10 meilleures études de personnages dans les films

La vie imite-t-elle l'art ou l'art imite-t-il la vie? Oscar Wilde était plus enclin à la première; dans son célèbre essai de 1889 La décadence du mensonge , il était d'avis que la vie imite l'art bien plus que l'art n'imite la vie. Moi, en revanche, je pense que c’est un peu les deux, surtout en ce qui concerne le cinéma. Bien sûr, le cinéma est le reflet de l’époque dans laquelle nous vivons, mais n’est-il pas aussi vrai que nous sommes aussi le reflet des films que nous voyons. Quelle autre forme d'art affecte nos goûts, nos aversions et notre idée du bonheur comme le font les films? Sans même le savoir, nos vies sont constamment modelées par les films que nous regardons. En fait, j'ai tendance à croire que les films que nous regardons sont le reflet de notre réflexion! Ça devient tourbillon, n'est-ce pas!

Et rien d'autre ne personnifie plus cette relation compliquée que les caractérisations que l'on voit au cinéma. Les grands personnages ont toujours des inspirations réelles et deviennent une partie inséparable de notre existence. Les grandes caractérisations augmentent le poids émotionnel et la texture thématique d'un film, et elles se connectent avec vous de manière inimaginable. En substance, les grandes caractérisations seraient toujours universelles dans leur représentation de l'humanité et des mystères infinis de l'esprit humain. Je suis quelqu'un qui a toujours préféré les films axés sur les personnages aux films basés sur l'intrigue, d'autant plus à cause de la profondeur que les personnages puissants prêtent à un film, et puisque chaque visionnage devient inévitablement plus satisfaisant que le précédent. Alors que des intrigues complexes se déroulent après une seule veille, des caractérisations fortes bougeront et affecteront votre conscience pour l'éternité et vous aideront à percer les mystères de votre propre vie.

Et donc, nous à Le cinémaholic , ont décidé de lister nos études de personnages préférées du 21^stsiècle. Notez que ce n'est ni une liste des plus grandes performances ni un classement de la qualité de ces films. Ce que nous avons tenté de faire, c'est de débloquer la complexité des personnages de ces films et d'aider à mieux les comprendre. Comme toujours, la dissidence et les critiques constructives sont toujours les bienvenues et nous attendons avec impatience vos réflexions dans les commentaires. Alors, sans plus tarder, laissez-nous creuser. Vous pouvez regarder plusieurs de ces films d'étude de personnages sur Netflix, Hulu ou Amazon Prime.

10. Patrick Bateman - Psycho américain

Le classique de l’horreur culte de Mary Harron n’est pas seulement une pièce de cinéma passionnante, c’est aussi une étude thématique riche du personnage d’un homme piégé dans ses propres obsessions et paranoïa. Patrick Bateman est un cadre de Wall Street riche, jeune et suave, un homme qui a une vie parfaite pour ainsi dire, mais il n'est ni heureux ni content. Bateman a construit la façade parfaite avec laquelle il drape sa vie, mais sous la surface, nous voyons un maniaque égoïste, obsessionnel-compulsif, mentalement dérangé avec des tendances homicides. Et lentement au cours du film, nous le voyons se défaire alors que la façade se décolle, révélant un homme instable et incontrôlable, rongé par sa rage et son délire.

Adapté d'un roman du même nom, il y a des inspirations caractéristiques évidentes des classiques comme «Taxi Driver» et «Psycho», tous deux mettant en scène des hommes dont l'instabilité mentale et la paranoïa les poussent à des extrêmes ambigus. Et si «American Psycho» n’atteint jamais ces niveaux, il reste un portrait très convaincant de la solitude et de l’ennui dans un monde extrêmement compétitif, et une carrière qui définit la performance des jeunes. Christian Bale met la barre plus haut de plusieurs crans avec sa performance intelligemment détachée mais émotionnellement vulnérable.

