15 grands films sans partition musicale

Il y a quelque temps, j'ai eu un long débat avec un de mes confrères cinéphiles sur l'importance de la musique au cinéma. Il était d'avis que la musique est l'un des éléments les plus importants du cinéma et joue un rôle clé dans la narration. Bien que j’ai toujours apprécié la bonne musique dans les films, je pense qu’un film peut être vraiment engageant sans la moindre mélodie. Le pouvoir de la narration repose principalement sur l'esthétique visuelle et le travail des personnages, mais très peu de cinéastes ont profité de ces aspects et bien souvent la musique devient un simple dispositif de manipulation pour engager le spectateur. Cela peut ou non fonctionner selon la manière dont un cinéaste l'utilise et dans quelle mesure. Aujourd'hui, nous jetons un coup d'œil à la liste des meilleurs films qui ne comportent aucune bande-son musicale ou partition d'arrière-plan.

15. Intérieurs (1978)

Le drame familial sombre de Woody Allen était un changement de ton surprenant par rapport à ses précédents films de comédie romantique, ce qui a en quelque sorte établi son identité de cinéaste. Le style et l'esthétique sont ici très bergmaniques et Allen atténue son célèbre humour en faveur d'une exploration plus assurée et plus sombre de la condition humaine. Il n'y a pas de musique dans le film mais Allen porte le poids des émotions avec un contrôle étonnant et une profondeur remarquable. Il n’a ni le plaisir ni la vigueur des autres œuvres de Woody Allen, mais c’est néanmoins une expérience fascinante qui parvient à résonner avec vous à plusieurs niveaux.

14. Corde (1948)

La tristement célèbre expérience d’Alfred Hitchcock n’a pas bien plu au départ aux fans et aux critiques, mais a réussi à trouver une place unique parmi les nombreux classiques qu’il a créés au cours de sa longue et prolifique carrière. «Rope» en est le plus audacieux et expérimental, car il abandonne la musique, un aspect qui a rendu ses films si tendus et incroyablement atmosphériques, et passe à un style de narration plus sophistiqué visuellement. Le film se déroule en temps réel et est monté de manière à ce que les longues prises ressemblent à un seul plan continu, ce que Hitchcock voulait au départ que le film soit. Cela renforce un sentiment de réalisme contrairement à la plupart de ses autres œuvres qui avaient ce certain attrait choc qui vous éloignait légèrement de la réalité de ses décors.

13. Au-delà des collines (2012)

Sans doute l’œuvre la plus sous-estimée de l’œuvre très distinguée du réalisateur roumain Cristian Mungiu, ‘Beyond the Hills’ dépeint la relation entre deux femmes qui ont grandi ensemble. L'un déménagerait plus tard en Allemagne à la recherche d'une vie meilleure et l'autre deviendrait nonne à l'Église orthodoxe. Tourné à la manière des Mungiu avec un travail de caméra soigné et une retenue émotionnelle fascinante, le film ne présente pas l'utilisation d'une partition musicale qui s'accorde parfaitement avec le ton naturaliste du récit. Observez-le pour sa profondeur émotionnelle, son réalisme intrigant et son savoir-faire exquis.

12. M (1931)

Largement considéré comme l’un des plus grands films jamais réalisés, ‘M’ raconte l’enquête sur un tueur en série d’enfants qui n’a pas été retracé. La pègre criminelle rejoint également la police pour l'enquête. Il y avait rarement quelque chose de conventionnel dans tout ce que Fritz Lang a fait et il n'a jamais été le plus grand partisan de l'utilisation de la musique dans les films. «M» a une atmosphère très intrigante et effrayante qui implique l'horreur imminente alors que Lang utilise le silence pour intensifier la tension exaspérante des scènes. La technique fonctionne à merveille alors que Lang crée un chef-d'œuvre cinématographique intemporel qui parvient toujours à vous terrifier et à vous effrayer avec son intensité contrôlée.

