100 meilleurs films de tous les temps

Alejandro Jodorowsky Prullansky, le célèbre réalisateur, poète, dramaturge et compositeur de musique chilien-français, a dit un jour : J'ai toujours pensé que, de tous les arts, le cinéma est l'art le plus complet. Je suis d'accord. À plus d'un titre, le cinéma est en fait un amalgame de toutes les autres formes d'art importantes : la peinture, l'écriture et la musique. Ce n'est pas un hasard si le cinéma est aussi la forme d'art la plus moderne. Après tout, l'évolution d'autres formes d'art était nécessaire pour que le cinéma naisse. Le fait qu'il reste la forme d'art la plus populaire presque dès le moment où il a vu le jour vous indique à la fois sa force et sa faiblesse : il est facilement accessible et donc plus commercialisable.

Dans cet esprit, je suis ravi de vous présenter la liste des films de The Cinemaholic 100 meilleurs films de tous les temps . Avant de commencer à explorer notre liste des 100 meilleurs films jamais réalisés, rappelons-nous à nouveau que les listes, de par leur nature, ne sont jamais parfaites. Donc, nous ne prétendons pas que ce soit le Saint Graal de la liste des meilleurs films absolus au monde. Mais ce que je peux vous assurer, c'est que de nombreuses recherches ont été nécessaires pour dresser cette liste. Des milliers de titres de films ont été pris en compte et chaque choix final a été débattu. Je suis sûr que vous trouverez beaucoup de vos films préférés absents de la liste. Beaucoup de mes favoris manquent aussi ! Mais au lieu d'être frustré, profitez-en pour voir les films que vous n'avez pas vus. Qui sait, vous finirez peut-être par découvrir votre ou vos nouveaux favoris !

100. Les Parapluies de Cherbourg (1964)

Jacques Demy colore son opéra romantique d'une sophistication adoucie, démesurée, un peu hipster. Mais cette couleur n'est pas seulement celle des murs, des vêtements et des parapluies. C'est aussi sur les joues d'une jeune fille incroyablement amoureuse alors qu'elle traverse la rue pour saluer son amant et son absence quand on voit ce visage voilé, la jeune fille devenue la mariée de quelqu'un d'autre. Il y a aussi de la couleur dans la façon dont les gens se parlent, ou pour être plus précis, chantent entre eux. Mais leurs conversations lyriques ne riment pas comme la plupart des chansons. Quand tout, des professions d'amour aux soucis d'argent, est mêlé d'une passion indiscernable, cela ne vous ferait pas grand bien d'aller à la pêche à la rime ou à la raison. Alors que le film et toutes ses révélations mélodiques, soutenues par la musique surnaturelle de Michel Legrand, sont d'un romantisme déchirant, toutes les décisions que prennent nos personnages ne le sont décidément pas, comme tout dans la vie.

Pour une intrigue si fastidieusement connue, après l'avoir vue être à la base d'innombrables chansons pop et feuilletons télévisés, chaque image de 'Les Parapluies de Cherbourg', débordant de mélancolie, est d'une fraîcheur séduisante, voire inconnue. Vous pouvez attribuer cela à la sincérité des émotions et à la sincérité de leur expression. Opérant à une échelle aussi modeste qu'elle le fait, 'Umbrellas' vous dévaste avec le plus petit des reflets. J'étais abasourdi de voir à quel point l'impact de deux chaises vides, une fois remplies par les deux amants, pouvait être substantiel. Dans la délicatesse tendrement préparée de Demy, nous défilons dans des carnavals remplis de rubans et de confettis, nous décorons des arbres de Noël et nous nous donnons des cadeaux, mettant tous nos sentiments quelque part dans les coins de nos cœurs, car peu importe à quel point l'absence de quelqu'un est difficile à supporter ou la passé est d'oublier, tout ce que nous pouvons faire est de vivre dans le fantasme d'aujourd'hui.

99. Trainspotting (1996)

C'est un peu difficile d'expliquer aux cinéphiles comme nous le fanatisme du 'Trainspotting'. C'est arrivé à un moment où la réalité de la drogue commençait tout juste à s'enfoncer. On pourrait dire que cela glorifiait l'abus de drogue et dans une certaine mesure, c'est vrai. Le fait qui en est ressorti était la tentative de Danny Boyle de montrer les hauts et les bas de la toxicomanie, sans prendre parti. 'Trainspotting' est un film culte qui raconte l'histoire de quatre amis et de leur rendez-vous avec l'addiction. Outrageux et bizarre sont les deux seuls mots pour le décrire. Un toxicomane qui veut devenir propre, mais qui hésite à chaque pas en raison de son envie la plus profonde de se défoncer. Généreusement surdosé d'humour, le film tente de souligner un fait avec un sérieux absolu : malgré les luxes qu'offre la vie, la jeunesse les renie avec beaucoup d'aplomb. Et les raisons ? Il n'y a aucune raison. Qui a besoin de raisons quand on a de l'héroïne ?

98. Le diplômé (1967)

Ah, le temps de la jeunesse ! Insouciant et joyeux. Amusant rempli de rien à craindre. Aucun souci pour le passé, qui a été laissé derrière et aucun souci pour l'avenir, qui est encore à venir. Benjamin Braddock a mené cette vie insouciante après avoir obtenu son diplôme universitaire. Et quand il est finalement revenu dans sa ville natale, il y a rencontré Mme Robinson. La flamme d'une affaire commence à brûler. La vie prend une tournure sournoise lorsque le jeune Ben confond sexe et compagnie. Il devient sens dessus dessous, quand il tombe amoureux de sa fille. Un film qui fait réfléchir, sous la forme d'une comédie, 'The Graduate' est l'un des films les plus drôles de tous les temps. Mettant en vedette Dustin Hoffman, il comporte la ligne emblématique - 'Mme Robinson, essayez-vous de me séduire?'

97. La Double Vie de Véronique (1991)

Peut-être qu'aucun autre cinéaste n'a compris les femmes à des profondeurs émotionnelles aussi profondes que Krzysztof Kieslowski. L'homme les aimait tout simplement et il l'a montré avec une telle passion et intimité que vous ne pouvez pas vous empêcher de vous sentir séduit par son pouvoir émotionnel brut. «La Double Vie de Véronique» pourrait bien être sa plus grande réalisation artistique. Le film parle d'une femme qui commence à sentir qu'elle n'est pas seule et qu'il y a une partie d'elle qui vit quelque part dans le monde dans une âme différente. Véronique et Weronika sont les deux femmes identiques qui ne se connaissent pas et pourtant partagent un lien émotionnel mystérieusement intime entre elles. La cinématographie très stylisée de Slawomir Idziak peint le film avec une sensation tendrement mélancolique qui vous enveloppe et ne vous laisse pas passer. Il y a des sentiments et des émotions que nous avons vraiment du mal à mettre en mots et le film donne vie à ces sentiments inexplicables de tristesse et de solitude pensives. 'La Double Vie de Véronique' est une œuvre d'art époustouflante qui dépeint l'âme humaine dans toutes ses belles fragilités et sa tendresse.

96. Cinéma Paradiso (1988)

Beaucoup de gens considèrent le cinéma comme une indulgence, une activité de loisir, un amusement qui n'a aucune conséquence dans la vie. Mais moi, avec une armée d'ardents cinéphiles pour me soutenir avec ferveur, je peux affirmer avec une conviction absolue que le cinéma est aussi nécessaire à la vie que la vie l'est au cinéma. Et ‘Cinema Paradiso’ est une belle façon, bien qu’ironique, de faire valoir mon point de vue. Le réalisateur à succès Salvatore rentre chez lui un jour et apprend la mort d'Alfredo, sur quoi il se remémore sa ville natale dans la Sicile des années 1950. Le jeune et espiègle Salvatore (surnommé Toto) découvre un amour durable pour les films qui l'attire au cinéma du village Cinema Paradiso, où Alfredo est projectionniste. Après avoir pris goût au garçon, le vieux bub devient une figure paternelle pour lui alors qu'il enseigne minutieusement à Toto les compétences qui seraient le tremplin de son succès cinématographique.

Regarder Toto et Alfredo discuter de cinéma avec révérence, et voir Alfredo donner des conseils de vie à travers des citations de films classiques, est une pure joie. À travers l'histoire du passage à l'âge adulte de Toto, «Cinema Paradiso» met en lumière les changements dans le cinéma italien et le commerce mourant du cinéma traditionnel, du montage et de la projection tout en explorant le rêve d'un jeune garçon de quitter sa petite ville pour faire une incursion dans le monde extérieur. L'un des meilleurs 'films sur les films' qui ait jamais existé.

95. Vol au-dessus d'un nid de coucou (1975)

Une de ces rares expériences cinématographiques qui vous fait ressentir une pléthore d'émotions à la fois. C'est drôle dans certaines parties, édifiant dans certains et bouleversant dans d'autres. C'est également l'un des rares exploits d'une narration simpliste et efficace, racontant Randle McMurphy, un criminel qui, dans l'espoir d'échapper à la prison, simule une maladie mentale et plaide non coupable pour cause de folie. En arrivant dans un établissement psychiatrique, il se rebelle contre l'autoritaire Nurse Ratched (jouée par une Louise Fletcher d'acier) dans un scénario classique ordre contre chaos. Le film établit qu'il n'y a en effet personne de mieux pour jouer des personnages avec un coup et un charme dans une égale mesure que Jack Nicholson lui-même, lui valant une victoire méritée aux Oscars pour sa performance dans le film. Ce qui commence comme un film durable et réconfortant, dégénère en une fin tragique mais pleine d'espoir, à la suite de scènes troublantes impliquant un suicide et une thérapie électroconvulsive sur des patients. Le film, pourtant, ne lâche jamais l'attention et le pathos du spectateur pour les personnages à l'écran, évoquant une véritable émotion et encourageant l'esprit humain qui émane même face à une autorité non partagée.

94. Pyasa (1957)

Dense avec des idées de changement social et des commentaires cinglants sur la méchanceté et les stigmates de la société, «Pyaasa» incarnait non seulement l'âge d'or du cinéma indien, mais était également le reflet de la bourgeoisie indienne elle-même. C'est un film qui a une qualité subtile sur lui-même, où toutes les vérités effrontées et les dures réalités de la société mijotent sous la surface en attendant d'être explorées et extrapolées par le public conscient. «Pyaasa» est un classique intemporel non sans raisons. Même 60 ans après sa sortie, il reste pertinent à l'époque moderne, car l'Inde continue d'être en proie aux mêmes malédictions sociétales - corruption, misogynie, matérialisme - auxquelles 'Pyaasa' s'attaque directement ou indirectement.

