Les 15 réalisateurs les plus sous-estimés de tous les temps

Il est très difficile de trouver un réalisateur qui puisse être objectivement considéré comme sous-estimé. Le contexte entre en jeu et il y a de nombreux facteurs que les gens évoqueront pour discuter de ce statut. Il n'y a rien de mal à cela, car il est toujours agréable de trouver des gens qui reconnaissent le travail de certains cinéastes moins connus. Dans cette liste, je considérerai un monde très généralisé comme cadre de référence, un monde qui considère Spielberg comme le dieu du cinéma et The Shawshank Redemption comme le plus grand film jamais réalisé. Je n’ai pas l’intention de déprécier non plus, mais je crois que, dans ce monde extrêmement diversifié de films, il est toujours trop tôt pour qualifier quelqu'un de meilleur et, ce faisant, ne pas défier vos propres goûts pour explorer les coins les plus reculés du cinéma. Tous ces cinéastes ont ajouté une touche déterminante au processus d’innovation et ont donc cimenté leur héritage dans le cœur des cinéphiles ardents. Cela dit, voici la liste des meilleurs réalisateurs sous-estimés de tous les temps.

15. Satoshi Kon

Films à regarder: Paprika, The Perfect Blue, Millenium Actress

Je me souviens avoir regardé «The Perfect Blue» il y a un mois et à quel point cela m'a rappelé le chef-d'œuvre de David Lynch «Mulholland Drive». Bien que son exécution devienne très lourde vers la fin et perd la subtilité qu'elle promet, elle reste une étude de caractère horrible de son protagoniste et des prouesses cérébrales de Kon. Je crois que Kon ne croyait pas à l’étude du surréalisme, autant qu’il le croyait dans les rêves. Ses films sont marqués par le symbolisme, mais ne les utilise jamais pour transcender les arts visuels en poussant ses limites créatives à l'infini. Il a prouvé que vous pouviez travailler selon les concepts de la narration traditionnelle et utiliser chaque ligne d'un scénario pour raconter une histoire seule, ce qui aboutissait à une forme de structure incroyablement complexe, sans brouiller le récit.

14. Jim Jarmusch

Films à regarder: Paterson, Stranger Than Paradise, Ghost Dog: The Way of the Samurai

Bien que Jim Jarmusch ait été le prince de l'industrie cinématographique indépendante en Amérique, la quasi-totalité de sa filmographie passe inaperçue, même sous le radar du public américain en raison de leur minimalisme, à la fois sur le film et dans le monde réel. C’est un homme qui exhale l’essence de la période dans laquelle il vit à travers tout ce qui est auditif ou visuel, que ce soit la piste Billboard # 1 que son personnage joue dans sa voiture ou les tendances millénaires que la femme de son protagoniste décrit.

13. Claire Denis

Films à regarder: matériel blanc, 35 plans de rhum, chocolat

J'adore Claire Denis en raison de la différence entre son travail et l'auteur par excellence des temps modernes. Soit vous avez quelqu'un qui est complètement poétique, soit quelqu'un qui s'épanouit dans des scénarios solides. Dans une certaine mesure, comme Chantal Akerman, Denis contrôle les deux aspects. Ayant passé son enfance en Afrique coloniale et sa jeunesse en banlieue française, ses films sont marqués par les effets de la guerre sur le continent et les enjeux de différenciation raciale. L'accent n'est jamais mis sur une seule histoire ou un personnage, car nous voyageons à travers les cultures, les paysages, les sons, les enjeux et les identités dans un film de Claire Denis.

12. Lisandro Alonso

Films à regarder: The Dead, Liverpool, Jauja

Vous ne trouvez plus de cinéastes comme Lisandro Alonso. Des gens qui croient qu'il n'y a rien de plus puissant au cinéma que les images. Un spectateur occasionnel trouverait très difficile de tolérer son travail, car ses films se composent à peine de dialogues et chaque scène respire pendant au moins une minute, et cela ne comprend pas de longues prises. «The Dead», «Liverpool» et «Jauja» sont tous des road movies, et Alonso utilise les voyages comme métaphore de l’exploration. Ses personnages voyagent à travers les marais, la neige, les champs et les endroits dont ils faisaient autrefois partie. Il n'y a pas d'auto-exploration, ses personnages existent dans l'instant, et la seule chose révélée sont leurs émotions rudimentaires.

