25 meilleurs courts métrages jamais réalisés

Nombreux sont ceux qui ne peuvent pas réserver de 90 à 120 minutes par jour pour regarder un film. Ils sont préoccupés et ont une variété de tâches à occuper pour le temps. Eh bien, les courts métrages sont une résolution parfaite pour ces personnes. Il y a des gens qui envisagent des alternatives sous différentes formes d'art, mais les cinéphiles hardcore doivent avoir une expérience visuelle semblable à un film et moi étant à cette extrémité du spectre, croyez-moi, je sais ce qu'ils traversent. Un film ou un film est une série d'images fixes lorsqu'elles sont affichées sur un écran qui crée l'illusion d'images en mouvement et il n'y a aucune contrainte de temps.

En tant qu'apprenant passionné, vous devez comprendre que tout commence par un court métrage, une expérience pour mesurer votre propre talent et divertir en même temps. Certains bons courts métrages ont influencé et défini le cinéma dans une mesure que beaucoup ignorent et ils capturent généralement de manière sublime l'essence d'un réalisateur en plein essor. Avec les restrictions à vos côtés et le manque cinématographique, vous avez toujours la possibilité d'explorer des courts métrages et certains des plus grands films ont été conçus après les courts. Il y a des milliers de courts métrages sur le net, tous ne sont pas nécessairement de qualité et il est de toute évidence chargé de rechercher avec les informations minimales fournies à leur sujet en raison de l'exposition minimale.

Maintenant, étant un fan de films d'horreur, j'ai toujours tendance à rechercher des courts métrages qui me secouent et qui ne servent pas seulement à me faire peur, vous devez convenir que les paniques ne sont passionnantes que pendant leur durée mais n'ont aucun effet mémorable. Les films d'horreur psychologiques ou atmosphériques sont généralement les meilleurs du lot et malgré leur budget relativement faible, ils sont délicats car ils exigent de la finesse grâce à la technique, alors que la technique peut être l'imagerie visuelle ou l'histoire ou les performances.

Cela dit, voici la liste des meilleurs courts métrages qui vous épateront. Vous pouvez regarder certains de ces meilleurs courts métrages en ligne sur Youtube, Netflix, Hulu ou Amazon Prime.

25. Code 8

'Code 8' a été produit en 2016 par Stephen Amell (Arrow) et Robbie Amell, réalisé par Jeff Chan qui a également réalisé 'Operation Kingfish', le court-métrage préquelle de Call of Duty: Modern Warfare 2. Les frères Amell et Chan ont réalisé ce court métrage. film comme teaser pour un long métrage qu'ils avaient prévu et avaient l'intention d'utiliser cette vidéo pour obtenir le financement participatif de leur projet. La décision d’emprunter la voie de l’indie a été d’exercer un contrôle créatif complet sur leur film, car l’ingérence des maisons de production dans les films est en forte augmentation. La raison pour laquelle je l’ai aimé, c’est parce qu’il ne fonctionne pas à fond avec ses éléments cyberpunk, il se situe quelque part entre notre monde et celui de «Blade Runner», semblable à «Escape from New York» de Carpenter. Le film a également un concept similaire à celui de «X-Men» avec une minorité d'humains mutés confrontés au poids du gouvernement exclusivement oppressif.

24. Jiminy

Les personnes familières avec le personnage de Pinocchio doivent être au courant de Jiminy Cricket, et c'est de là que le film tire son titre. Maintenant, l'histoire de Pinocchio a deux versions, la première qui est sombre et inquiétante et celle de Disney atténuée pour un public plus large. «Jiminy» est une réimagination futuriste d’un monde où les gens ont des puces de contrôle semblables au cricket qui leur fournissent une alternative pour mener à bien chaque tâche à la perfection. Les puces à la surface semblent être très utiles et favorables comme la version de Disney, mais au fur et à mesure que nous avançons, nous saisissons l'étendue du contrôle qu'elles ont sur l'état d'esprit des gens, les transformant en un état mentalement creux dans son déficit.