93. Les temps modernes (1936)

‘Modern Times’ est un film humoristique avec un message puissant. Portant les thèmes emblématiques de Chaplin, à savoir l'espoir et la pauvreté, cette image se concentre sur les effets néfastes des machines et d'autres formes d'avancées technologiques sur les gens ordinaires, en mettant sous les feux de la rampe un ouvrier d'usine dont la vie passe par de nombreux rebondissements alors qu'il essaie de faire face au nouveau monde. Bien que le slapstick soit très drôle, tout est contenu dans un vaisseau de tristesse. ‘Modern Times’ utilise des éléments intelligents et subtils pour poser de temps en temps des questions philosophiques importantes. Le point culminant est l'un des plus touchants de tous les temps, impliquant une forme triste de bonheur et aucune véritable réponse ou résolution. Ce film pourrait très bien être l'œuvre la mieux écrite de Chaplin, et il est surprenant de constater à quel point les idées présentées ici sont encore aujourd'hui pertinentes. Ayant sans aucun doute résisté à l'épreuve du temps, le chemin emprunté par Modern Times pour partager ses pensées est probablement le meilleur aspect de ce triomphe cinématographique.

92. La fine ligne rouge (1998)

Le retour de Terrence Malick au cinéma après une interruption de 20 ans a été marqué par ce drame de guerre magnifiquement époustouflant qui explore non pas la guerre, mais l'émotion de la guerre. Le film est vraiment de nature malickienne et met davantage l'accent sur les visuels que sur l'histoire, vous permettant de vous imprégner de l'expérience de celui-ci. Le génie du film réside dans la vision de Malick de voir la beauté dans quelque chose d'aussi sombre et sanglant que la guerre. Il faut un génie absolu pour transformer quelque chose d'aussi brutal et sanglant que la guerre en une expérience aussi hypnotique qui transcende les réalités de la guerre et vous permet plutôt de vous imprégner des émotions de ses personnages. C'est une expérience tellement immersive qui vous demande de ressentir les êtres humains derrière les armes à feu et les bombes. Ce sont des âmes dévastées comme nous, aspirant à une touche délicate, manquant la chaleur du souffle de leurs amants et épouses tout en devant faire face à la plus laide des réalités loin d'eux. ‘The Thin Red Line’ est tout simplement une expérience pas comme les autres ; celui qui doit être vu, ressenti et réfléchi.

91. Coureur de lame (1982)

Le montage final de 'Blade Runner' de Ridley Scott est, je crois, le plus grand film dystopique jamais réalisé. Bien que Metropolis soit un choix discutable, il faut observer les visuels inauthentiques associés au cinéma expressionniste allemand. 'Blade Runner', d'autre part, est plus que parfait pour construire un monde qui souffre d'inégalités financières, d'un boom démographique, d'une carence en tout ce qui est naturel, car même la chair ne peut pas faire confiance ici. L'éclairage scintillant est contextuellement naturel, car c'est un monde électronique et Jordan Cronenweth l'utilise de la même manière que les objets éclairants quotidiens du film noir. Bien que cela ne pose peut-être pas des questions aussi profondes que 'A Space Odyssey', mais nous fait nous demander si les androïdes rêvent de moutons électriques.

90.Fargo (1996)

Violent, drôle, chaleureux et brutalement intense, 'Fargo' est l'un des meilleurs films américains des années 90 et l'un des plus grands drames policiers jamais réalisés. Le film raconte l'histoire d'un homme qui engage deux hommes pour kidnapper sa femme et extorquer de l'argent à son riche beau-père. L'utilisation brillante de l'humour noir par les frères Coen imprègne le film d'un air chaleureux qui donne un ton très distinctif au film. C'est ce mélange magistral de comédie, de drame et de violence qui fait de 'Fargo' une expérience cinématographique si mémorable. Ce magnifique plan d'ouverture d'un Minnesota enneigé, magnifiquement complété par une partition obsédante, donne le ton au film et établit un sentiment de profonde tristesse qui se cache sous la violence et l'humour dont le film regorge. Frances McDormand est clairement la star du film et vole la vedette, dépeignant une cheffe de police enceinte prise dans un monde de mal et de brutalités mais parvient à trouver lumière et espoir. « Fargo » est un film émotionnellement brut, brutalement intense, attachant, drôle et douloureusement réaliste de pur cinéma captivant.

89. Tête de gomme (1977)

'Eraserhead' est un manuel sur l'horreur atmosphérique. Racontant l'histoire d'un homme aux cheveux étranges qui tente de fonder une sorte de famille par lui-même, ce film se transforme de plus en plus en un cauchemar surréaliste à chaque minute qui passe. Utilisant le son et les gros plans pour offrir un sentiment de peur claustrophobe et l'alignant sur une intrigue qui n'a pas de sens lors d'une première montre, les débuts de David Lynch s'avèrent être l'un des meilleurs du maître réalisateur, ce qui en soi est un éloge. Ce que ‘Eraserhead’ fait, c’est créer un monde dystopique – éclaboussé de bâtiments laids et d’engins mécaniques plongés dans un noir et blanc vicieux – et y jeter des personnages plus ou moins confus par leur environnement. Bien qu'il soit presque impossible de comprendre la signification de cette image, il faut se rendre compte que ce n'est jamais l'intention. «Eraserhead» place dans l'esprit de son public un sentiment d'inconfort total, en utilisant à la fois ses visuels et son style surréaliste, et trouve un moyen de manipuler leurs pensées. Seule une poignée d'images sont aussi magnifiquement structurées mais indéniablement menaçantes que celle-ci, et c'est quelque chose que seul quelqu'un comme Lynch pourrait réaliser.

88. Enfance (2014)

'Boyhood' est un rappel affectueux des années passées de joie sans retenue, d'optimisme inébranlable et d'innocence bouillonnante. Il s'appuie sur la beauté, la joie et l'émotion de la vie ordinaire des gens et non sur un acte dramatique accru (le pain et le beurre pour la plupart des films). Il est fascinant de voir comment d'une scène à l'autre, non seulement il y a des changements dans la physique des personnages, mais vous remarquerez également la transformation de leur mode, de leur coiffure, de leurs goûts musicaux et, en général, de leurs perspectives sur la vie. 'Boyhood', d'une manière que très peu de films font, transcende les frontières du cinéma et devient une infime partie de notre propre existence et expérience. Linklater nous rappelle encore une fois pourquoi il est le meilleur en affaires lorsqu'il s'agit de raconter des histoires simples sur des gens ordinaires.

87. Jours du paradis (1978)

L'évolution de Terrence Malick en un visionnaire cinématographique entièrement contrôlé et faisant autorité est l'une des plus grandes choses qui soient jamais arrivées au cinéma américain. Il ressort clairement de ses premières œuvres qu'il cherchait désespérément à sortir des limites conventionnelles du cinéma. Des films comme 'Badlands' et 'Days of Heaven' avaient des récits apparemment simples, mais c'étaient des films qui essayaient d'être quelque chose de plus. Quelque chose de plus qu'une simple histoire. Une expérience. ‘Days of Heaven’ y parvient plus brillamment que ‘Badlands’. Beaucoup de gens ont souvent critiqué le film pour son scénario faible. Je ne pourrais pas dire qu'ils ont tout à fait tort, mais l'histoire, de toute façon, n'est pas l'aspect le plus important d'un film. Ce que Malick fait ici, c'est utiliser la visualité du cinéma qui met l'accent sur l'ambiance de l'histoire plutôt que sur l'histoire elle-même. Ses intentions ne sont pas de vous rendre émotif en utilisant le sort des personnages mais de vous permettre de les observer, de ressentir la beauté des paysages et le parfum de son lieu. Et créer une telle expérience viscéralement émouvante n'est rien de moins qu'un miracle.

86. Le tombeau des lucioles (1988)

Un film poignant et touchant qui est à la hauteur de tous les aspects auxquels vous pouvez penser, avec les autres films d'action en direct mettant en évidence le butin de guerre. Ce film d'animation japonais centré sur les horreurs de la Seconde Guerre mondiale en se concentrant sur la vie d'un couple de frères et sœurs, m'a brisé le cœur d'une manière qu'aucun autre film n'a réussi, et a continué à piétiner les pièces jusqu'à la toute fin. S'agissant d'un film de guerre, il fait également des merveilles sur le plan humain, réalisant et développant magnifiquement la tendre relation entre Seita et Setsuko face à l'adversité que fut la Seconde Guerre mondiale. Le message est fort et clair. Aucune guerre n'est vraiment gagnée, et toute gloire entraînant des victoires s'accompagne également de gémissements de vies innocentes détruites pendant la guerre. J'applaudirais le film pour ne pas être ouvertement manipulateur émotionnellement en nous enracinant pour ses personnages; mais ne vous y trompez pas, son point de vue puissant et sans compromis sur la guerre et les travestissements subis par la fratrie vous réduira à un gâchis sanglotant. C'est SI triste. Cela étant dit, il n'y a pas d'autre moyen que je l'aurais. C'est la perfection, dans sa forme la plus déchirante.

85.Manhattan (1979)

La romance dans les films de Woody Allen a toujours été douloureusement véridique et déprimante de réalisme malgré le sens de l'humour délicieusement poignant avec lequel il les enveloppe. Alors que «Annie Hall» reste son film le plus audacieux, «Manhattan» se présente comme une œuvre plus mûrie, sur le plan artistique. Le film a Allen jouant un New-Yorkais ennuyé et confus, récemment divorcé, sortant avec une lycéenne mais finit par tomber amoureux de la maîtresse de son meilleur copain. Allen a légèrement atténué l'humour de ce film afin de nous faire vraiment ressentir la tristesse qui envahit ses personnages, ce qui en fait une expérience si épuisante sur le plan émotionnel. C'est juste un portrait profondément poignant de relations fragiles et d'êtres humains imparfaits aux prises avec eux-mêmes et leur existence, cherchant désespérément un bonheur qu'ils ne reconnaîtraient et n'atteindraient jamais. Et c'est cette réalisation délicate et poignante de la condition humaine qui fait de 'Manhattan' un film si puissant.

84. Marketa Lazarova (1967)

Le paysage de rêve incorporel de l'icône tchèque František Vláčil, Marketa Lazarová, est tout simplement l'une des œuvres d'art les plus incroyables du 20^eSiècle. Son approche avant-gardiste du langage cinématographique correspond à peine aux limites de cette tournure de phrase souvent accablante - car c'est quelque chose de plus. Une fusion étonnante de la vue et du son, sans entrave par convention, structure ou toute règle écrite, les spécialistes du cinéma déchaînés ont giflé la forme cinématographique au fil des ans. En comparaison, tout le reste semble si étroitement contrôlé, si peu naturel et artificiel dans son exécution. Marketa Lazarová est brute, viscérale et étonnamment dynamique. En bref : c'est libre - un véritable summum des possibilités d'explorer chaque support cinématographique. Pour cela, il figure parmi les plus grands films jamais réalisés.

83. Chantons sous la pluie (1952)

Singin' In The Rain est la comédie musicale la plus déterminante de l'âge d'or d'Hollywood. Il est impossible d'oublier l'image de Gene Kelly dansant près du réverbère, quand on parle des moments brillants du cinéma. Le film célèbre non seulement délicieusement sa propre compétence, mais aussi le passage du cinéma d'un médium visuel à un médium résonnant et stimulant. Réalisation monumentale dans le cinéma Technicolor, l'effort de mise en scène de Kelly a été initialement rejeté de manière amusante par les critiques et le public. Je crois que la pertinence de ce classique se renforce de jour en jour, à mesure que l'écart entre les périodes couvertes par le film (vie réelle et réelle) et le présent grandit de plus en plus. On perd le contact avec une époque importante, et ce film vous fourmille de sa nostalgie.