9. Nina Sayers - Black Swan

Natalie Portman était juste une «demoiselle en détresse» de la Guerres des étoiles avant qu'elle et Darren Aronofsky ne se réunissent pour livrer l'une des caractérisations les plus sombres et les plus complexes du siècle. Un autre drame psychologique de l'homme qui nous a donné «Pi» et «The Fountain», «Black Swan» est le récit d'une artiste qui se mêle lentement à son art, alors qu'elle se perd à la recherche du prix ultime - la perfection.

Nina est une jeune ballerine talentueuse mais timide qui est sélectionnée pour jouer le double rôle de l'éthérée cygne blanc et le noir, sensuel Cygne noir dans la production du lac des cygnes de Tchaïkovski. Bien qu'elle joue le cygne blanc avec finesse, Nina est incapable d'imprégner la sombre séduction du Cygne noir , et dans sa poursuite de la perfection ultime, elle perd son moi conscient et son identité. Il y a un sentiment de beauté triste et mélancolique dans la désintégration de Nina en tant qu'être humain alors que son art atteint son crescendo, et Aronofsky juxtapose avec brio ces contradictions à la fois au sein de Nina et dans le film lui-même et leur confère à la fois une humanité rare mais incroyablement relatable. Et Natalie Portman joue le rôle à la perfection absolue, car ses yeux tristes et son visage en porcelaine trahissent la douleur, la confusion et la paranoïa qui ont assiégé sa vie.

8. Theodore Twombly - Elle

Il y a quelque chose d'aussi inexplicablement romantique mais inévitablement tragique à propos d'un homme tombant amoureux d'un IA système. Theodore Twombly est une âme triste et déprimée qui n'a pas pu se remettre de sa relation précédente; les souvenirs de son passé continuent de le retenir en otage car il est incapable de bouger ou de trouver l'amour. Autrement dit, jusqu'à ce qu'il achète un logiciel d'intelligence artificielle personnalisé nommé Samantha et forme un lien personnel rare avec elle. Il ressent un grand sentiment de liberté et d'ouverture dans cette relation étrange, sans artifice de la romance moderne tout en étant incroyablement libératrice. Et alors qu'il tombe lentement amoureux de cette IA sans visage, nos inhibitions sont également levées alors que nous applaudissons le couple et leur avenir incertain.

Le scénariste-réalisateur Spike Jonze dresse un portrait très mature de l'état des relations modernes tout en nous obligeant à réévaluer nos notions préconçues d'amour, de romance et de connexion émotionnelle. Mais ce qui rend finalement Théodore si convaincant, c'est qu'il aurait très bien pu être l'un de nous; un homme solitaire tombant amoureux de quelqu'un qui le comprend, l'acceptant et l'aimant pour qui il était. Et Joaquin Phoenix habite sans relâche chaque image du film, résumant avec brio la vulnérabilité, l'humanité et l'amour inimitables que Theodore personnifie.

7. Michele Le Blanc – Elle

L’un des films les plus controversés de l’année dernière, «Elle» est un film qui m’a époustouflé par son humour troublant et ses commentaires sociaux ésotériques. Après la vie d'une femme d'affaires riche et prospère qui est violée chez elle par un agresseur inconnu, `` Elle '' est un chef-d'œuvre post-féministe avec une femme sans excuse en tête, qui ne se conforme pas aux normalités et n'explique pas ses actions. . Une femme fascinante, il y a une étrange qualité de feuilleton dans la vie de Michele; tout se passe en même temps. Et tout cela aurait pu facilement aller vers le sud, sans l'éclat d'Isabelle Huppert qui donne l'une des plus grandes performances du siècle.

Huppert apporte un certain courant émotionnel qui complète son extérieur intelligent et intrépide et en tant que Michele, elle ne laisse pas son viol prendre le contrôle de sa vie; elle continue d'être sexuellement active et reste aussi distante émotionnellement qu'elle l'a toujours été. Elle n'est pas une victime; non, le réalisateur Paul Verhoeven fait valoir qu'elle fait partie intégrante d'une société qui fétiche la culture du viol et l'objectivation sexuelle; elle est aussi coupable que son agresseur. «Elle» est bien sûr un film qui peut vous déranger au fond, mais ce n’est pas une «comédie de viol» comme beaucoup le croient; en fait, c'est un film sur une femme dont le viol la libère; cela la libère des chaînes qui liaient son existence et lui donne la capacité d'être la femme qu'elle veut être.