23. Dark Maul: Apprenti

Lorsque j’ai parcouru divers courts métrages, c’était un nom que je n’aurais généralement pas choisi dans un million d’années. Un fan a réalisé le film Star Wars du «21e siècle», on ne peut en attendre que le moins. Mais j’ai été surpris par la qualité du film et pour être honnête, c’est l’une des meilleures œuvres en direct de «Star Wars» que j’ai vues. En tant que fanboy de Star Wars, je méprisais le traitement de Dark Maul limité à un tremplin pour le terrible développement d'Anakin Skywalker. Ici, nous voyons le guerrier habile devenir un seigneur Sith, tuant ce qui ressemble à une vague version d'Obi-wan et de ses disciples dans le processus. Les scènes de combat sont très bien chorégraphiées et réalisées avec une agilité attendue de personnes qui ont consacré leur vie à l’art.

22. Kung Fury

Je ne sais pas ce qui m'a laissé plus rafraîchi après avoir regardé 'Kung Fury', l'hommage qu'il rend au divertissement rétro des années 80 avec son atmosphère synthétisée groovy ou le fait que j'ai enfin trouvé la source des mèmes 'Hackerman'. Le court métrage de David Sandberg fait des incursions dans le futur fantasmé et parodie également des films similaires de l'ère rétro. Kung Fury, notre héros est frappé par la foudre qui le transforme en un guerrier d'arts martiaux imbattable, et ce qui suit est quelque chose que vous ne croirez que si vous le regardez. Le film est mieux joué à une résolution de 240p, afin que vous puissiez vous laisser engloutir par la nostalgie de la VHS, et si cela ne suffit pas, le Knight Rider David Hasselhoff fait également une apparition.

21. Frankenweenie

J'ai malheureusement regardé ce classique de 30 minutes par Tim Burton avant le 21ème siècle après avoir passé 90 minutes à travers la version arnaquée de «Corpse Bride». C'était l'époque où Burton ne remplissait pas chaque pouce d'écran possible avec une palette inspirée de l'époque expressionniste. Ce court métrage a fait licencier le réalisateur parce que Disney l'a jugé inapproprié pour le jeune public ciblé. Cela fonctionne comme une interprétation moderne de Frankenstein avec un chien ressuscité par son jeune ami au cœur brisé. Le chien a été l’ami le plus fidèle de l’homme, et on peut demander aux adultes à quel point leurs animaux d’enfance comptaient pour eux et s’ils feraient quelque chose pour le sauver. Bien que les adultes puissent accepter la mort, mais les enfants ne le peuvent pas et cela donne une base très solide aux fins du film.

20. Le nostalgiste

'The Nostalgist' peut en effet semer la nostalgie sur les fans de 'A.I.' de Steven Spielberg. L'intelligence artificielle'. Le film se déroule dans un monde dystopique où les gens peuvent utiliser des visières modifiées qui présentent une réalité virtuelle. Le film présente le lien entre un père et son fils et m'a fait réfléchir à la façon dont le terme «père-fils» est très subjectif. En fait, l'un peut aimer et prendre soin de l'autre en tant que père, et l'autre peut lui rendre le respect associé aux fils. Bien qu’il dure 17 minutes, avec les films de science-fiction récents, celui-ci ne tient pas compte de ce qui est considéré comme des «conditions préalables» pour être dans une relation.

19. Je suis ici

J’ai lu ‘The Giving Tree’ de Shel Silverstein quand j’étais enfant et bien qu’en rencontrant différentes versions, aucune n’est aussi haute que le court métrage de Spike Jonze. «Je suis ici» met en vedette Andrew Garfield en tant que robot dans un monde où ils sont traités comme des inférieurs, ils ne sont pas «mal utilisés» mais considérés comme des monstres. Sheldon de Garfield est un introverti qui mène une vie monotone, ressemblant à Theodore de «Her», qui a été calquée sur cela. Sheldon tombe amoureux du robot téméraire Francesca qui est à l'opposé de lui, et le film explore son amour inconditionnel pour elle. Contrairement à l'histoire, Francesca n'est pas égoïste, elle finit par faire des erreurs innocentes qui coûtent cher au couple.

18. Labyrinthe électronique: THX 1138 4EB

Bien que George Lucas soit réputé pour avoir lancé la franchise Star Wars, son premier long métrage «THX 1138» reste son meilleur travail et l’un des meilleurs films de science-fiction de tous les temps. En plus d'être une représentation effrayante du monde orwellien, le film a aidé à lancer une catégorie de films mêlant science-fiction et satire sociale. «Electronic Labyrinth» est à la base du long métrage, et Lucas l’a fait pour son projet universitaire de cinéma. Bien que cela puisse manquer de qualité en raison d'un budget restreint, Lucas a eu accès à des quartiers restreints de la Marine et, par conséquent, cela ressemble à une projection d'un monde lointain.