82. Ne regarde pas maintenant (1973)

Il est très difficile de trouver une œuvre d'art visuel aussi hypnotique que 'Dont Look Now' de Nicolas Roeg. À bien des égards, ce chef-d'œuvre est comme le nain hideux à la fin. Il est magnifiquement drapé de couleurs extatiques, mais abrite le pire aspect de la vie : la mort. Peu importe l'efficacité du personnage de Sutherland, je pense que c'est un film axé sur l'émotion, car Roeg place la poursuite de l'amour perdu sur une histoire concluante. La fondation gothique est un dispositif très puissant pour crier l'importance des liens sur lesquels elle s'appuie, celle de l'amour paternel et familial, ainsi que pour donner une forme vague aux fantômes qui hantent le protagoniste. Certains endroits sont comme les gens, certains brillent et d'autres non.

81. Club de combat (1999)

De temps en temps, arrive une œuvre d'art qui définit la psyché d'une génération. En ce qui concerne le cinéma, les années 50 avaient 'Rebel Without A Cause', les années 60 avaient 'The Graduate' et les années 70 avaient 'American Graffiti'. Et même deux décennies plus tard, ‘Fight Club’ correspond comme un gant à l’éthos maussade, mécontent et anti-establishment de notre génération. Comme tant de grands films, 'Fight Club' est très diviseur et peut être interprété philosophiquement de nombreuses manières distinctes - certains trouvent qu'il définit la virilité contemporaine, tandis que d'autres pensent qu'il glorifie la violence et le nihilisme.

Essentiellement un thriller, le film est raconté à partir du POV d'un protagoniste anonyme souffrant d'insomnie et mécontent de son travail monotone qui croise la route d'un savonnier impétueux nommé Tyler Durden. Durden et le protagoniste créent bientôt un 'Fight Club' souterrain comme moyen pour les membres mécontents de la société d'exprimer leur colère. Mais bientôt les plans de Tyler et les relations du narrateur échappent à son contrôle, conduisant à un point culminant explosif (littéralement !)

En plus de l'attitude insouciante qu'il propage, 'Fight Club' est également la marque d'une certaine direction d'as de la légende contemporaine David Fincher. La palette de couleurs sombres, le montage précis et le travail de caméra astucieux ont inspiré une horde de thrillers sombres après le film. Un film décisif des années 1990.

80. Avant le coucher du soleil (2004)

Voici la vérité sur l'évolution humaine que personne ne vous dira : l'humanité va bientôt perdre l'art de la conversation. Les progrès technologiques ont un effet secondaire important : les gens s'intéressent de moins en moins à une véritable conversation, car ils ont la technologie derrière laquelle se cacher. Et c'est exactement pourquoi la série Before durera pendant des décennies. Une série de films sur deux personnes engagées dans une vraie conversation est une rareté, même pour cette génération. À l'avenir, de tels films ne seront plus du tout réalisés. C'est pourquoi les générations futures vont regarder la trilogie Before avec admiration et émerveillement. Et je ne serai pas surpris si la trilogie trouve sa place méritée non seulement dans l'histoire du cinéma, mais aussi dans la bibliothèque de chaque école de cinéma.

Parmi les trois films d'Avant, 'Avant le coucher du soleil' se démarque parce qu'il est le plus beau et le plus déchirant. Un film qui parle intrinsèquement du désir humain le plus fort : le désir d'être avec quelqu'un avec qui vous pourriez passer le reste de votre vie. Si vous regardez attentivement, ‘Before Sunset’, finalement, devient un miroir, en regardant dans lequel, vous pouvez juger de vos propres relations : Où vous êtes-vous trompé ? Qui était en fait celui qu'il vous fallait ? Quelles opportunités avez-vous manquées ? Qu'est-ce qui aurait pu être ? C'est l'un des films les plus rares où votre propre expérience de la vie enrichira et nourrira votre expérience avec le film.

79. La Matrice (1999)

Une idée ingénieuse et astucieuse rendue à l'écran par les Wachowski, aboutissant à un film qui a rendu de nombreux téléspectateurs méfiants face à la réalité dans laquelle ils se trouvaient. des choses. Non seulement le film a innové dans son histoire, mais il a également révolutionné la façon dont les films de science-fiction et d'action ont été conçus par la suite. Le succès de 'The Matrix' en tant que film réside également dans la façon dont il se mêle magistralement de thèmes tels que la philosophie, l'existentialisme et même la religion, tout en portant l'apparence d'un film d'action et de science-fiction. La capacité de Neo à manipuler la réalité simulée pour accomplir des exploits apparemment impossibles et l'utilisation du bullet time, une technique d'action qui n'est plus qu'emblématique maintenant, ajoute à l'ingéniosité du film. Le genre est peut-être surchargé maintenant, mais quand il est sorti pour la première fois, il est sûr de dire que le public n'avait rien vu de tel.

78. Le septième continent (1989)

Appeler 'Le Septième Continent' de Michael Haneke un film d'horreur me semble très faux, mais c'est ainsi que la plupart des gens qui l'ont vu l'appellent. Il est difficile de discuter avec eux, car le visionnage de ce film laisse un sentiment de désespoir, de dépression et de peur. Ayant à voir avec une famille qui déteste le monde et la vie en général, ce classique de 1989 adopte une position froide et distante pour isoler davantage les trois acteurs du reste de la société, ce qui amène lentement mais sûrement le public à ressentir profondément pour eux en tant que leur l'existence prend une tournure sombre. Étant l'un des films les plus dérangeants à avoir jamais orné le grand écran, le premier film de Haneke nargue le spectateur et ne lâche jamais prise. Si le public l'appelle un film d'horreur, il le fait en référence à un film d'horreur qui ne ressemble à aucun autre. Couvert d'ambiguïté et de réalisme, Le septième continent est un récit personnel, intime et terrifiant d'une histoire vraie qui vous laisse en silence, car pendant au moins quelques minutes après la fin, vous devenez incapable de prononcer un seul mot.

77. Zodiaque (2007)

«Zodiac» n'est pas votre thriller conventionnel; il est lent et se concentre davantage sur l'humeur et les personnages que sur l'intrigue. Il y a une aura que David Fincher construit tellement que vous pouvez sentir l'ambiance du film dans vos os. Ce n'est pas un film qui vous laissera heureux quand il se terminera. C'est aussi un film où les méchants gagnent, les gentils perdent. Et c'est pourquoi c'est si bon. Pas seulement bon, mais un chef-d'œuvre moderne. Lorsqu'un film parvient à vous secouer pendant deux heures et demie et à vous laisser réfléchir pendant des jours, il doit avoir bien fait beaucoup de choses que les thrillers de routine ne font pas. À mon avis, «Zodiac» est le meilleur film de Fincher, où lui, avec sa discipline et son éventail de compétences, montre pourquoi parfois moins c'est plus.

76. Magnolia (1999)

'Magnolia' est sans aucun doute l'œuvre la plus personnelle de Paul Thomas Anderson. L'ambiance hystérique qu'Anderson insuffle au film apporte une certaine fluidité émotionnelle au mélodrame qui est si incroyablement addictif et cathartique dans son énergie. Le film se déroule entièrement dans la vallée de San Fernando avec divers personnages interdépendants traversant différentes phases de leur vie, luttant pour faire face à leurs propres démons intérieurs et conflits émotionnels. Anderson aime ces gens, il les connaît et les comprend mais les présente sans vergogne comme ils sont ; des êtres humains complètement nus, bruts et purs, confrontant et surmontant leurs peurs et leurs fragilités les plus profondes. Ce qui rend 'Magnolia' si spécial, c'est que c'est un film qui en dit long sur son cinéaste. On nous donne un aperçu de la vie d'Anderson, de l'endroit auquel il appartient et des personnes qui font partie de sa vie. Il y a tellement d'Anderson dans tout le film. Un film comme 'Magnolia', s'il avait été réalisé par n'importe quel autre cinéaste, aurait semblé daté et ressemblait à peu près à un produit de son temps, mais avec Anderson, cela ne fait qu'ajouter à l'attrait du film.

75. Le bébé de Rosemary (1968)

'Le bébé de Rosemary' est une œuvre d'art sombre et tordue qui joue avec l'innocence afin de créer un sentiment d'horreur. Ayant à voir avec une femme qui vit des complications pendant sa grossesse, le film prend une toute nouvelle tournure avec son intrigue en faisant jouer un rôle majeur aux éléments rituels. Il y a tellement de choses à aimer dans ce film, des personnages bien écrits jusqu'à l'environnement sombre et lointain qui entoure chaque incident qui se produit. Il y a toujours un sentiment de tension tout au long de l'image, et c'est en partie grâce à la cinématographie silencieuse et persistante exécutée avec le style de mise en scène serré de Polanski. Mia Farrow donne ici la meilleure performance de sa carrière en tant que Rosemary Woodhouse, une femme qui s'affaiblit alors qu'elle lutte contre les douleurs qui accompagnent le fait de porter un enfant. Dans l'ensemble, l'atmosphère capturée par ce film est égalée par peu d'autres, et la façon dont elle s'infiltre dans votre peau est vraiment autre chose.

74. Le bon, la brute et le truand (1966)

Personnages envoûtants joués par des acteurs légendaires, action débridée et brutale, musique accrocheuse et cinématographie intense - la troisième partie de la trilogie 'Dollars', qui serait la naissance des westerns spaghetti, est un cinéma indulgent, captivant et divertissant à son meilleur. Blondie ou No Name (The Good), un flingueur professionnel et Tuco (The Ugly), un hors-la-loi recherché, forment une allégeance involontaire lorsqu'ils découvrent chacun un détail important sur une réserve d'or cachée par un compère fugitif. qui Angel Eyes (The Bad), un tueur à gages, est engagé pour tuer. Le voyage du trio forme le nœud d'une intrigue fascinante qui se termine par un regard fixe de style western classique. Clint Eastwood en tant que Blondie est l'image du machisme, Lee Van Cleef en tant qu'Angel Eyes est le mal personnifié et Eli Wallach en tant que Tuco ajoute une complexité de caractère d'impulsion et de rage aux actes Good Vs Evil plus simples mais plus voyants des deux plus grandes stars. Mais les rênes sont pour toujours le réalisateur entre les mains de Sergio Leone – il utilise de longs plans tentaculaires et une cinématographie en gros plan intense comme nécessaire pour créer une tension dans la procédure. Un film qui définit le genre Quentin Tarantino, l'un des plus grands représentants du western moderne, jadis appelé le film le mieux réalisé au monde.