11. Victor Erice

Films à regarder: L'esprit de la ruche, La Morte Rogue, El Sur

Étant un fanatique d’horreur, ce que j’ai obtenu du premier long métrage de Victor Erice, «L’esprit de la ruche», a été une heure de silence et de descente dans l’obscurité de soi. Ce que je venais de vivre était une forme sensorielle de téléportation vers un monde si innocent, même le ton terrifiant du film me semblait juste espiègle et rien d'autre. Dans une carrière de plus de 40 ans, il est probablement l'artiste le moins prolifique de cette liste, mais ce n'est pas surprenant, compte tenu de la personnalité de son travail. Ce qui me surprend, c'est la façon dont il traite chaque cadre comme une nouvelle toile, essayant d'embellir l'impact de chaque objet à l'écran. Son utilisation particulière du silence donne au public une sensation de liberté tranquillisante, d'observer la technique susmentionnée.

10. Maya Deren

Films à regarder: Meshes of the Afternoon, The Witche’s Cradle, Meditation on Violence

Je ne pense pas que le travail de Maya Deren était aussi avant-gardiste que la sienne. Elle est probablement l'incarnation de la phase où l'humanité atteint le besoin d'exprimer chaque désir se développant dans son subconscient. Tout désir rejeté par le monde, parce qu’il n’adhère pas aux normes ou au fonctionnement organisé du monde. Deren a tout expérimenté; récits, continuité, techniques de caméra, narration visuelle et surtout, montage. Son œuvre la plus renommée, 'Meshes of the Afternoon', également sa première pièce, fonctionne comme une transe, se tordant et se déformant comme les pensées dans votre esprit lorsque vous interagissez avec différents objets.

9. Shohei Imamura

Films à regarder: La ballade de Narayama, les pornographes, la femme insecte

Shoehei Imamura était une autre figure marquante de la nouvelle vague japonaise et est le seul réalisateur japonais à avoir remporté deux Palme d’Ors. À l'époque où la plupart des réalisateurs contemporains de sa région s'intéressaient à l'énergie des films de samouraï et de jidaigeki, Imamura était ébloui par la sensualité brute qui se reproduisait sous la façade décorée de la société japonaise. La guerre a détruit le Japon, et Imamura a osé dénoncer l'incontournable turpitude, que les gens ont choisi de négliger, y compris les maisons de production. Avec des films comme «La femme insecte» et «Les pornographes», Imamura a touché des sujets de prostitution et de sexualité inexploitée.

8. Chantal Akerman

Films à regarder: Jeanne Dielman, I You He She, Hotel Monterey

Chantal Akerman est probablement la cinéaste la plus influente de tous les temps, poursuivant le style avant-gardiste de ses prédécesseurs Maya Deren et Alice Guy-Blache et le mélangeant avec un sens narratif et hypnotique du cadrage. Son approche comprenait l'accent sur un temps et un espace particuliers et sur la façon dont les personnages qui y habitent sont affectés par leur lien. Cela est brillamment mis en valeur dans l’utilisation des cuisines et des salles dans ses films, alors qu’elle explore les murs entre la domestication et l’urbanisation de soi-même.

7. Michael Powell et Emeric Pressburger

Films à regarder: Peeping Tom, La vie et la mort du colonel Blimp, Black Narcissus

Il est impossible de quitter l’une ou l’autre d’entre elles tout en discutant d’une question. Je vais donc considérer toute leur filmographie collective. Ensemble, leur filmographie est probablement la collection de films la plus diversifiée que vous ayez jamais rencontrée, allant des comédies aux drames romantiques en passant par l'horreur. L'aspect le plus remarquable est cependant leur cinématographie sur le 3 Strip Technicolor, qui était révolutionnaire. Pressburger était le scénariste et supervisait le montage, tandis que Powell s'occupait de la majeure partie de la réalisation. Leur travail n'a pas reçu l'importance qu'il mérite en raison de leurs thèmes ignobles, et au fil des décennies, il y a eu un intérêt exponentiellement croissant, après les citations de Scorsese, Copoola et d'autres réalisateurs de New Wave.

6. Frantisek Vlacil

Films à regarder: Marketa Lazarova, Adelheid, La vallée des abeilles

Je dois remercier Criterion de m'avoir présenté à la fois «Marketa Lazarova» et son directeur Frantisek Vlacil. 50 ans après la sortie du premier, ces deux noms restent des monuments intacts du passé et du présent du cinéma européen. Je trouve des similitudes dans sa vision et celle de Tarkovsky, car tous deux considéraient le cinéma comme de la poésie visuelle. Etant étudiant en histoire et habitant de la Tchécoslovaquie, il a été instillé avec un sens aigu des problèmes qui tourmentaient l'Europe médiévale. Son imagerie est très métaphorique et traite des thèmes de la liberté individualiste, des orthodoxies, de la montée et de la chute des cultures et des dogmes qui leur sont associés. Comme Tarkovsky, son travail a toujours été surveillé par les forces communistes du pays.

