lycée, ainsi que les attentes élevées de leurs parents, enseignants et autres figures d'autorité. En apparence, les élèves ont peu de points communs les uns avec les autres. Cependant, au fur et à mesure que la journée avance et que les stéréotypes évidents sont décomposés, les personnages font preuve d'empathie les uns envers les autres, écartent certaines des inexactitudes de leurs premières impressions et découvrent qu'elles sont plus similaires que différentes, laissant ainsi le spectateur avec un flou. , une bonne sensation et une vision différente des typecasts à rapporter à la maison.

4. Dazed and Confused (1993)

Le deuxième effort de Linklater «Hébété et confus» a fait pour les années 1970 ce que George Lucas 'American Graffiti' a fait pour les années 1960, 'The Breakfast Club' de John Hughes pour les années 1980 et 'The Perks of Being A Wallflower' a fait pour les années 2000 - donnent une image appropriée de la psyché des adolescents. Mais aucun de ceux-ci ne parvient à être aussi percutant que «Dazed and Confused». Le film suit un groupe de lycée adolescents (et Matthew McConaughey ) au cours d'une nuit après le dernier jour du lycée en 1976 au Texas.

Bien que 'Dazed and Confused' ne soit pas aussi structurellement ambigu que 'Slacker', il se déplace d'un endroit à l'autre comme si la caméra était une personne traînant avec les adolescents, emmenant le spectateur avec elle. Avec la représentation précise des rites du lycée que tout Américain qui est allé à l'école dans les années 70 se porterait garant (si l'on en croit IMDB), un excellent ensemble dont beaucoup sont des stars maintenant, les citations de McConaughey à ce jour (Très bien , Alright Alright!) Et une bande-son de rock tueur qui ferait du fangasme des amateurs de rock classique des années 70 (je peux en témoigner!), «Dazed and Confused» est un autre joyau observateur de Linklater.

3. L'arbre de vie (2011)

«En 2011, quand 'L'arbre de la vie' créé pour la première fois au Festival de Cannes, il a divisé le public en plein milieu. Certains l'ont qualifié de chef-d'œuvre, tandis que d'autres l'ont qualifié d'expérimentation excessivement indulgente. Mais assez tôt, la beauté du film a gagné une reconnaissance élogieuse. Vainqueur de la Palme D’Or à Cannes. L'un des trois seuls films du 21e siècle à avoir atteint le Top 150 de la Liste Sight and Sound des plus grands films de tous les temps . Placé dans la liste du légendaire critique Roger Ebert top 10 des meilleurs films de tous les temps . Ce film a tout accompli. Et la raison en est que «l’arbre de vie», comme le bon vin, s’améliore avec le temps. Chaque re-watch apporte une nouvelle perception à ce sujet.

The Tree of Life ’plonge dans l’esprit de Jack O'Brien ( Sean Penn ), un architecte de Houston, réfléchissant sur ses années d'enfance à Waco, entrecoupées d'images surréalistes sur l'origine de la vie qui sont aussi évocatrices que la poésie visuelle peut l'être. Et à travers les extraits de souvenirs de la mère aimante et attentionnée de Jack, de son père disciplinaire et de la croissance de son jeune frère, directeur Terrence Malick nous emmène dans notre propre paradis nostalgique. Ce souvenir simple est encore enrichi par Malick, qui (avec son incroyable directeur de la photographie Emmaneul Lubezki) explore l'origine de l'univers, l'évolution des humains et même une vision de Dieu d'une manière vivante et imaginative. En fait, chaque image de «The Tree of Life» est si méticuleusement conçue que vous pouvez mettre en pause n'importe quelle scène et accrocher ce cadre sur votre mur. Et ne pas s'enliser avec un complot conventionnel était un coup de maître de Malick.

2. Avant le coucher du soleil (2003)

Richard Linklater, comme notre précédent article, semble s'améliorer avec l'âge. Et le positionnement chronologique de ses trois entrées sur cette liste en est une bonne preuve. Après avoir réalisé les deux classiques cultes dont nous avons parlé plus tôt, Linklater a lancé une troïka de films qui a redéfini la manière dont la romance était présentée au cinéma. 'Avant le coucher du soleil' est le deuxième et largement considéré comme le meilleur de cette trilogie magistrale.

Se déroulant neuf ans après les événements de «Before Sunrise» (qui en soi avait un dialogue engageant comme point central et était donc difficile à surmonter), «Before Sunset» réunit Jesse ( Ethan Hawke ) et Céline (Julie Delpy), qui ont juste une heure libre pour parler de leur vie depuis cette nuit il y a neuf ans. Ils sont maintenant plus âgés et plus sages, augmentant ainsi en quelque sorte la profondeur de leur conversation, et Linklater donne une signification subtile même au paysage qui les entoure. Hawke et Delpy se surpassent également, portant sans effort le ton intime des discussions, peut-être soutenus par le fait qu'ils ont co-écrit le dialogue. Ainsi, cette heure de conversation montré en temps réel est aussi attrayant que n'importe quel thriller à trame épaisse espérerait l'être.

1. 12 hommes en colère (1957)

Imaginez un film tourné presque entièrement dans une salle d'audience limitée, sans aucun nom de personnage mentionné et échange de conversation à la toute fin et avec seulement 12 hommes qui se disputent pour acquitter ou condamner un accusé (appelé «le garçon»). La plupart d’entre nous ne seront pas trop ravis avant de le regarder. Mais «12 Angry Men» amplifie son quotient dramatique dès le départ, gardant pour toujours le spectateur absorbé par son affrontement de personnages.

Ce qui commence comme une affaire de meurtre ouverte et fermée devient bientôt un roman policier qui présente une succession d'indices créant le doute, et un mini-drame de chacun des préjugés et des idées préconçues des jurés sur le procès, l'accusé et les uns sur les autres. . Et même si le décor ne quitte jamais la salle d'audience, le combat d'émotions humaines brutes en fait un thriller envoûtant. Et les performances d'acteur de premier ordre de chaque personne impliquée ne font pas de mal non plus. «12 Angry Men» est une icône drame d'audience qui fait des merveilles sans même avoir une séquence d'intrigue, lui donnant ainsi une place méritée au zénith de cette liste.