73. Les joueurs itinérants (1975)

Pendant trop longtemps, l'épopée intime et délicatement assemblée de Theo Angelopoulos a été connue de peu de cinéphiles, et peut-être encore moins appréciée. Son érection majestueuse et progressive d'un monument cinématographique à notre relation ésotérique et cryptique avec le temps n'est naturellement pas pour tout le monde. Mais pour les curieux d'entre nous, il est connu pour apporter du réconfort, donner de la sagesse et offrir une perception qui aide à trouver des constantes auxquelles s'accrocher dans ce monde universellement et cruellement dynamique. Parmi les nombreuses choses que ce film réussit, il y a sa compréhension parfaite des révélations du conte d''Oreste'. La mythologie associée à la figure tragique est capturée avec une humilité abrutissante et pourtant, le film parvient à nous transporter à travers sa vision souple vers une vision mélancolique et persistante de la Grèce du milieu du XXe siècle. Son élégance temporelle justifie de regarder l'histoire en se plaçant à côté de la troupe : de l'extérieur vers l'intérieur. On a tendance à la fois à en sentir la dureté et à réfléchir sur sa création. C'est une rare leçon d'histoire antifasciste car elle ne nous dit jamais quoi penser. Il nous montre seulement ce qu'il faut ressentir. Angelopoulos et le directeur de la photographie Giorgos Arvanitis nous placent dans des lieux à couper le souffle et les effacent avec la méchanceté dévastatrice de l'époque. 'The Travelling Players' est un joyau humble et rare qui donne l'impression d'avoir été sauvé des rues chargées d'émeutes et d'avoir survécu à la famine. En termes plus simples, nous ne le méritons pas.

72. Cache (2005)

Michael Haneke est souvent accusé de toujours traiter de récits sombres. Cette caractérisation est complètement injuste car ce qu'il fait essentiellement est de fournir un aperçu humain de l'obscurité qui nous enveloppe tous, comment nos perceptions erronées conduisent à un isolement angoissant et comment nos délires réduisent nos chances de surmonter cet isolement. «Caché» n'est pas seulement un document massif et brûlant qui souligne la méchanceté du massacre de la Seine de 1961 et notre inhumanité en tant que société, mais aussi une étude de caractère poétiquement universelle. Georges, notre protagoniste, perçoit la vie et sa présence en tant qu'être social dans une joie déformée. Il fuit le confort de faire confiance et de communiquer avec les autres. Il savoure son aliénation, tout comme il aliène tant de personnes qui lui sont si chères. Avec cela, Haneke se moque de la génération qui souhaite être laissée seule. Sa caméra est parfois inhabituellement distante, tout comme beaucoup d'entre nous le sont par rapport à notre environnement. Mais sous son contrôle, nous devons affronter notre indécence, notre inconsidération, notre réalité. L'une des pièces de cinéma les plus difficiles que vous verrez jamais.

71. L'esprit de la ruche (1973)

Le maître espagnol Victor Erice n'a réalisé que trois longs métrages avant de prendre sa retraite. Toujours vivant aujourd'hui, ses films comme El Sur, Quince 'Tree of the Sun' et surtout Spirit of the Beehive, ses débuts indéfinissables, nous font tous souhaiter qu'il fasse encore des films. Un conte parabolique de deux enfants, l'un explorant son existence avec une fascination innocente, souvent déconcertante et l'autre obsédé par le film 'Frankenstein' qui a joué dans leur théâtre local. Son portrait mystificateur du cœur de l'Espagne est laissé dans une ambiguïté séduisante par la direction typiquement neutre d'Erice - s'aventurant rarement dans la méthode cinématographique en faveur de l'observation silencieuse. L'œuvre qui en résulte est perplexe, captivante et vous laissera perplexe sur l'énigme intrinsèque de la vie elle-même : ses questions sans réponse, ses grands mystères et leur inattaquabilité déconcertante. Pour vous laisser complètement dévasté ou incomparablement ému, il ne fait aucun doute que l'un ou l'autre extrême 'Spirit of the Beehive' sera une expérience importante.

70. Tous les hommes du président (1976)

Watergate. Un mot qui a fait tomber les rideaux sur la présidence de Richard Nixon et a fait comprendre aux gens que même une personne de la stature du président peut se baisser le plus possible pour faire avancer ses choses. Pendant que les copains du président étaient occupés à nettoyer le gâchis qu'il avait créé, il y avait deux journalistes qui en ont eu l'odeur. Malgré les menaces imminentes, ils ont travaillé sans relâche, poursuivi même la plus infime des pistes et parfois, se sont mis en danger dans le processus pour faire connaître les faits au peuple. Basé sur le livre du même nom, écrit par des journalistes, Bob Woodward et Carl Bernstein, 'All the President's Men' est une observation astucieuse de ce que devrait être le vrai journalisme. Réalisé par Alan J Pakula, il a été nominé pour huit Oscars, en remportant finalement trois et perdant accessoirement la meilleure image au profit de «Rocky».

69. Armée des ombres (1969)

Je pense qu'un excellent point de comparaison à faire pour les nouveaux venus dans l'œuvre de Jean-Pierre Melville est celui de Stanley Kubrick. Tous deux pratiquent une précision technique extrême et dégagent une confiance absolue dans chaque bobine de travail qu'ils réalisent au cours de longues et lucratives carrières créatives. Cela étant dit, une plainte bon marché mais difficile que n'importe qui peut déposer contre le réalisateur américain est son 'absence d'âme'. Une vacance d'expression humaine. Tel n'est pas le cas de Melville. Dans 'Army of Shadows', les personnages de Melville brûlent d'une étincelle alimentée par le désespoir amer qui fait que chacune de leurs actions déborde d'humanité. Dans le monde meurtrier du mouvement Wartime Resistance, un faux mouvement peut entraîner une destruction totale et c'est avec la grâce susmentionnée et le contrôle virtuose de son cinéma que Melville sème les graines d'un monde totalement crédible et convaincant. 'L'Armée des ombres' est l'une des œuvres les plus silencieuses, les plus intrigantes et les plus touchantes du cinéma français - et manquer un classique aussi criminellement négligé serait vous rendre un mauvais service.

68. Le brillant (1980)

Avec son adaptation du classique de Stephen King, Stanley Kubrick a créé en 1980 un film qui a redéfini le genre de l'horreur. Ici, ce n'est pas seulement l'histoire ou les personnages qui craignent la naissance. L'environnement et la façon dont il a été filmé aident merveilleusement à permettre à une tension abrutissante de pénétrer dans l'esprit du public. Le film suit Jack Torrence, un gardien nouvellement nommé à l'hôtel Overlook, et sa famille alors qu'ils passent une période d'isolement total dans le mystérieux bâtiment. Grâce à des performances époustouflantes et à un excellent travail de caméra, Kubrick s'assure que le contenu du film s'enfonce profondément dans notre subconscient. La façon dont il manipule le son et l'atmosphère est absolument incroyable et crée pendant deux heures et demie inoubliables et glaçantes. Le monde de 'The Shining' est magnifiquement sombre, vous serrant fermement par le col pendant tout son époustouflant troisième acte.

67. Quartier chinois (1974)

Il y a du film noir et du néo-noir et juste entre ces deux-là, se trouve Jake Gittes, habillé avec soin avec un fedora impeccable pour compléter ce sourire sur son visage. Bien qu'étant un grand admirateur de Polanki, il y a toujours quelque chose qui ne correspond pas au produit final de ses films. Sauf Chinatown. Ce chef-d'œuvre fondateur a non seulement créé une identité pour lui-même, mais est toujours considéré par les cinéastes qui empruntent son style pour créer une identité pour leur film. Polanski est un magicien au travail, nous trompant avec des pistes distinctes ainsi qu'un rythme et un cadre noirs classiques. Mais vient ensuite le dernier acte de Chinatown, qui brise si rapidement toutes les conventions qui étaient à l'origine attachées à des films mystérieux similaires, vous vous retrouvez avec un sentiment accablant de choc et de désespoir. Son échec à battre Godfather II me laisse encore perplexe, mais après un demi-siècle, les gens ont oublié la Sicile, mais jamais Chinatown.

66. Tango de Satan (1994)

Confession numéro un : je n'ai presque jamais vu le chef-d'œuvre tentaculaire et prodigieux de Béla Tarr. On pourrait supposer que son statut de cinéphile préféré de tous les temps et la réputation exceptionnelle qu'il a accumulée parmi les cercles d'art et d'essai américains et parmi certains des critiques de cinéma les plus informés à travers le monde m'auraient intrigué. Mais l'immensité de sa durée (environ 432 minutes) et le rythme de loris que j'avais tant apprécié dans «Werckmeister Harmonies» de Tarr semblaient intimidants. Confession numéro deux : j'ai vu « Sátántangó », pour la première fois, d'une traite. J'ai été hypnotisé par son sens pragmatique du monde réel et son sens patient et prudent du cinéma. Il a observé plus qu'il n'a réfléchi et contemplé plus qu'il n'a prononcé des déclarations bien formées. Son réalisme mythique et sombre était trop beau pour être vrai et bien trop brutal pour avoir été réalisé avec un tel œil pour la beauté.

Tout ce que je voulais faire à la fin était de fermer toutes mes fenêtres et de m'envelopper dans l'obscurité parce que le film pour moi avait été comme ce fou dans l'église et ses gémissements avaient trop de sens. Confession numéro trois : je suis ravi de rapporter que les réflexions sociales et politiques sagaces de « Sátántangó » ont commencé à se faire comprendre à moi alors que j'y revenais à plusieurs reprises. Un été passé à dévorer le roman de László Krasznahorkai, qui sert de matière première au film, a été particulièrement mémorable. Tout ce que je peux faire maintenant, c'est espérer continuer à récolter les dividendes de cet heureux accident.

65. L'Exorciste (1973)

'The Exorcist' de William Friedkin est parfaitement réalisé. L'homme est tristement célèbre pour un cheminement de carrière erratique qui voit les classiques tomber avec shlock (et souvent les deux groupes se croisent pour des explorations fascinantes de l'impudeur cinématographique). Avec son meilleur film, Friedkin a décidé de tourner un drame sur la possession démoniaque : coudre du pathos pour ses personnages complexes et traduire viscéralement le texte de l'auteur original William Peter Blatty coincé entre la croyance et le doute paralysant. Le résultat final de deux merveilleux artistes travaillant au sommet de leur art pour livrer un classique scintillant du cinéma américain : un qui éclipse presque tous les films de son genre (à l'exception peut-être de l'horrifiant et inadmissible 'Wake in Fright' ou de la tour-de-tour fortuite de Tobe Hooper -Obliger Le massacre à la tronçonneuse du Texas ). Simplement renversant.

64. Suspiria (1977)

Car dans nos rêves, nous entrons dans un monde qui nous appartient entièrement - J.K.Rowling. Et si l'un des esprits les plus tordus du cinéma décidait de vaporiser son subconscient sur un morceau de film. Suspiria de Dario Argento est considéré comme défiant la logique cinématographique avec son histoire étrangement structurée. Mais je crois que c'est un chef-d'œuvre néo-expressionniste qui capture la véritable essence du cinéma, qui est de nous faire sentir vraiment, vraiment vivants. Argento comprend la valeur de l'espace et se concentre donc davantage sur la cinématographie et la scénographie, qui sont les habitants dominants de son film. 'Suspiria' représente non seulement le style d'Argento, mais toute l'horreur italienne, un genre piqué par l'esthétique de l'art.