11. Après-midi de chien (1975)

La première fois que j'ai fini de regarder 'Dog Day Afternoon', je ne savais pas que j'avais vu un film de 2 heures se déroulant presque entièrement dans une banque effrayante sans aucune partition musicale. C’est à quel point ce joyau Sidney Lumet était brillamment fascinant et engageant. Basé sur une histoire vraie, 'Dog Day Afternoon' tourne autour de deux hommes, Sonny et Sal, qui effectuent un vol de banque afin de payer l'opération de changement de sexe de l'amant de Sonny. Le manque de musique apporte une sensation d'authenticité et de réalisme qu'une histoire aussi puissante et réaliste que celle-ci exige. Le film est porté par le génie d'Al Pacino qui est bien complimenté par un John Cazale vulnérable.

10. Deux jours, une nuit (2014)

Le style naturaliste des Dardenne Brothers peut parfois sembler émotionnellement sec et esthétiquement sombre, mais 'Two Days, One Night' reste un drame humaniste très puissant qui montre le contrôle remarquable du duo sur la narration axée sur les personnages. Le film dépeint la lutte d'une femme souffrant de dépression qui reprend son travail pour se rendre compte que ses collègues ont profité de son absence car ils reçoivent une prime pour faire des heures supplémentaires. Elle n'a qu'un week-end pour amener ses collègues à renoncer à leurs primes afin de pouvoir retourner au travail. Le film n'utilise pas de partition, mais chaque scène est conçue avec une tension incroyable et un sens très restreint de puissance dramatique qui vous engage à fond dans l'histoire.

9. Lumière d'hiver (1963)

Ingmar Bergman avait cette rare capacité à vous imprégner d'émotions qui vous submergent d'un sens très profond d'humanité à la fois dérangeant dans son intimité et revigorant dans sa beauté bizarre. «Winter Light» explore les thèmes familiers de Bergman de l’existentialisme et de la foi. Le film est dépourvu de toute sorte de musique car Bergman crée une atmosphère très sombre qui reflète le vide inquiétant qui sévit dans le protagoniste. Le film est une exploration très profonde de la foi et de la relation complexe de l'homme avec Dieu et Bergman, connu pour son style visuellement effréné et émotionnellement débordant, adapte ici une approche plus subtile et atteint un niveau de simplicité qui a toujours un impact émotionnel retentissant.

8. Loin (2002)

L’éclat de l’Uzak de Nuri Bilge Ceylan réside dans la manière dont Ceylan explore la visualité du cinéma. Le récit, comme le titre l'indique, est très froid mais c'est exactement ce dont il s'agit dans le film. Ce sentiment de détachement émotionnel des gens et des choses les plus proches de nous, nous, en tant qu'êtres humains, faisons l'expérience à un certain moment de notre vie. Avec très peu de dialogues et pas de musique, le style minimaliste de Ceylan peut sembler assez difficile, mais pas si vous êtes prêt à vous déverser émotionnellement dans les espaces profondément contemplatifs qu’il crée.

7. Une séparation (2011)

Pourquoi avez-vous besoin d'une partition alors qu'il y a Asghar Farhadi? Honnêtement, il y a très peu de cinéastes qui pourraient vous garder à l'affût du pouvoir brut et dévastateur des drames humains. L’éclat de «A Separation» d’Asghar Farhadi ne réside pas dans l’histoire mais dans ce qu’elle en fait. «Une séparation» peut sembler être un drame traditionnel de divorce, mais la façon dont il déroule l’histoire, enlève chaque couche de ses personnages et remet en question leur moralité, ce n’est qu’un cinéaste comme Farhadi aurait pu réussir. Il n'y a pas de musique dans le film mais la tension accumulée dans chaque scène est palpable et on oublie tout le reste, complètement absorbé par le film.

6. 4 mois, 3 semaines et 2 jours (2007)

Le drame captivant de Cristian Mungu raconte l’histoire d’une femme qui lutte pour organiser un avortement pour son amie dans la Roumanie déchirée par les communistes des années 80. La tension monte à partir de la première scène alors que la concentration astucieuse de Mungiu sur ses personnages ainsi que des placements de caméra précis et calculés vous entraînent directement dans le film. Le film n'a pas de partition musicale et Munigu l'utilise pour donner au film un ton très authentique. Chaque scène est conçue avec une perfection étonnante et le genre de sensation hyper-réaliste que Mungiu insuffle au film est troublant au-delà des mots. C'est aussi puissant et émotionnellement brut que le cinéma peut jamais l'être.