17. Un voyage sur la lune

Cela fait 115 ans que A Trip to the Moon a été fait, prenez un moment et laissez cela pénétrer. George Melies a dépeint le voyage dans l'espace en 1902, des décennies avant même que la première fusée capable de couvrir de longues distances ne soit construite, et plus de la moitié d'un siècle avant même que quelqu'un ne propose le design qui pourrait envoyer l'homme dans l'espace. Si cela ne suffisait pas, il a même représenté Martien ressemblant à des extraterrestres à l'écran. Melies était un véritable visionnaire et son travail indique le surréalisme précoce et le réalisme magique, et son engouement pour la géométrie est presque hypnotisant. Il est disponible en version N / B et couleur sur YouTube, et je conseillerais le premier, car le second se sent privé d'authenticité en raison du processus de restauration éternel.

16. Le Jetee

J'ai émis l'hypothèse d'une situation, supposons que Chris Marker ait vu La Jetee dans un théâtre local un jour dans son enfance, et des années plus tard, s'il était renvoyé dans le temps et qu'il aurait réalisé qu'il était le créateur, changerait-il la façon dont le film était fait? J'ai entendu dire qu'il n'était pas en mesure de se payer une caméra vidéo et a donc choisi de compiler les images fixes, ce qui, je pense, se synchronise très bien avec la brusquerie dans le temps du point de vue du protagoniste. Fait intéressant, selon sa propre création, il ne le pouvait pas, car peu importe à quel point le voyage dans le temps est vague et métaphysique, il n'y a tout simplement pas d'échappatoire au présent. Votre plan d'existence est confiné au présent, ce qui est probablement la seule chose qui compte, car c'est la seule chose capable de vous affecter. La Jetee est expérimentale, il n'y a presque rien de réaliste dans le film; la prémisse, le processus, l'amour, tout n'est qu'un exercice de tromperie.

15. Alexia

En commençant par «Alexia», un court métrage argentin avec un complot dominant sur les réseaux sociaux et la cyber-horreur. Il présente un récit surnaturel des événements, qui manque de vraisemblance mais compense ses lacunes avec une grande attention aux détails. Alexia était une fille qui s'est suicidée après que son petit ami (le chef de file) ait rompu avec elle et nous le voyons parcourir son profil, un signe de culpabilité et d'affection qui réside probablement à l'intérieur. Après avoir discuté en ligne avec sa petite amie actuelle, il décide de se détacher d'Alexia, ce qui fait que son ordinateur se détraque et que les messages d'Alexia sont morts, y compris une image arrachée à «Ringu».

Le travail de la caméra et le montage sont phénoménaux, les gros plans capturant la confusion totale dans les yeux du responsable et son anxiété croissante à travers ses doigts et le mouvement retardé du curseur. Les angles de caméra et la commutation sont légèrement exagérés mais ils demandent la bonne quantité d'attention et réussissent à créer une ambiance perplexe. Techniquement, le film est très sonore, avec le VFX malgré son budget ne trompant pas l'intellect du public, le fantôme et le tir d'iris sont de belles réalisations. Alexia s’avère être plus qu’un simple virus qui gâche l’ordinateur et la perspective à la fin est terrifiante et vous fait réfléchir sur le sort du lead. Le script n'a rien de génial et il repose sur des sauts de peur, mais le véritable impact du film n'a lieu que lorsque vous le racontez à un niveau plus ordinaire, en y pensant sans vous incliner vers l'aspect surnaturel.

14. L'homme souriant

«The Smiling Man» lance un enfant contre le diable, et l’enfant ne possède ni super pouvoirs ni capacités caractéristiques d’un film hollywoodien. Non. L'enfant est fait pour affronter le mal pur et la naissance de la terreur, parce que le mot «peur» se limite aux fantômes et aux sorcières pendant l'enfance, et tout cela se déroule au milieu de la mort. Je n'ai pas l'intention de discuter de l'intrigue car il n'y a aucun moyen possible de se concentrer sur des points importants de l'intrigue dans son exécution de 7 minutes car cela gâcherait totalement l'expérience.