5. Mario Bava

Films à regarder: Black Sunday, Kill Baby Kill, Blood and Black Lace

Chaque fois que je me retrouve dans un cercle de films, c’est comme si je me retrouvais pris au milieu d’un barrage meurtrier, sauf qu’il n’y a pas de balles mais les noms de réalisateurs européens. Et si j’ai toujours aimé le macabre, cela n’influence pas ma déception de trouver un nom manquant, à savoir Mario Bava. Le maestro italien a repris là où Hitchcock était parti, et a drapé des mystères dans des lumières de velours et une vengeance lubrique. Il est très difficile de trouver un artiste aussi polyvalent que Bava, car il a révolutionné la cinématographie, les effets spéciaux, la mise en scène, les scénarios et Eastmancolor dans son pays d'origine, qui s'est finalement répandu dans toute l'Europe.

4. Frederick Wiseman

Films à regarder: Titicut Follies, The Last Letter, Boxing Gym

Probablement Frederick Wiseman était destiné à être négligé, le jour où il a décidé de poursuivre la réalité. La plupart d'entre nous sont tellement touchés par les caprices des situations auxquelles nous sommes confrontés dans la vie réelle que nous choisissons de les regarder dans des mondes fantasmés sur des écrans de cinéma de 15 mètres de large. La vision de Wiseman n’est pas seulement la sienne, mais aussi celle de personnes qui n’ont pas le privilège de transmettre la leur. Aucun film ne peut être objectivement impartial, et son argument sur la façon dont chaque minute de tournage sera soumise à un examen et à un parti pris inéluctables, car il a certaines obligations à respecter, en dit long sur son éthique de travail.

3. Jean Cocteau

Films à regarder: la trilogie orphique

«Quand je fais un film, c'est un sommeil dans lequel je rêve.» - Jean Cocteau. Nous avons vu Lynch, Fellini, Bunuel et Jodorowsky créer des réalités alternatives qui déconstruisent chaque élément de l’humanité en le plaçant dans un monde qui dépasse sa compréhension. Mais si vous regardez de près, presque tous se sont, à différentes étapes de leur filmographie, inspirés de Cocteau. Bien que son style soit considéré comme très poétique, la texture de ses images est très grossière, le contraste en noir et blanc étant très déterminant. «La trilogie orphique» donne particulièrement l’impression que Cocteau, en tant qu’artiste, a finalement trouvé un moyen d’exprimer son imagination et de l’élever à une limite qu'aucun papier ne lui permettrait jamais.

2. Masaki Kobayashi

Films à regarder: Harakiri, Kwaidan, Trilogie sur la condition humaine

Autant j'adore Akira Kurosawa, même s'il y a un cinéaste japonais dont le travail est la partie la plus essentielle du cinéma japonais d'après-guerre, je crois que c'est Masaki Kobayashi. Bien que ses œuvres aient été réparties dans de vastes chronologies et réalités, ses thèmes étaient toujours le reflet constant du réalisme, intensifié par son expérience déchirante de la guerre. Kobayashi, contrairement à la plupart des réalisateurs de la même époque, s'est concentré sur la déconstruction et la critique de la culture japonaise, et n'a jamais fait la satire de ses films, projetant ainsi une vision terriblement sombre et pessimiste de la société, qui a été rejetée comme offensante et franche. «Harakiri» et la «Trilogie de la condition humaine» sont de bons exemples de la critique du réalisateur du concept de guerre, car nous voyons les séquelles à travers deux périodes complètement différentes.

1. F. W. Murnau

Films à regarder: Nosferatu, Sunrise, Faust

F.W.Murnau est un monument. 'Nosferatu' va avoir 100 ans après 5 ans, et honnêtement, il y a eu d'innombrables films d'horreur depuis sa sortie. À l'exception d'une poignée, aucun d'entre eux n'a été suffisamment influent pour laisser des traces de leur excellence dans tous les autres films du genre. «Sunrise» est un autre film dont les résidus ont été saupoudrés sur les visuels poétiques du cinéma d’art-house européen, et est probablement le premier film à sculpter littéralement le temps et le cinéma avec lui dans le processus. Il y a «The Last Laugh» dont l’introspection de la condition humaine, l’une des premières études de personnages, est déguisée par son expressionnisme et son style peut avoir été influencé par le néo-réalisme italien et le cinéma parallèle. Et puis il y a «Faust», qui implique le légendaire alchimiste faisant un pacte avec le diable et bien que Goethe ait déjà fait une pièce de théâtre en 1806, je pense que le cinéma a toujours été plus efficace que le théâtre, en tant qu'expérience. Et Faust est le plus grand témoignage de cette déclaration.