6. Freddie Quell et Lancaster Dodd - Le maître

Paul Thomas Anderson est incontestablement l'un des plus grands auteurs américains travaillant aujourd'hui. Maître des riches caractérisations, les ambiguïtés thématiques du cinéma d’Anderson sont ce qui fait de lui un génie. Mais avec «The Master», Anderson ne se contente pas de nous présenter une étude de personnage, il subvertit assidûment toutes les compulsions d'une intrigue ou de la connaissance narrative, et met plutôt deux hommes complexes ensemble alors que nous regardons leur relation se dérouler à l'écran. Alors que Freddie est un homme perdu dans sa propre conscience, cherchant désespérément à se libérer de son ennui d’après-guerre, Dodd est un gourou spirituel charismatique qui est fasciné par l’abandon aveugle de Freddie. Alors que ces deux hommes s'affrontent, se mesurant l'un l'autre dans l'espoir de se surpasser, la vraie nature du comportement humain est mise à nu - notre besoin de camaraderie, notre soif de foi, notre quête d'acceptation et par-dessus tout, notre obsession de nous-mêmes.

«The Master» est une pièce de cinéma résolument obscure; ce n’est pas facile à aimer, mais il se fraye un chemin dans votre psyché et refuse de lâcher prise. Philip Seymour Hoffman et Joaquin Phoenix apportent à leurs performances une intensité émotionnelle étrange et une vulnérabilité à la fois étrangement magnétique et étrangement répulsive. Anderson utilise l'attraction inexplicable qui pousse ces deux hommes l'un vers l'autre pour faire un examen très subtil de la condition humaine et de ce qui nous fait vibrer.

5. Caden Cotard - Synecdoche New York

Le premier film du scénariste légendaire Charlie Kaufman, «Synecdoche, New York», est l’un de ces films qui n’arrivent qu’une fois dans sa vie. L'histoire de Caden Cotard, un metteur en scène paranoïaque et insupportable qui peine à accepter sa propre mortalité; c'est l'un des films les plus tristes et les plus déprimants jamais réalisés et aussi le plus émouvant. Un jeu sur l'idée du temps et de la réalité perceptive, le film passe élégamment d'un réalisme cruel à un surréalisme onirique alors que Caden se débat avec sa solitude et son besoin. Bien que le film soit parfait dans son scénario et d'autres aspects techniques, il aurait pu tout aller en vain s'il n'y avait pas eu Phillip Seymour Hoffman .

En dépeignant la vie d'un homme idiosyncratique d'âge moyen jusqu'à sa mort, Hoffman se transforme en une performance que l'on ne peut que qualifier de «miraculeuse». Il donne vie à toutes les idées métaphysiques et philosophiques complexes de Kaufman, tout en jouant un personnage qui pourrait bien être n'importe lequel d'entre nous. Caden est paranoïaque à propos de sa mort, il est seul et sa famille lui manque, et il déteste son existence. Hoffman parvient à faire ressortir tous les troubles émotionnels et les horreurs de son personnage avec une telle sensibilité, cela vous épatera. Ses yeux tristes et son visage mélancolique traduisent magnifiquement non seulement la douleur et les peurs au plus profond de Caden, mais ils ouvrent également une porte sur nos propres peurs et insécurités en tant qu'individus, et remettent en question notre existence. «Synecdoche, New York» est sans aucun doute l’une des plus belles expériences cinématographiques du siècle et la performance de Hoffman est l’une des époques; quelque chose qui ne serait probablement plus jamais repris.