L'intrusion est un sujet de routine pour les films d'horreur et ce qui distingue certains d'entre eux, c'est la façon dont ils sont tournés. Dès le début, on vous donne une impression de la présence d'une force surnaturelle, mais ce que vous découvrez en est une incarnation physique et non une créature gazeuse ou une présence invisible. Il utilise toutes les astuces du Livre pour les clowns pour attirer l'enfant vers un événement des plus malheureux et ce traitement peut ne pas vous faire peur, mais il vous dérange, et un film d'horreur ne fonctionne que lorsqu'il persiste dans votre esprit une fois que vous en avez terminé. il. Ce film n'est pas prescrit pour tout individu qui a tendance à être instable en compagnie de clowns.

13. Il a enlevé sa peau pour moi

Le placer sous la seule horreur serait dommage. C'est la partie de la liste où nous laisserons de côté l'horreur conventionnelle usée et nous concentrerons sur l'horreur induite par la matière et ses qualités réalistes. Le court métrage de 12 minutes respecte son titre et se concentre sur un homme qui enlève sa peau pour prouver son amour pour sa petite amie. Soutenu par un maquillage fantastique et aucune utilisation de CGI, le protagoniste sans peau est un spectacle à voir (en termes de technique pour le public et émotionnellement pour sa petite amie, qui ne peut pas exprimer sa réaction à sa beauté écrasante). Le mec sans peau entre dans votre peau (jeu de mots), mais cela est lentement épuisé par l'acceptation du couple à la situation qui fonctionne vraiment bien comme une comédie noire. Plus loin dans le film, il y a une tension croissante et la mode commence à s'user en laissant des traces partout, des traces qu'ils ne veulent plus ressentir car elles ne sont plus à l'aise avec.

Le film est charmant avec une écriture, un jeu d'acteur et un travail de caméra sans faille (la scène en gros plan de la viande frite et le long plan des empreintes partout dans la maison sont très intelligents) et peut être interprété comme une métaphore de la transparence. En enlevant sa peau, le responsable met tout à nu et reste honnête envers leur relation en s'ouvrant même si son partenaire ne lui rend pas la pareille. Au début, ils deviennent plus intimes avec la vérité qui élève leur lien, mais au fil du temps, nous remarquons une complaisance en lui car son partenaire ne fait qu'aider à résoudre ses problèmes mais ne le suit jamais, au point où il y a une tension évidente entre eux, ce qui entraîne le choquant dernière scène.

12. Canis

Canis est un court métrage d’horreur en stop motion qui tourne autour d’un garçon pris au piège dans une maison entourée de chiens qui auraient été les animaux de compagnie parfaits pour les goules dans «La nuit des morts-vivants». C'est sombre, déchirant et c'est un grand NON pour les personnes qui ne supportent pas la violence à cause de l'exploration impensable du sang, mais cela ne devrait pas vous distraire du chef-d'œuvre qu'il est. Le cadre semble post-apocalyptique en raison des points de l'intrigue de survie comme la conservation de la nourriture, les ruines de la civilisation, la naissance d'un humain, les animaux déchaînés et le monochrome fané.

Les personnages ont été fabriqués à partir de fil de fer, de tissu et de bois et ont été animés (une déclaration très dure) grâce aux techniques de stop motion par Anna Solanas et Marc Riba. Malgré son ton nihiliste, il a une fin qui le classe à juste titre comme un conte de fées, avec la partie «fée» aussi dominante qu'une pincée de sang dans l'océan. Une histoire de passage à l'âge adulte qui obtiendrait un «R!» classement traitant du viol, de la dysphorie des espèces, du meurtre d'un être cher, des mangeurs d'hommes et des parties du corps coupées, c'est tout sauf un film pour enfants. Techniquement, il ne peut être amélioré que par le choix n ° 1 de cette liste avec des détails impeccables sur la production et la conception sonore, chaque cicatrice est fendue avec la quantité parfaite de folie et un seul regard peut transmettre l'histoire derrière elle.