63. Un homme évadé (1956)

D'une précision irréprochable et d'une économie inspirante, la cible oh si rare de Robert Bresson a été frappée avec 'A Man Escaped' de 1956. À l'apogée des pouvoirs mercuriels de l'homme en tant que cinéaste, il suit les tentatives de l'agent de la résistance française Fontaine d'échapper à une prison nazie de plus en plus dangereuse et trouve un sens dans chaque image. De l'étonnante interprétation humaine du rôle principal par le non-acteur François Letterrier, dont les joues creuses et les yeux crevés exprimaient de manière si convaincante le poids écrasant de la vie en temps de guerre, au minimalisme de Bresson parvenant à cultiver une intimité brûlante entre le public et dit le désespéré homme : Des POV fréquents et des compositions élégantes qui n'abusaient pas des techniques dans lesquelles le travail environnant de Bresson s'est parfois noyé. Je ne supprimerais pas une seule image - et donc le film sert de mode d'éducation absolument vital pour les cinéastes en herbe : quelque chose de si vif et dense sans jamais se sentir envahissant.

62. Tuer un oiseau moqueur (1962)

Dans des moments comme ceux-ci, il n'y a pas de meilleur film que 'To Kill A Mockingbird' pour expliquer aux néo-nazis la véritable signification de la caste, de la croyance et de la race. Dans la chronologie d'une Amérique racialement divisée, un homme afro-américain est accusé d'avoir violé la pudeur d'une femme blanche. Au plus fort des injustices raciales, lorsqu'un tribunal plein de Blancs réclame son sang, il revient à un seul homme de défendre sa cause. Un homme blanc, nommé Atticus Finch. Il s'est battu vaillamment pour mettre en avant le fait que tous les hommes sont créés égaux devant la justice, qu'ils soient de couleur ou non. Ses efforts sont vains, car le tribunal déclare l'homme coupable. Mais ce qui reste avec le spectateur, c'est la leçon qu'Atticus Finch inculque à ses enfants. Autrement dit, 'vous ne comprenez jamais vraiment une personne tant que vous ne considérez pas les choses de son point de vue'. Basé sur le best-seller de Harper Lee du même nom, 'To Kill A Mockingbird' est l'un des plus grands films de tous les temps.

61. Lunette arrière (1957)

Ce qui distingue un film à suspense de chef-d'œuvre des eaux usées banales qui nous sont régulièrement entassées, c'est que dans ce dernier, les rebondissements arrivent en un éclair, reposant davantage sur notre choc que sur la véracité du rebondissement pour avoir un impact. Mais dans des films comme 'Rear Window', des choses infimes ressortent de l'époque où le photographe professionnel en fauteuil roulant L.B. Jeff Jeffries regarde par sa lunette arrière s'accumuler goutte à goutte jusqu'à ce qu'ils soient inondés, faisant soupçonner à l'inoffensif Jeff qu'un homme vivant de l'autre côté de la cour a commis un meurtre. Hitchcock utilise magistralement sa caméra comme les outils d'un illusionniste pour garder ses téléspectateurs tendus, dupés et devinant jusqu'à ce que la révélation à couper le souffle. À travers le harcèlement obsessionnel de Jeff sur son sujet d'intérêt, Hitchcock commente les erreurs du voyeurisme, à quel point il peut être attrayant et la morosité du style de vie urbain solitaire qui y conduit. Encore plus incroyable, c'est autant un commentaire sur le voyeurisme du spectateur que celui de Jeff; comme nous sommes captivés par la captivation de Jeff. Regarder quand on n'est pas regardé est une joie méchante; Hitchcock le sait, l'admire et nous entraîne avec lui.

60. 4 mois 3 semaines et 2 jours (2007)

Certains films vous émeuvent ; certains vous font rire; certains vous brisent le coeur. « 4 mois, 3 semaines et 2 jours » appartiennent à une catégorie particulière de films : ceux qui vous rendent anxieux et nerveux. Comme vous l'auriez deviné, ces films sont probablement les plus rares d'une race rare. Le film suit deux amis qui tentent d'organiser un avortement dans le régime communiste brutal de Ceausescu en Roumanie. Viscéral et sans compromis, le film vous prend par la peau du cou et ne vous lâche plus. Regarder ce film, c'est comme éprouver le sentiment déchirant que vous ressentez lorsque vous attendez nerveusement qu'un de vos proches sorte d'une salle d'opération après une opération. Ce n'est pas seulement le cinéma réaliste à son meilleur; c'est aussi l'un des films les plus bouleversants que vous verrez jamais.

59. L'année dernière à Marienbad (1961)

Film de 1961 d'Alan Resnais 'L'année dernière à Marienbad' est ce qui se rapproche le plus de la visualisation d'un rêve, et c'est fait de la manière la plus étrange possible. La musique qui occupe le fond pendant la majeure partie de l'exécution fonctionne comme un sédatif qui met le public dans un état somnolent. Malgré cela, il est pratiquement impossible de garder les yeux sur l'écran, car il se passe tellement de choses tout au long de l'image, bien que peu de choses soient montrées. J'aime penser à 'L'année dernière à Marienbad' comme un film imaginé depuis l'inconscient, en raison de son caractère répétitif et déroutant. Les personnages sont également confus quant au monde bizarre dans lequel ils ont été placés. C'est une pièce mature et sophistiquée, et je trouve l'intrigue centrale - impliquant un homme et sa relation avec une femme étrange qu'il se souvient distinctement avoir rencontrée l'année précédente, bien qu'elle ne se souvienne pas de lui de la même manière - très immersive, originale, passionnée, romantique, onirique et bien sûr brillante.

58. Fraises des bois (1957)

Avez-vous déjà fait un road trip où vous n'avez rien de mieux que de regarder par la fenêtre ? Pendant un certain temps, vous contemplez la vue extérieure, avant que vos pensées ne se précipitent et que ce qui se trouve à l'extérieur ne soit plus qu'un modèle - il ne retient plus votre attention. Il en va de même pour Isak Borg, le protagoniste de la pièce d'ambiance classique de Bergman qui a trouvé sa place dans d'innombrables listes des meilleurs films de tous les temps, dont une compilée par Stanley Kubrick en 1963. Il voyage avec sa belle-fille pour recevoir le diplôme. du docteur Jubilaris de son alma mater. Elle ne l'aime pas et envisage de quitter son fils. Mais notre professeur, incarné par le brillant Victor Sjöström, ne s'intéresse pas beaucoup à l'avenir. Ses pensées et par conséquent le film, catapulté par les nombreuses personnes qu'il croise sur son parcours, n'éclairent que son passé. Vus à travers l'objectif indulgent et assuré de Bergman, ses souvenirs sont simples, familiers et humains. Ils ne glorifient pas sa vie et ne rejettent pas ses réalisations. Ils sont désordonnés, comme la plupart des nôtres et délibérément déformés. Lorsqu'il arrive enfin à l'endroit où l'honneur lui est accordé, nous réalisons qu'il n'a jamais eu besoin de récompense. Il l'a déjà eu dans ces fraises qu'il a ramassées avec sa chérie d'enfance, le marchand qui se souvenait de lui, la relation trouble avec sa femme, le bon et le mauvais, le rédempteur et l'impardonnable. Nous aussi, sous la forme de ce film mystérieux, inexplicablement émouvant.

57. Les règles du jeu (1939)

L'ingénieuse et mordante comédie de mœurs de Jean Renoir parvient à tenir étonnamment bien après toutes ces années, tout en restant toujours aussi ludique et envoûtante. Il a été boudé au moment de sa sortie par les critiques et le public, ce qui a conduit Renoir à couper une partie importante du film après la première désastreuse - une partie qui mettait principalement en vedette le personnage d'Octave, joué par Renoir lui-même. Rien d'étonnant à sa croissance en stature depuis. Le film, dans sa jonglerie sournoise et autoritaire de personnages, de thèmes, de tons et de décors, est toujours délirant et divertissant, mais jamais moins diligent ou moins somptueusement conçu que le meilleur du cinéma mondial de l'époque. Ses visuels scrupuleusement forgés palpitent de sophistication, mais l'effort n'est jamais vu et le film vous laisse bouche bée d'émerveillement à quel point vous étiez profondément empêtré dans son atmosphère habilement construite. Le directeur de la photographie Jean Bachelet et Renoir jouent avec la caméra d'une manière qui donne une légèreté au film, mais leur contrôle implacable est ce qui en fait une entreprise constamment intrigante. Si tout cela ne suffit pas, sachez qu'Alain Resnais a dit un jour que le film était l'expérience la plus bouleversante qu'il ait jamais eue au cinéma. Il serait difficile de trouver une recommandation plus élogieuse.

56. Le troisième homme (1949)

Le film noir est un genre associé aux films qui somptuent les ruelles sombres, les personnages secrets et séduisants, le sens du mystère et le noir et blanc crémeux pour enrober le tout. Bien que beaucoup de ces images soient intrigantes et offrent un bon moment, peu essaient quelque chose d'innovant et de différent. Le troisième homme est l'un des plus grands films noirs jamais réalisés, car il raconte exceptionnellement bien son histoire étonnante, en utilisant des inclinaisons hollandaises impressionnantes, une lumière saisissante et une belle musique. Le film a à voir avec un homme et son enquête auto-menée sur le meurtre de son ami financièrement aisé. L'intrigue de Le troisième homme est bordé de romance, d'humour noir, de rebondissements et de suspense. En son cœur, le film peut être qualifié de douce histoire d'amour, mais avec tout le reste, cet engouement est laissé au doute. Jouant sur un scénario magistralement écrit, le magnum opus de Carol Reed est celui qui vous tient au bord de votre siège tout au long de son premier acte humble et léger jusqu'à une fin qui pourrait très bien être la finale la plus intelligente de n'importe quelle image que vous ' verra jamais.

55. Cris et chuchotements (1972)

Le drame familial tragique d'Ingmar Bergman traite d'une tristesse à la fois parfaitement désespérée et fébrilement urgente. Ce n'est pas patiemment construit scène par scène et livré sur un plateau à la fin. Vous êtes obligé de l'inhaler dès l'ouverture du film qui présente les acteurs principaux et leur chagrin endurci et combustible avec de magnifiques gros plans qui rendent leur inconfort étouffant parfaitement évident. Tout cela est recouvert d'une pléthore impitoyable de rouge, sous la forme du pourpre avec lequel les murs de la maison dans laquelle se déroule l'histoire sont peints. Bergman nous fait prendre conscience de la puanteur de la mort qui entoure les femmes avec une direction si imposante qu'une mort réelle n'est pas une cause d'alarme. Le désir intrinsèquement violent des femmes a fait de tout dans le film un souvenir obsédant et imbibé de sang dans mon esprit. Les visuels toujours fascinants de Sven Nykvist sont tempérés par l'écriture subtile de Bergman et les performances magistralement vécues des acteurs. La lumineuse Liv Ullman semble mystifier et fasciner chaque fois que la caméra est braquée sur elle, tandis que les incrédules Ingrid Thulin et Harriet Andersson sont si immaculées dans leur travail qu'il est envahissant d'entrer en contact avec leurs sentiments. Bergman ne nous donne pas d'idées claires à ramener chez nous, mais nous dénie toutes les autres sensations que celles vécues par ses personnages. On se demande jusqu'où va son accès à nos émotions et il le prolonge à chaque tournant. En fin de compte, «Cries and Whispers» ne doit pas être cru, il doit être vécu.