5. Le ruban blanc (2009)

Le travail du grand auteur autrichien Michael Haneke en a souvent rebuté à cause de son approche froide et de son pessimisme terrible. Mais beaucoup de ses personnages, même s'ils semblent carrément mauvais et odieux, sont extrêmement stratifiés et émotionnels à l'intérieur. Son lauréat de la Palme d’Or 2009, «The White Ribbon», est peut-être le travail le plus ambitieux sur le plan philosophique et thématique qu’il n’ait jamais réalisé. Il dépeint la vie de personnes vivant dans un village au début du 20e siècle en Allemagne. La cinématographie est exquise et tournée entièrement en noir et blanc magnifique, ce qui crée une atmosphère très authentique pour le film alors que Haneke fabrique une œuvre d'art riche en réflexion qui vous hante longtemps après le déploiement du générique.

4. Il était une fois en Anatolie (2011)

L'auteur turc Nuri Bilge Ceylan est incontestablement l'un des meilleurs cinéastes travaillant dans le cinéma aujourd'hui. Ceylan possède la simplicité d'Abbas Kiarostami, l'élégance poétique d'Andrei Tarkovsky et l'humanité de Theo Angelopoulos. Et «Il était une fois en Anatolie» est un mélange exquis de ces éléments alors que Ceylan crée l’un des chefs-d’œuvre les plus attachants et hypnotiques du cinéma. «Il était une fois en Anatolie» n’utilise pas de partition et utilise plutôt les sons de la nature qui nous permettent de respirer sur les espaces entre les personnages. Le manque de musique joue parfaitement avec le décor réaliste et le ton subtilement mélancolique du film alors que Ceylan vous invite à faire partie de son univers. C’est une expérience incroyablement profonde qui vous étonne devant l’humanité pure et simple d’un cinéaste qui serait l’un des plus grands du cinéma dans les années à venir.

3. À propos d'Elly (2009)

Le drame mystérieux obsédant d'Asghar Farhadi vous engage, vous maintient sur le bord de vos sièges et vous dévaste sans la moindre mélodie. Le bruit de la mer crée une sensation de terreur indicible qui engloutit le film en un rien de temps. Inspiré du drame mystérieux classique de Michelangelo Antonioni, «L’Avventura», Farhadi utilise l’élément mystère du film pour explorer les facettes sombres de la nature humaine. Dans la quête de la vérité, les personnages se révèlent d'eux-mêmes alors que le film parle davantage de ses personnages que du mystère lui-même. «About Elly» est une expérience dévastatrice qui reviendrait vous hanter encore et encore.

2. Le vent nous emportera (1999)

L’un des nombreux chefs-d’œuvre qu’Abbas Kiarostami a réalisés au cours de sa longue mais si courte carrière, «The Wind Will Carry Us» est une profonde exposition cinématographique d’une humanité brute et attachante. Avec une intrigue minimaliste qui suit un groupe de journalistes qui arrivent dans un village kurde pour couvrir la mort d'une vieille femme, Kiarostami fabrique une œuvre d'art vraiment libératrice qui transcende les frontières de la conventionalité. Kiarostami abandonne l’utilisation d’une partition musicale traditionnelle car cela vous donne le sentiment d’être transporté dans le monde magnifique qu’il a créé, rempli de beaux paysages qui jouent un rôle aussi important que l’histoire et les personnages du film.

1. Cache (2005)

Le chef-d'œuvre de Michael Haneke est un film qui prend la forme d'un thriller mais va bien au-delà de ce qu'un genre pourrait jamais contenir. Décrit par Roger Ebert comme un thriller psychologique implosif, «Cache» se concentre sur un couple terrorisé par une série de bandes vidéo anonymes livrées à leur porte. La tension dans le film n'explose pas mais ce que fait Haneke ici va vraiment au-delà d'un film polar traditionnel. Le film n'a pas de partition et une grande partie du film se compose de plans ambigus sans perspective claire fournie à chaque scène. «Cache» redéfinit le cinéma et la narration d’une manière que vous ne pouvez presque jamais imaginer.