En passant à l'intrigue, Teo survit avec son chien et un vieil homme (qui pourrait peut-être être son grand-père) et a du mal à accepter la gravité de la situation dans laquelle ils sont coincés. Tout change lorsqu'une erreur conduit à son la mort du gardien à la mâchoire des chiens sauvages, et il doit intervenir pour le protéger lui et son chien en tuant des intrus. Il se fait violer par une femme qui s'habille en chien pour survivre et doit recourir à la consommation de viande de chien, alors que nous voyons son chien devenir de plus en plus agité et sauvage en raison des adversités et la seule chose qui le sépare des autres mangeurs d'hommes est une simple apparence. L’histoire se déroule dans une phase même grotesque et angoissante qui indique finalement l’achèvement de la transformation de Teo en un homme, prêt à conquérir le monde.

11. FUCKKKYOUU

«FUCKKKYOUU» est un film surréaliste inquiétant et un témoignage de l’influence de l’horreur lynchienne. Tourné en monochrome granuleux avec des visions floues et la partition de Flying Lotus jouant les symphonies de «Eraserhead», c’est un film dont Lynch serait fier. Le film commence par une orientation qui rappelle les films d’horreur des années 30-40 et une créature défigurée ressemblant à «The Elephant Man». J'ai trouvé difficile de construire une théorie expliquant les événements et les cellules de mon cerveau étaient complètement attirées par l'élément de surprise, et j'ai dû me référer à des sources virtuelles. Le film tourne essentiellement autour d'une créature humanoïde qui lutte avec son identité et son sexe face à un rejet qui se produit à travers des périodes de temps interchangeables, le passé étant des oublis de la réalité après avoir été transformé par l'injection qui nous est montrée au début.

Le film est rempli de douleur hurlante et de désespoir hurlant, avec une musique sans âme vraiment capable de déranger toute personne sensée. Le titre du film est une blague à l'intérieur, et il est apparu lors d'une session où Flying Lotus jouait des morceaux au hasard et l'un d'eux sonnait comme «F * ck you». Il peut également être interprété comme le dernier cri de l'être muté, une réponse appropriée à ces plantes qui le déchirent. Étant à court de mots, je ne peux que vous demander de le vérifier vous-même parce que l'expérience est fascinante et même si vous finirez par ne rien en tirer, cela vous fera exploser la cervelle. Prenez ma parole!

10. Couper les moments

J'aurais mis `` Cutting Moments '' un peu plus haut sur la liste en raison de ses visuels et de son sujet très dérangeants, mais `` The Big Shave '' étant une source d'inspiration majeure pour cela a eu un plus grand impact à un moment où seul Peckinpah osait utiliser le couleur rouge plus que ce qui était considéré comme normal. Cutting Moments tourne autour d'une famille américaine qui semble normale de l'extérieur; un homme, sa femme et leur fils mais qui souffre de problèmes qui affligent un nombre considérable de familles dans la société occidentale et qui se traduisent par des titres qui font trembler.

Sarah et Patrick vivent avec des émotions réprimées et ont préféré l’isolement, Patrick niant complètement l’existence de Sarah. La froideur entre eux est à la fois physique et émotionnelle, Patrick déviant ses pulsions sexuelles envers son fils lors d'un événement vaguement présenté. Sarah essaie de s'habiller de manière érotique pour plaire à Patrick, mais lorsque cette tentative échoue, sa stabilité mentale échoue. Dans un état complètement délabré, elle se livre à une auto-mutilation grave en dernier recours, qui est suivie d’événements tout simplement impensables et qui auraient influencé dans une certaine mesure «l’Antrichiste» de Lars von Trier.

9. Le grand rasage

Le premier court métrage de Martin Scorsese est la parfaite préface à sa carrière. Truffé de son sous-texte extrémiste catholique caractéristique du péché, de la mortification physique et de la bataille intérieure entre la foi et la réalité chevauchés par des thèmes de violence, de force et de tension. Le film entier se déroule dans une salle de bain et dans sa durée de 5 minutes, `` The Big Shave '' implique un homme qui se frotte le visage deux fois, une fois avec l'intention de se débarrasser des poils du visage et la prochaine fois avec l'intention de se débarrasser de lui-même. C'est expérimental et il y a trop de gros plans que Scorsese utiliserait normalement, mais il réussit à équilibrer la représentation directe (le miroir) et indirecte (la lame de rasage) de l'acte, ce qui lui donne une identité différente d'un film hippie flashy. .