54. Il était une fois dans l'Ouest (1968)

Peut-être est-ce la partition obsédante de Morricone ou peut-être la vision de Delli Colli qui est aussi vaste que l'Occident ou peut-être le grain inébranlable qui s'active dans les yeux de Bronson et Fonda et peut-être est-ce le point culminant de tous ces aspects dans presque tous les cadres par le maestro, Sergio Leone . Si vous avez besoin d'un western qui a à la fois la beauté de John Ford et la sauvagerie impitoyable de Sam Peckinpah, alors il n'y a tout simplement personne près de Leone. Dans son magnum opus, il réalise ce qui lui a pris 3 films auparavant, créer un monde mystique au milieu de nulle part. Bien qu'il n'y ait rien de spirituel à la surface, le film a des dieux. Des dieux arborant des couronnes remplies de 10 gallons de poudre à canon et de gravier qu'ils avalent avec de l'eau. De plus, le casting d'Henry Fonda en tant qu'antagoniste était probablement la décision de cette décennie, car ses yeux bleus glacés ne ressemblaient à rien de ce que l'Occident avait jamais vu.

53. Annie Hall (1977)

Personne ne peut prétendre comprendre l'énigme déroutante et dévorante qu'est l'amour comme Woody Allen. Et aucun film de Woody Allen n'est aussi proche de le montrer dans sa gloire authentique et décalée que cette histoire d'Alvy Singer, un comédien névrosé et nihiliste de New York qui tombe 'plus qu'amoureux' avec la idiote, volage et joyeuse Annie Hall, et puis en tombe. Le film explore également les différences entre les sexes dans la sexualité à travers le type de relation «Yin et Yang» d'Alvy et Annie. À la fin, même Alvy accepte l'amour comme étant irrationnel, fou et absurde mais nécessaire dans la vie. L'utilisation de multiples techniques narratives innovantes, telles que la rupture impromptue du quatrième mur, l'alternance rapide du passé et du présent à travers des coupes fluides, l'affichage dans les sous-titres de ce qu'Alvy ou Annie ressentent alors qu'ils parlent réellement quelque chose de complètement différent, et l'ajout d'un ' histoire dans une histoire' comme point culminant, élèvent l'histoire déjà engageante. 'Annie Hall' est probablement la première romance véritablement moderniste sur celluloïd et a inspiré une génération de comédies romantiques à sa place. Aucun n'est aussi charmant que celui qu'ils cherchent à imiter.

52. M (1931)

L'apparition de la technologie d'enregistrement vocal, un phénomène dont la tête de mât était 'The Jazz Singer' de 1927, a conduit à une saturation absurde des dialogues dans les films. La technologie était considérée comme acquise comme une mise à niveau directe, plutôt que comme un outil à utiliser en conjonction avec le langage cinématographique établi. Fritz Lang, un homme qui a commencé sa carrière dans le cinéma muet avec une série d'œuvres magistrales dont Destiny, Dr. Mabuse the Gambler, Die Nibelugen et l'exceptionnel Metropolis. Sa migration vers le son a atteint son apogée dans 'M' de 1931 - un film qui, contrairement à toutes les sources environnantes, avait supprimé presque tout le bruit ambiant. Le résultat est un talkie-walkie silencieux avec une atmosphère extrêmement sans vie : celle qui sous-tend si efficacement son récit. L'histoire en question s'attaque à un meurtrier d'enfant et à l'incompétence de la gouvernance allemande à l'attraper - formant leur propre tribunal kangourou pour punir le tueur. Ce que Lang communique ici est d'une maturité incroyable dans son message : la justice qui mérite d'être rendue est complètement minée par le contexte politique de l'époque - avec la politique d'euthanasie enregistrée du Parti national-socialiste et des idéaux de plus en plus violents se manifestant comme une tumeur vicieuse sur les accusations du peuple. . La performance de Peter Lorre, riche de pathos et d'humanisme torturé, aide à marteler la profonde tromperie de 'M' - une tromperie qui reste incommensurablement émouvante même à ce jour.

51. 12 hommes en colère (1957)

La réponse quant à savoir si le garçon était coupable ou non, nous ne le saurons jamais. Mais une chose que 12 Angry Men affirme est que la logique prévaudra toujours sur l'intuition, s'il y a un homme sain d'esprit au milieu d'un monde d'imbéciles. Et la folie est-elle une maladie ou simplement un sous-produit de l'ignorance ? Le drame de Sidney Lumet ne vous demande pas d'utiliser votre cerveau plutôt que votre cœur, mais efforcez-vous d'atteindre un point où vous pouvez prendre une décision, les deux travaillant en tandem. Outre son scénario fascinant, qui figure fièrement dans le programme de toutes les écoles de cinéma du monde, le travail de caméra et la mise en scène sont tout droit sortis d'un classique japonais de la nouvelle vague. Bénéficiant d'une performance inoubliable de la distribution d'ensemble, 12 Angry Men est un monument du cinéma américain.

50. Lumières de la ville (1931)

Peu de cinéastes de la première heure ont la reconnaissance et la popularité dans la culture d'aujourd'hui dont Chaplin jouit. Cela peut être dû à de nombreuses raisons. Ses films parlent à tout le monde et sont hilarants, mais plus que cela, ses histoires regardent des situations mélancoliques sous un jour humoristique. C'est le cas de ce qui est probablement son image la plus personnelle, 'City Lights', qui raconte l'histoire d'un clochard et ses efforts pour impressionner et aider une pauvre bouquetière aveugle. Il le fait sous une façade, prétendant être un homme riche afin d'attirer son attention, mais rencontre des problèmes en le faisant. Quand un film continue d'être aussi drôle et touchant de nos jours qu'il l'était il y a plus de 75 ans, cela signifie généralement qu'il y a quelque chose qu'il fait bien. 'City Lights' a laissé sa marque sur le monde avec sa description de la pauvreté et de la vie pendant les dures années de la Dépression, qui est si bien exécutée et ressentie qu'elle ne manque jamais d'émouvoir le public, tout en lui donnant l'espoir de un lendemain meilleur.

49. Viens et vois (1985)

La seconde moitié d'une équipe de tournage incroyablement qualifiée, le réalisateur Elem Kilmov était marié à Larisa Shepitko, la virtuose lumineuse derrière 'Wings' et 'The Ascent'. Lorsqu'elle est si tristement décédée dans un accident de voiture, Kilmov a terminé le travail sur son exceptionnel projet inachevé 'Farewell' (qui aurait pu facilement prendre cette place) - et je pense que ce qui rend tout ce contexte si puissant, c'est la façon dont le chagrin de l'homme saigne dans chaque cadre de son travail. Le cinéma de Kilmov bouillonne d'une rage et d'un désespoir inexprimés : Hulking dans son propre poids écrasant d'émotion - et peu de films jamais réalisés ont pulsé avec un sentiment aussi puissant que Viens voir . Sans doute, le meilleur film de guerre jamais réalisé, sa représentation infernale de l'invasion de la Wehrmacht en Biélorussie fait écho à des explosions assourdissantes, des visuels cauchemardesques et un monde qui se vide lentement de sa vie - ses scènes tournées dans une lumière magnifique et creuse. Pourtant, dans toute cette angoisse, Kilmov trouve son chemin vers la compréhension dans sa conclusion d'une maturité transcendantale. Peut-être, dans son engagement à contempler l'éphémère de la vie, trouve-t-il enfin la force d'enterrer les os de sa défunte épouse. On ne peut qu'espérer.

48. Le septième sceau (1957)

Dès les premières images du document emblématique de Bergman sur la foi, la peur et le contentement, un sort vous est lancé. Le regard dur et granuleux sur la mer, la côte et sur elle un chevalier courageux et sa rencontre fatidique avec la personnification de la mort définit la clarté de l'objectif du film, même s'il laisse place à une ambiguïté séduisante, presque terrifiante, constamment présente. Bénéficiant d'une performance magnétique de l'incomparable Max von Sydow et d'un groupe d'acteurs qui élèvent le matériau étonnant de Bergman, basé sur sa pièce, Wood Painting, à des niveaux inattendus, 'The Seventh Seal' dans ses maigres 90 minutes a l'influence d'un vieux fable transmise de génération en génération qui propulse l'imagination bien plus expansive qu'elle-même ne peut espérer contenir. Le noir et blanc étincelant et net de Gunnar Fischer garantit que l'intensité déchirante rampe sous notre peau. La fluidité en forme de flux est le résultat d'un récit déployé avec une confiance sublime et une pondération tangible. C'est peut-être une histoire tout à fait simple, qui abrite néanmoins des idées précieuses en son sein, mais elle est cousue avec un tissu si complexe et audacieux que vous ne pouvez pas vous empêcher de la regarder encore et encore pour qu'elle se traduise par un souvenir durable.

47. La Dolce Vita (1960)

Le virtuose prudemment, patiemment et poétiquement adouci de Fellini est pleinement exposé dans son lauréat de la Palme d'Or qui, dans son glamour émouvant et ténébreux, capture un mode de vie qui semble trop insaisissable et, à certains égards, bien trop réel. Son rythme souligne le sentiment d'absence de but du protagoniste et nous oblige à nous baigner dans l'arrangement symphonique de la vivacité de la vie et de sa fugacité. Ce protagoniste est joué par Marcello Mastroianni, le meilleur de sa carrière, qui utilise ce don du temps pour remplir ses yeux d'une irrésistible lassitude du monde. Remettre en question la signification de certaines sections de «La Dolce Vita» qui peuvent sembler dépourvues d'importance philosophique ou de pertinence narrative, c'est rejeter la possibilité de laisser les détails piquants vous submerger, puis d'en envisager les conséquences. Alors que la partition céleste de Nino Rota nous transporte dans le monde vertigineux de Rome, vu à travers l'œil illusoire de Fellini, vous ne voyez que ce qu'il veut que vous voyiez et cela devient rapidement ce que vous voulez voir aussi.

46. ​​Psycho (1960)

Les êtres humains, au mieux, peuvent être décrits comme particuliers. L'esprit humain qui est capable de beaucoup de choses étonnantes, est aussi capable de se dégénérer au-delà de la compréhension. 'Psycho' d'Alfred Hitchcock n'a pas besoin d'être présenté tant il garde la tête haute, au milieu des cinémas intemporels. En plus d'être un classique, c'est aussi un triste commentaire sur la morale défaillante des êtres humains. Et ce n'est pas Norman Bates qui vous dérange ! L'emprise caustique de Mme Bates qui a plongé la vie de Norman dans un marasme tout au long de son enfance et finalement à l'âge adulte rappelle à quel point l'amour peut être étouffant. Célèbre, M. Hitchcock a adopté des politiques étranges pour 'Psycho', qui incluaient de ne pas autoriser les retardataires dans le film. Il a été adopté pour assurer une pleine justice à la scène culminante palpitante du film. Thriller dans sa forme la plus vraie, 'Psycho' est l'histoire d'un fils, de sa mère et de leur lien malsain de possessivité. Hitchcock était si férocement réservé à propos de la finale qu'il a promu le film avec ce slogan - Ne donnez pas la fin - C'est le seul que nous ayons !