4. Betty Elms / Diane Selwyn - Mulholland Drive

Notre inclusion de tout ce qui a trait à «Mulholland Drive» est devenue un bâillon courant parmi nos lecteurs; Je ne suis cependant pas disposé à laisser cela m'empêcher de reconnaître l'éclat de Betty / Diane dans le David Lynch chef-d'oeuvre. «Mulholland Drive» est l’un des plus grands films que j’ai jamais vu, un film qui a changé ma perception de la vie et du cinéma. Un drame mystérieux néo-noir se déroulant dans le la ville des rêves , le film suit une jeune actrice en herbe alors qu'elle aide une étrange femme amnésique à trouver sa véritable identité. Cependant, alors qu'ils se lancent dans ce voyage, les identités se chevauchent et les réalités se fusionnent alors que nous sommes traités avec des vignettes et des événements apparemment sans rapport conduisant à un point culminant qui peut vous choquer au fond. L'écriture de Lynch ne donne pas beaucoup de profondeur à aucun des personnages, du moins pas explicitement, car il canalise l'aura des joyaux classiques d'Hollywood et donne un ton campy, presque parodique, alors que nous achetons dans l'artifice qu'il construit. Mais, quand il retire finalement le tapis sous nos pieds, notre perception de la réalité s'effondre alors que nous éprouvons la peur et l'humiliation de la solitude.

Contrairement à ce qu’il se présente, ‘Mulholland Drive’ n’est pas un autre paysage de rêve surréaliste de Lynch; c'est plutôt une histoire déchirante d'amour, d'espoir et de rêves, et comment nos esprits s'enroulent autour de nos fantasmes et de nos réalités. Et Betty / Diane est l'oxygène qui anime le film; Naomi Watts, dans l'une des plus grandes performances d'acteur de tous les temps, donne son cœur et son âme à jouer ces deux femmes; ces femmes, qui comme le Dr Jekyll et M. Hyde, personnifient les complexités de la conscience humaine et la nature de notre existence. Jamais depuis «Persona» d’Ingmar Bergamn nous n’avons vu deux femmes dépeintes avec le magnétisme étrange et l’énergie brute que Lynch affiche dans «Mulholland Drive», et c’est une réussite en soi.

3. Charlie Kaufman et Donald Kaufman - Adaptation

Charlie Kaufman est, à mon avis, le plus grand scénariste de l'histoire du cinéma, un homme dont les scénarios ont une intensité et une humanité percutantes qui sont intrinsèquement indéniables. Et avec «Adaptation», il a créé le plus grand scénario que j'aie jamais lu, traçant une nouvelle direction dans l'écriture de scénario, allant au-delà de tous les tropes conventionnels qui existaient. Et comment a-t-il fait ça? Eh bien, il a commis le péché cardinal - il s'est écrit dans le scénario. «Adaptation» était censé être l’adaptation à l’écran du célèbre livre de Susan Orlean Le voleur d'orchidées , sur la vie de John Laroche; cependant, le blocage de l’écrivain de Kaufman l’a forcé à changer de direction en s’incorporant à son scénario et en écrivant sur ses propres luttes créatives pour adapter le livre. Kaufman mélange de fortes doses de fiction dans une prémisse non fictive alors que lui et le réalisateur Spike Jonze ont conçu l'une des expériences cinématographiques les plus exaltantes du siècle - un film à la fois incroyablement hilarant et incroyablement tragique. Et Charlie Kaufman, le personnage, est au cœur de ce méta-film; un scénariste répugnant, peu sûr de lui, se vautrant dans sa misère et sa solitude, qui se sent complètement perdant.

Dans une tentative de dépeindre son propre personnage fragmenté, Kaufman crée un faux frère, un aspirant cinéaste grégaire Donald, dont les idées et les histoires peu originales agacent Charlie. Représentant deux écoles de pensée dans l'expression artistique, Donald et Charlie vaquent à leurs occupations et nous, le public, regardons attentivement leur progression jusqu'à ce que les tables se retournent contre nous à la fin et que le film se transforme en une parodie du cinéma lui-même. «Adaptation» est l’un des films les plus originaux que j’ai jamais vu, et Charlie Kaufman et l’acteur Nicholas Cage créent sans doute le portrait le plus convaincant d’un génie autodestructeur qui doute constamment de sa place dans le monde.