Je vais maintenant discuter de l'intrigue car elle fonctionne comme une métaphore cachée dans son titre alternatif «Viet 67» montré au générique de fin. Viet 67 est une référence à la guerre du Vietnam, un problème très critiqué à l'époque où il a été tourné avec une image claire de la guerre et du dévoilement du président Johnson au pays. L'automutilation reflète l'implication autodestructrice des États-Unis dans la guerre qui a entraîné la perte d'un million de vies américaines, des hommes qui étaient des gens normaux comme le public et qui avaient une connaissance minimale des événements auxquels ils devaient faire face.

8. Mélodrame sacramentel

Un morceau de cinéma absolument dégoûtant et vil. Melodrama Sacramental est un enregistrement de 17 minutes de la pièce du même nom d’Alejandro Jodorowsky avec son groupe théâtral The Panic Movement. Le groupe peut être considéré comme une secte et leur motivation était de réaliser ce que Bunuel et Dali ont fait dans les années 20 en choquant le public et en ravivant le surréalisme devenu petite bourgeoisie. Il mettait principalement en vedette Jodorowsky habillé en motocycliste et le présentait en train de trancher la gorge de deux oies, de coller deux serpents sur sa poitrine et de se faire déshabiller et fouetter. D'autres scènes comprenaient des femmes nues couvertes de miel, un poulet crucifié, le meurtre en scène d'un rabbin, un vagin géant, le lancement de tortues vivantes dans le public et des abricots en conserve.

Sous un déguisement d'originalité, ce court métrage implique la cruauté envers les animaux et l'abstraction sexuelle, mais contrairement aux œuvres de Bunuel, il finit par être si brut qu'il ne choque ni ne prête son pathos surréaliste à la forme artistique. Cela fonctionne comme 'Human Centipede' ou 'A Serbian Film', pour utiliser une horreur physique inutile pour ne rien réaliser et c'est une preuve très décevante de la vision exceptionnellement magnifique de Jodorowsky, qui a été transmise à travers 'El Topo' et 'The Holy Mountain'. Je ne déteste pas ça, je cite Rick Blaine «Si j'y pensais, je le ferais probablement».

7. Six hommes tombent malades, six fois

David Lynch Son premier film, réalisé avec un budget de 200 $, était un court métrage d’animation image par image qui lui a valu un prix commémoratif au concours de peinture et sculpture expérimentale de son école de cinéma. Le film consiste en une peinture animée, représentant six figures dysmorphiques régurgitant en séquence avec le son d'une boucle de sirène en arrière-plan. Les critiques l'ont décrit comme un paradigme utile pour le sens narratif de Lynch, beaucoup soulignant les similitudes qu'il partage avec «Eraserhead».

L'intrigue proprement dite (pour des raisons de commodité) dure une minute avec l'état des personnages en transformation, leurs organes internes deviennent visibles et leurs estomacs se remplissent d'une substance aux couleurs vives, qui se déplace jusqu'à leurs têtes, les faisant vomir , et ceci est joué 4 fois pour tenir compte de sa durée d'exécution de 4 minutes. Notez les apparences anormales, l'intention de dégoûter (vomir), l'utilisation de l'horreur physique (représentation d'organes internes), la conception sonore en plein essor qui était présente dans ses films précédents et la partie amusante est que certains téléspectateurs peuvent se sentir malades ou désorientés après avoir regardé ceci et les gens qui sont parfaitement d'accord avec ça, de toute façon la blague est sur vous et vous représentez les six malades.

6. L’Amour Existe

Bien que maître du cinéma à part entière, Maurice Pialat a échappé à une large renommée tout autant qu'il a échappé aux règles cinématographiques préexistantes. Pourtant, ceux qui connaissent son travail apprécieront à quel point son influence sur d'innombrables films modernes est. Il est difficile de classer Pialat dans une catégorie concrète car ses films étaient enracinés dans un réalisme si peu sentimental et émotionnellement dense qu'il paraissait formaliste. L'une de ses premières œuvres est le court métrage documentaire de 20 minutes, L'Amour Existe, qui est son commentaire sur l'étalement urbain dans la France d'après-guerre et son conflit de classe sous-jacent. Il construit un récit plan par plan de la réalité sordide du développement parisien avec une banlieue délabrée, avec une voix off de Jean-Loup Reynold. Pialat met en évidence avec une patience élaborée à quel point la vie en banlieue était sombre dans l'après-guerre, alors que la publicité prenait le dessus sur la réalité et que les gens adoptaient une vie matérialiste et terne.