45. Solaris (1972)

« Solaris » de Tarkovsky ressemble beaucoup aux phénomènes décrits dans le film. De me déconcerter avec son concept profondément enraciné, à évoluer vers une entité avec laquelle je ne peux pas me séparer, c'est une expérience qui me fait m'interroger sur la nature inconsciente de chaque molécule qui constitue l'univers. Nous sommes peut-être conscients des dimensions scientifiques, mais un instrument peut-il calculer la quantité d'amour ou de chagrin que l'on retient dans un nanogramme du cœur ? Est-ce que quelque chose peut trouver la cellule cérébrale où réside un souvenir inoubliable ? De la musique envoûtante de Bach dans la séquence d'ouverture à l'éternelle scène d'autoroute, l'utilisation du temps par Tarkovsky pour détacher le spectateur du fonctionnement d'un monde normal est magistrale. Solaris est un royaume où les émotions vous envoient dans un tourbillon de folie, mais qui n'émettrait pas quand la folie est belle à toucher et suffisamment viscérale pour vous absoudre de vous-même.

44. La liste de Schindler (1993)

Un film important qui bénéficie grandement du flair de Spielberg pour le dramatique, c'est une expérience tout aussi dérangeante et sensible en soi. Le film est, comme beaucoup d'autres sur cette liste, une masterclass dans quelque chose que j'aime appeler une narration simpliste et percutante. Le récit suit Oskar Schindler, un homme d'affaires allemand qui a sauvé la vie de plus d'un millier de Juifs en les employant dans ses usines pendant l'Holocauste. Les trois protagonistes, Liam Neeson dans le rôle d'Oskar Schindler, Ralph Fiennes dans le rôle d'Amon Goth et Ben Kingsley dans le rôle d'Itzhak Stern, sont en excellente forme et réalisent les performances les plus sincères. Une scène en particulier vers la fin du film, où Schindler s'effondre en considérant combien de vies supplémentaires il aurait pu sauver, est profondément émouvante et reste gravée dans mon esprit comme l'une des scènes les plus puissantes et les plus puissantes du cinéma. Le fait que le film ait été tourné en noir et blanc, avec une utilisation rare et occasionnelle de la couleur pour symboliser ou mettre en évidence un élément important, renforce l'expérience. Facilement, le meilleur film de Spielberg, il reste une expérience de visionnage de film essentielle.

43. Lawrence d'Arabie (1962)

Le cinéma en tant que média ne cesse de grandir. Avec une technologie de pointe à leur disposition, les cinéastes d'aujourd'hui nous offrent des expériences cinématographiques viscérales. Mais il y a des films réalisés avant que CGI ne soit à la mode, dont l'échelle pure et monumentale n'a pas trouvé d'égal. Le drame historique épique de David Lean basé sur la vie de TE Lawrence , l'une des figures les plus célèbres de Grande-Bretagne, est l'un de ces films. Il met en vedette Pater O'Toole dans le rôle de Lawrence et raconte ses aventures dans la péninsule arabique pendant la Première Guerre mondiale. Dès le départ, David Lean peint une image animée resplendissante du désert infini dans toute sa splendeur, aidé par le directeur de la photographie Freddie Young et une partition captivante de Maurice Jarre. Mais il ne sacrifie en rien l'émotion à l'extravagance. En son cœur, 'Lawrence d'Arabie' est une étude de caractère étonnante de Lawrence - ses luttes émotionnelles avec la violence personnelle inhérente à la guerre, sa propre identité et son allégeance divisée entre sa Grande-Bretagne natale et son armée et ses nouveaux camarades au sein de les tribus arabes du désert. Cette qualité saine fait de 'Lawrence Of Arabia' l'un des films les plus influents qui ait jamais existé.

42. Les Chercheurs (1956)

Sans doute le plus grand western jamais réalisé, le meilleur film de la grande carrière de John Ford, 'The Searchers' est un classique américain, parmi les meilleurs films sortis des années cinquante. Bien qu'admiré et respecté à l'époque, sa puissance lacérante et stupéfiante n'a pas été reconnue avant quelques années, mais au début des années 70, il a été salué comme un classique du genre et peut-être le meilleur western jamais réalisé. Certes, le temps a érodé une partie de la puissance du film, mais pas cette performance imposante et déchaînée de Wayne, ni le racisme au sein du film qui alimente la colère et la rage. Le récit moteur du film, Ethan et sa recherche est intemporel, aussi puissant aujourd'hui qu'il l'était à l'époque, peut-être plus parce que tant de points subtils de l'histoire sont maintenant clairs.

41. Pather Panchali (1955)

Le film qui a fait émerger le cinéma indien dans le monde et a donné au cinéma l'un des meilleurs auteurs, Satyajit Ray. Basé sur le roman de Bibhutibhusan Bandopadhay, 'Pather Panchali' raconte l'histoire d'une famille pauvre, essayant de prospérer à travers de nombreuses adversités de la vie. On peut affirmer qu'il idéalise la pauvreté, car le spectateur est témoin des nombreuses épreuves auxquelles la famille est confrontée, gagnant sa vie. Malgré cela, ce sont les moments, entrecoupés de la musique du maestro Ravi Shankar, qui restent avec le spectateur. La relation affectueuse entre Appu et sa sœur Durga, la séquence du train, qui est l'un des points forts du film, amène le film à un tout autre niveau. 'Pather Panchali' au fil des ans est devenu l'un des films cultes et figure régulièrement dans les listes des plus grands films de tous les temps, et à juste titre.

40. Casablanca (1942)

Le film classique américain par excellence. Il y a peut-être quelque chose de si contagieux dans son charme que vous en tombez toujours amoureux, même après toutes ces années. Outre son immense facteur de re-regardabilité, sa partition mémorable (As Time Goes By!) Et son dialogue extrêmement citable en font un dossier solide. En termes simples, c'est un régal lorsque tous les éléments d'une grande expérience cinématographique sont présents en juste quantité !

Le scénario est pour le moins simple, presque banal parfois. Un homme cynique au cœur brisé qui dirige la boîte de nuit la plus célèbre de Casablanca se retrouve à la croisée des chemins lorsque la femme qu'il aimait se présente avec son mari. Les dispositifs de l'intrigue ici sont les célèbres lettres de transit, mais l'histoire parle carrément des deux amants dans le contexte des premières étapes de la Seconde Guerre mondiale et de la décision difficile à prendre par le personnage de Bogart, de s'accrocher ou de lâcher prise. Cependant, comme pour de nombreux films de ce genre, l'exécution fait l'affaire, transformant 'Casablanca' en l'un des drames romantiques les plus convaincants de tous les temps, qui est également incroyablement bien joué ; Humphrey Bogart et Ingrid Bergman sont de premier ordre et sont habilement soutenus par des joueurs comme Paul Henreid, Claude Rains et Conrad Veidt.

39. Barry Lyndon (1975)

Lorsque l'on considère le cinéma comme une forme d'art, on ne peut nier la perfection de Barry Lyndon, de la belle cinématographie, des décors fascinants, de la musique exceptionnelle à la direction puissante. En tant qu'histoire, il raconte la vie d'un jeune homme dans l'Europe du XVIIIe siècle alors qu'il gravit les marches vers l'aristocratie, pour être ramené par son mauvais sort. L'image contient en elle-même certaines des plus grandes scènes jamais filmées, faisant des utilisations à couper le souffle de la lumière, des couleurs, des caractéristiques physiques, etc. Il n'y a pas de meilleure façon de résumer la vie d'une personne que de la regarder objectivement, et c'est ce que ce film a fait en utilisant un narrateur peu fiable. C'est froid et distant, donnant rarement au public une chance de ressentir le protagoniste. De cette perspective, Barry Lyndon est une étude de personnage somptueuse, avec des personnages riches, une touche réaliste et une manière poétique de communiquer l'émotion. C'est tout simplement le cinéma à son meilleur.

38. Le général

L'un des titres les plus anciens de la liste, 'The General', rappelle que de nombreux chefs-d'œuvre d'action modernes sont assis dans une très longue ombre projetée par nul autre que le génie de la comédie silencieuse Buster Keaton. Bénéficiant d'une œuvre aussi impressionnante que même Charlie Chaplin, l'adorable clochard de ce dernier artiste échange sa place avec une cavalcade de personnages délicieusement maladroits dans le cas de Keaton; le tout entouré d'une curiosité cinématographique hérissée qui a repoussé les limites du médium dans des films comme Sherlock Jr. et The Cameraman. Tout cela sans même mentionner son magnum opus, The General de 1927 : suivre un ingénieur confédéré se précipitant pour avertir son camp de l'avancée des troupes de l'Union pendant la guerre civile américaine. Son récit forme un modèle pour le récent «Mad Max: Fury Road» de George Miller et à peu près tous les films de chat et de souris jamais réalisés, persistant avec sa comédie hilarante, ses effets spéciaux impressionnants et ses cascades de bravade qui voient Keaton mettre sa vie en danger plus plus d'une fois pour l'adulation de son public aimant. Le général reste l'un des meilleurs films d'action jamais réalisés, sinon le meilleur, celui qui s'amuse avec chaque once de son être et parvient à invoquer autant de moments superbement gérés d'une ampleur épique pour rivaliser avec n'importe quel jeu chargé de CG réalisé aujourd'hui.

37. Explosion (1966)

Le temps ? Les swinging sixties. Le lieu? Londres. La ville qui éblouit et éblouit. Dynamique et glamour. Sexe, drogue et rock n roll. En somme, une journée dans la vie de Thomas, un photographe de mode qui vit une vie, disons, de moralité douteuse. Au cours d'une journée riche en événements, en parcourant les photographies d'un couple qu'il a capturé assez subrepticement dans un parc, il y découvre un cadavre. Il se rend au même endroit et trouve que le corps est celui de l'homme du couple. Effrayé, il revient à son atelier pour le trouver saccagé mais avec une photo restante, celle du cadavre. Le lendemain, le corps disparaît. Qui l'a assassiné ? Et pourquoi le corps a disparu ? Pourquoi Thomas s'est senti suivi ? ‘Blow Up’ est l’acte de classe du réalisateur Michelangelo Antonioni qui a inspiré de nombreux cinéastes au fil des ans, dont Brian De Palma et Francis Ford Coppola.