2. Daniel Plainview - Il y aura du sang

Bien sûr, il ne peut jamais y avoir de liste de grandes caractérisations sans un film mettant en vedette le grand Daniel Day-Lewis , sans doute le plus grand acteur travaillant aujourd'hui. En fait, j’étais sur le point d’avoir cela au sommet, et cela était en grande partie lié à la performance brutalement honnête de Day-Lewis en tant que Daniel Plainview. Mais, ayant décidé qu'une grande caractérisation est une combinaison d'une bonne écriture, d'une bonne direction et d'un grand jeu d'acteur, j'ai décidé qu'il y avait un film qui pourrait surpasser celui-ci. Cependant, cela ne devrait rien enlever à ce chef-d'œuvre de P T Anderson, où il conçoit un homme terrifiant dont la présence pure persiste dans votre psyché longtemps après que vous ayez fait sa connaissance. Anderson, comme d'habitude, laisse ses personnages faire avancer le récit dans «There will be Blood», un drame historique épique relatant l'ascension et la chute de l'impitoyable pétrolier sociopathe Daniel Plainview au début du XXe siècle.

En dépeignant un homme qui ne recule devant rien dans sa quête de richesse, Anderson nous livre l'une des plus belles déconstructions de l'idée du Rêve américain , où le capitalisme crée et détruit le futur. Et par-dessus tout, la plus grande réussite d’Anderson ici est Plainview, un personnage si imprévisible et effrayant que sa présence même devient déconcertante. Aveuglé par son obsession de la richesse et de l'argent, Plainview est un homme sans règles, sans frontières; il utilise même un petit orphelin sans méfiance pour jouer son fils afin de passer pour un père de famille compatissant. Et Anderson crée le film autour de lui, donnant un portrait convaincant des conventions sociales américaines de la famille, la foi et la religion. Aucun film depuis le chef-d’œuvre tragique d’Orson Welles, Citizen Kane, n’a réussi à nous offrir un Américain aussi fascinant et complexe que Plainview dans ‘There will be Blood’; et ce n'est pas une mince affaire.

1. Erika Kohut - Le professeur de piano

Et là, c'est & hellip; .. un choix controversé, oui, mais vraiment méritant aussi. Le joyau de Michael Haneke est facilement l'un des films les plus dérangeants du siècle, et non à cause du sang, du sang ou de la violence physique, mais parce que Haneke a l'audace de prendre quelque chose d'aussi excitant et revigorant que le sexe et se transforme en une exploration inquiétante du voyeur sombre qui se cache en chacun de nous. J'avais, dans une pièce récente , a fait valoir que le cinéma de Haneke est une exploration prolongée de la violence avec laquelle nous nous sommes empoisonnés et comment elle affecte tous nos choix et décisions.

Dans ‘The Piano Teacher’, Erika est une professeure de piano respectée et largement admirée dont l’existence intellectuelle est davantage une façade qui masque le déséquilibre de sa vie sexuelle et sa relation émotionnellement abusive avec sa mère. C'est une femme forte, mais il est impossible d'aimer ou de s'identifier à cause de l'inhumanité de ses actions, mais au fur et à mesure que le film avance, nous nous rendons compte qu'Erika n'est pas censée être une vraie personne; elle est plutôt l'alter ego de nos pires moi - nos pires désirs, nos pires actions et notre pire côté en tant qu'être humain. Elle est aussi insupportable, seule et triste, et il y a des moments où une teinte de sympathie s'installe, mais Haneke ne la laisse pas persister, car il ne veut pas que nous aimions Erika. Il veut que nous la détestions, non pas à cause de ses penchants sexuels ou de sa nature dominante, mais parce qu'il veut nous montrer le miroir de ce que nous sommes tous vraiment devenus.

Une histoire d’amour à son cœur, avec le «Professeur de piano», Haneke nous livre une femme qui ne se soucie pas de ses actes, qui veut juste exister. Le cinéma ne représente que très rarement une femme avec la profondeur et la complexité qu'Erika affiche, et cela a beaucoup à voir avec la déesse française Isabelle Huppert qui met dans la performance de toute une vie. Peu d'auteurs et d'acteurs ont le culot de rompre les chaînes et d'aller jusqu'au bout; Haneke et Huppert l'ont fait et, ce faisant, ils ont reçu l'une des plus grandes études de personnages que le cinéma ait jamais vues.