L’amour Existe souligne également comment la classe moyenne et supérieure parisienne bénéficie d’une meilleure éducation non seulement académique mais aussi culturelle, alors que les enfants des banlieues n’ont pas accès aux théâtres ou aux salles de concert. Pialat décrit les nouveaux bâtiments d'habitation qui ont surgi rapidement comme des «camps de concentration» avec de minuscules fenêtres horizontales d'où il n'y a rien à regarder. Ce court métrage a ensuite remporté des prix au Festival du Film de Venise et des Prix Lumières. Maurice Pialat a ensuite réalisé de nombreux films brillants comme A Nos Amours et Sous le Soleil de Satan, qui a remporté la Palme d’Or à Cannes.

5. Cigarettes et café

Bien que les cigarettes et le café ne soient P.T. Anderson La deuxième fois derrière la caméra, cela ne ressemble en rien à un travail d’amateur. Le film se déroule presque entièrement dans un dîner, et nous sommes présentés de manière procédurale à cinq personnages, à leurs histoires et à un billet de 20 $ qui les relie. Il y a un homme tendu et nerveux qui raconte son histoire, cherchant l'aide d'un vieil ami plus calme qui est très particulier à attendre que le café soit versé et que les cigarettes soient allumées, sinon la conversation n'aura pas de sens réel. Dans l'autre stand, il y a un couple en lune de miel qui a perdu tout son argent après que sa femme a tout gâché sur le jeu. Un peu plus tard, un homme louche apparemment sans lien avec les autres entre dans le restaurant. Cependant, au fur et à mesure qu'un billet de 20 $ passe d'un personnage à l'autre, nous apprenons qu'ils peuvent être connectés les uns aux autres.

Ce court métrage de 23 minutes a assez d'histoire pour un film avant et un autre après. Le dialogue, le cadrage et le travail de caméra dans le film montrent qu'il est fait par quelqu'un qui sait exactement ce qu'il veut. La caractéristique la plus distinctive de ce film est l'utilisation du travelling pour les pauses de scène. Le jeu d'acteur dans ce film est également particulièrement bon. Anderson a ensuite adapté et développé ce court métrage en un long métrage, «Hard Eight» - sa toute prochaine aventure.

4. Six tireurs

Martin McDonagh, qui a réalisé In Bruges and Seven Psychopaths, a commencé par réaliser un film de comédie noire de 27 minutes se déroulant en Irlande, appelé Six Shooter - qui a remporté un Oscar et est l'un des courts métrages les plus connus de tous. temps. Il est presque surprenant de voir comment un film si lourdement chargé de mort et de perte personnelle parvient à être si drôle et expressif à la fois. Le court métrage est extrêmement bien fait et intelligent, de sorte que l'humour est différent des marques américaines et britanniques de comédie noire. Il suit un homme vieillissant, Donnelly, qui vient de perdre sa femme et sur le trajet en train de retour de l'hôpital, il se retrouve assis avec un adolescent turbulent dont la mère vient de mourir. Assis à côté d'eux se trouve un couple sombre qui vient de perdre son nouveau-né.

Cependant, ce cadre apparemment sombre prend bientôt une tournure plus sombre et les choses deviennent plus désordonnées et plus amusantes en même temps, avec des révélations de meurtres, de suicides, de batailles avec la police, d'explosion de vaches et de morts d'animaux de compagnie. Quiconque connaît les autres films de McDonagh n’aura pas besoin d’autres raisons pour regarder ce chef-d’œuvre. Cependant, ce film constitue également un visionnement essentiel pour quiconque aime une comédie noire intelligente, ce qui signifie simplement tout le monde.

3. Une Femme Coquette

Probablement le plus prolifique de tous les réalisateurs New Wave, Jean-Luc Godard réalise des films depuis les années 1950 avec la même inventivité que jamais. Jusqu'à présent, il a réalisé plus d'une centaine de films, dont Contempt, Breathless et Band of Outsiders. Mais Godard a commencé son parcours de réalisateur avec un court métrage moins connu, Une Femme Coquette, en 1955. Basé sur une histoire de Maupassant, le court métrage en noir et blanc de 9 min suit une femme mariée alors qu'elle est soudainement tentée de flirter avec. un étranger après avoir vu une prostituée attirer gracieusement des hommes debout depuis une fenêtre au-dessus de la rue. Elle est extrêmement impressionnée par la manière gracieuse avec laquelle la femme attire les étrangers - avec un sourire décontracté mais invitant qui aurait pu aussi facilement signifier «Quelle belle journée!».

Ayant été témoin de cela, elle décide impulsivement de sourire avec flirt au prochain homme qu'elle voit. Une Femme Coquette rappelle les autres premières œuvres de Godard - avec une bande-son optimiste, animée par un dialogue articulé, des prises de vue grand angle et un montage quelque peu rapide. On pensait que le film était perdu pendant longtemps jusqu'à récemment, lorsqu'il est apparu sur YouTube. Le court métrage présente également un caméo d'un Godard de 24 ans, ce qui devrait être une raison suffisante pour que les cinéphiles le vérifient. (Regarde ça ici )

2. Tram

Krzysztof Kieslowski fait Tramwaj, l'un des meilleurs courts métrages, alors qu'il était encore étudiant à l'école de cinéma. Dans ce film de 5 minutes, nous suivons un jeune homme par une nuit d'hiver alors qu'il monte à bord d'un tramway dans lequel il aperçoit une belle jeune fille assise seule. Leurs yeux se rencontrent, la fille semble inquiète au début mais se réchauffe lentement à sa présence alors qu'il ferme la porte du tram en voyant comment l'air la refroidit et commence alors à mâcher un morceau de sucre de manière enfantine. Mais avant que quoi que ce soit ne puisse arriver, le tram arrive à l’arrêt de l’homme et il débarque. Il regrette immédiatement d'avoir raté un moment aussi opportun et est submergé par l'envie d'approcher la fille, alors il court derrière le tram dans l'espoir de la rattraper. Au tout début, nous avions vu l’homme se tenir seul dans un club où tout le monde dansait, et il ne semble pas s’amuser. Il n’a probablement pas beaucoup de chance avec les femmes, c’est pourquoi il a dû ressentir un lourd sentiment de lamentation et donc sa course impulsive.

Presque tous les utilisateurs ont ressenti au moins une fois une chaleur similaire en voyant un inconnu au hasard, quelqu'un de différent des autres, quelqu'un de si attrayant que nous voulons apprendre à les connaître. Cette même situation a également été exprimée par M. Bernstein dans Citizen Kane quand il raconte comment il se souvient encore d'une fille qu'il a vue une seconde quand il était jeune, vêtu d'une robe blanche sur un ferry. Outre l'intrigue, ce qui rend le court métrage intéressant, ce sont les prouesses magistrales de Kieslowski derrière la caméra et son grand talent pour la narration. Kieslowski est depuis devenu l'un des plus grands noms du cinéma d'art et essai et a réalisé de grandes œuvres comme Le Dekalog et la trilogie Trois Couleurs.

1. Un Chien Andalou (An Andalusian Dog)

Le chien andalou est une race qui a ses origines en Espagne, berceau de Luis Bunuel et Salvador Dali, les deux créateurs de ce court métrage monumental. Dans la péninsule ibérique, il y a des peintures rupestres représentant des chiens avec une forte ressemblance avec cette race et franchement, l'élément de réalité brumeuse des peintures rupestres est la seule chose que le film emprunte à l'existence du chien andalou. Bien que le mouvement surréaliste ait déjà commencé dans les années 20, il n'a pas réussi à attirer l'attention du monde entier et Bunuel-Dali y est parvenu en choquant le public avec des visuels qui ne symbolisaient rien d'autre que la suppression de la créativité.

Dès son gros plan d'ouverture qui implique Bunuel lui-même, tranchant l'œil d'une femme avec l'humour vitreux renversé qui remue la cervelle jusqu'à la dernière image d'un couple mort enterré dans le sable de la plage, le film ne perd jamais son intensité une seule fois. pourrait argumenter sur le modèle absurde des scènes aidant cette cause, il est important de remarquer comment elles sont disposées de manière à leur donner une continuité propice. Les techniques et les images de l'horreur corporelle dans la plupart des scènes ont été étudiées et appliquées dans d'innombrables autres films construits sur des rêves ou des thèmes d'horreur. Les exemples les plus notables sont «Oldboy», «Spellbound», «Quills» et «The Blood of a Poet». Bien qu'une myriade de critiques aient adopté diverses théories pour expliquer les événements du film, elles se limitent au mot «théorie», Bunuel se moquant de toute explication plausible à son égard.