36. Soleil éternel de l'esprit impeccable (2003)

L'épiphanie vertigineuse et surréaliste de l'amour et du chagrin n'a jamais été explorée de la manière et avec le degré de succès avec lequel «Eternal Sunshine of the Spotless Mind» le fait. Luxuriant avec de belles images et une partition inventive similaire à la bande-son de l'époque silencieuse, il est impossible de tout expliquer sur 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind'. Nul doute que le film est composé d'un récit difficile à suivre – bien qu'en réalité, c'est simple une fois que vous commencez à suivre – c'est l'un de ces films qui est richement gratifiant simplement parce que vous ne pouvez pas vous empêcher de vous évanouir devant le concept très réfléchi et profondément émouvant. film qu'il est. Mais la vraie star de la série est son scénariste, Charlie Kaufmann , qui sous la forme de «Eternal Sunshine of the Spotless Mind», aurait très bien pu écrire le scénario le plus profondément brillant de l'histoire du cinéma. Un film qui est non seulement unique à sa manière, mais aussi re-regardable à l'infini avec quelque chose de nouveau à découvrir à chaque visionnage.

35. Chauffeur de taxi (1976)

Dans 'Taxi Driver', Martin Scorsese nous donne l'un des protagonistes les plus perturbés, improbables mais fantaisistes de notre époque en Travis Bickle. Le film le suit alors qu'il devient chauffeur de taxi pour faire face à ses insomnies et le voit lentement envahi par toute la folie de la ville qui l'entoure. La vraie façon dont Taxi Driver gagne en tant que film est de savoir comment il réussit à vous ramper, se frayant lentement un chemin à travers la sordide et l'horreur qui semblent affronter Travis Bickle. En cela, il mérite à juste titre sa distinction en tant que thriller psychologique plus qu'en tant que drame, travaillant souvent à plus de niveaux que simplement les deux. Le film peut être une montre dérangeante pour certains, en raison de son sujet sombre, d'un traitement encore plus sombre et d'une poignée de violence, mais pour les téléspectateurs prêts à regarder au-delà, ce n'est rien de moins qu'une tentative brillante de comprendre le rôle du psyché humaine qui s'enracine le plus souvent sous la forme d'un vigilantisme. Je veux dire, qui ne songe pas à s'élever jusqu'à l'inexactitude de notre époque et à la rendre ? C'est ce fantasme profond de réalisation de souhaits avec lequel 'Taxi Driver' joue de manière très efficace. Le film est maintenant largement considéré comme l'un des films les plus importants jamais réalisés et a présenté au monde la force qu'était Scorsese.

34. Les chemins de la gloire (1957)

Avant que Stanley Kubrick ne se lance dans l'exploration des aspects inexplicables de la société qui transcendent non seulement le temps, mais aussi les attentes des téléspectateurs vis-à-vis d'eux-mêmes, il a réalisé cette pièce de guerre fascinante que je classe aux côtés de 'Come and See'. Contrairement à ce dernier, Paths of Glory extrait son interprétation déchirante de WW de la même superficialité de l'humanité, qui dominait les dernières œuvres de Kubrick. Dans le monde de Kubrick, les démons ne sont pas couverts de sang et de boue, mais de médailles et de fierté, et l'enfer plonge dans le lieu le plus sacré, la cour. A une époque où l'industrie avait adopté le séduisant 3 bandes, le monochrome de Kubrick peint la guerre d'une seule teinte. Les corps, les haillons, la caserne, la fumée, la cendre, tout camouflé par le spectacle commun d'une angoissante agonie.

33. Trois couleurs : rouge (1994)

La partie la plus triste de la mort d'un artiste, c'est quand on pense que son travail final est le plus grand de tous les temps. Ce fut le cas de l'auteur polonais Krzysztof Kieslowski et de son dernier film 'Red'. Kieslowski avait déjà annoncé sa retraite du cinéma après la première du film à Cannes en 1994 mais c'est sa disparition tragique près de deux ans après avoir annoncé sa retraite qui le rend encore plus profondément triste. 'Red' est le dernier volet de sa trilogie 'Three Colours' très acclamée et parle d'une jeune femme qui rencontre un vieil homme après avoir accidentellement heurté son chien avec sa voiture. Le vieil homme est un juge à la retraite, détaché de la vie et de toute sorte d'émotions et passe son temps à espionner les autres. Un lien improbable aux subtiles nuances romantiques se noue entre les deux. 'Red' parle de hasards et de coïncidences qui nous frappent tous les jours et de notre incapacité à en reconnaître la beauté et la signification. Il y a un sentiment inexplicable de mélancolie qui court tout au long du film sur la tragédie du destin humain et du temps et sur la façon dont nous, en tant que personnes dans le monde, sommes tous connectés d'une manière ou d'une autre. 'Red' est un exploit étonnant dans le cinéma et est tout simplement l'un des plus grands films jamais réalisés.

32. Le Trésor de la Sierra Madre (1948)

Comme son nom l'indique, nous associons souvent les chasses au trésor à l'aventure palpitante et à la montée d'adrénaline qui y est associée. Mais très peu d'histoires parlent des émotions que les gens subissent en se lançant dans un voyage pour obtenir cet or. On dit souvent que l'adversité fait ressortir votre vrai caractère. 'The Treasure Of Sierra Madre' raconte une histoire où la soif de l'or apporte des changements peu recommandables aux personnages, aboutissant finalement à leur désolation individuelle. Alors que l'accent est mis sur la cupidité qui corrompt la conscience, c'est l'étude du caractère humain dans des situations défavorables qui reste avec le spectateur. Conte tragique de cupidité et de trahison, ce film a remporté l'Oscar du meilleur réalisateur, du scénario le mieux adapté et du meilleur acteur dans un second rôle. Au fil des ans, c'est devenu un classique culte pour les cinéphiles du monde entier.

31. Pulp-Fiction (1994)

Pulp fiction, un terme qui désigne les magazines ou les livres mettant en avant à outrance la violence, le sexe et le crime. Ces éléments ont fait que les magazines se vendent comme des crêpes chaudes. Tarantino a pris ces éléments, les a mélangés autour de trois histoires et a créé un récit qui n'était rien de moins qu'un génie cinématographique. L'un des films de culture pop les plus uniques à avoir été réalisés, le spectateur est introduit dans le monde du tueur à gages Vincent Vega, son partenaire dans le crime et motormouth Jules Winnfield, la femme du gangster Mia Wallace, le boxeur Butch Coolidge et est époustouflé avec son traitement élégant du crime et de la violence. L'un des aspects les plus importants du film qui a contribué à son succès a été la performance de Samuel L Jackson. En tant que tueur à gages Jules Winnfield qui cite des versets bibliques comme punchlines, il était phénoménal. L'un des plus grands films de cette époque, 'Pulp Fiction' est devenu un manuel pour les cinéastes en herbe du monde entier.

30. La bataille d'Alger (1966)

Peu de films ont exercé le fardeau de la politique d'une manière qui enrichit leur effet cinématographique, mais laissez le maestro italien incendiaire au nom lisse Gillo Pontecorvo prendre le point d'éclair encore frémissant de l'oppression coloniale française de la fin des années 50 contre le peuple algérien et le transformer en quelque chose. tout à fait convaincant. Les parallèles encore prémonitoires que l'observation admirablement neutre de Pontecorvo sur la terreur et le terrorisme commis par les deux parties attirent aujourd'hui font de l'expérience de la « bataille d'Alger » un défi intellectuel fascinant pour notre compréhension de la guerre en noir et blanc, a-la la froideur empalante de Miklós. La filmographie indélébile de Jancsó. De plus, ses techniques de montage d'actualités sont un point de repère dans la communication cinématographique et, dans mon esprit, ont utilisé beaucoup plus les techniques de coupe frénétiques de la Nouvelle Vague que bon nombre de ses têtes de mât exploratoires. Une fois vue, jamais oubliée, 'La Bataille d'Alger' est tout simplement une pièce phare du cinéma mondial.

29. Les Affranchis (1990)

C'est le rêve d'un réalisateur de créer un film d'époque à l'époque où il est tourné. Mais pour Martin Scorsese, c'est une habitude. Pour chaque décennie où il a été un A-Lister, il a réalisé un film considéré comme l'un des plus grands de la période. Il a réalisé « Taxi Driver » dans les années 1970, « Raging Bull » dans les années 1980, « Goodfellas » dans les années 1990, « The Departed » dans les années 2000 et « The Wolf Of Wall Street » dans les années 2010. Et c'est le drame de gangsters de 1990 basé sur l'histoire vraie de l'associé mafieux Henry Hill qui est devenu l'une des références du genre. Le film, raconté à la première personne par Hill, raconte son ascension et sa chute au sein de la mafia new-yorkaise de 1955 à 1980. Contrairement à toute l'extravagance des gangsters dans 'Parrain' ou 'Scarface', 'Les Affranchis' traite de la minuties authentiques de la vie quotidienne des gangsters, mettant l'accent autant sur la relation de Hill avec sa femme Karen que sur ses exploits avec ses camarades de gang. Mais Scorsese utilise toutes les flèches de son carquois d'astuces pour rendre cette affaire alléchante, comme ce long travelling légendaire , des dialogues mémorables et un acte explosif de Joe Pesci dans le rôle de Tommy DeVito, l'associé tumultueux de Hill. En ce qui concerne le genre policier, « Goodfellas » est aussi bon que possible.

28. Taureau enragé (1980)

Martin Scorsese est connu pour avoir décrit des histoires de protagonistes brisés, imparfaits et souvent autodestructeurs dans ses films. Et il a souvent écumé les annales de l'histoire pour retrouver ses héros déchus dans des histoires vraies. 'Raging Bull' est l'histoire de la vie du boxeur légendaire Jake LaMotta, dont la rage autodestructrice et obsessionnelle, la jalousie sexuelle et l'appétit animal, qui avaient fait de lui un champion sur le ring, ont détruit sa relation avec sa femme et sa famille. Le film est entièrement tourné en noir et blanc, pour représenter véritablement l'époque dans laquelle il se déroule et l'ambiance sombre et déprimante qu'il définit. Scorsese s'attendait à ce que ce soit son dernier projet. Ainsi, il était minutieusement exigeant dans son cinéma. Tout aussi dévoué était Robert De Niro, qui joue le rôle principal. Il a pris 60 livres et s'est en fait entraîné comme boxeur. Il s'imprègne des manières fusionnées de LaMotta avec une perfection ardente alors qu'il se plonge complètement dans le personnage. Il a reçu une récompense méritée pour ses ennuis. C'est le plus grand triomphe de Scorsese-De Niro. Un magnum opus intense et puissant.

27. Le Parrain : Partie II (1974)

Dans l'histoire des deuxièmes tranches, peu de films ont été connus pour être à la hauteur de la gloire du premier, sans parler de les surpasser à certains égards. Si une liste comprenant de tels films est établie, 'The Godfather: Part II' sera son joyau. Être à la hauteur de l'héritage du premier était une tâche colossale en soi, mais cette suite de la saga 'Le Parrain' a non seulement réussi, mais elle a également élargi son héritage pour devenir une partie de la plus grande histoire américaine sur le crime organisé jamais racontée. Le film présente deux récits parallèles; l'un traitant de Michael Corleone en tant que nouveau chef de «l'entreprise familiale» Corleone, le second présentant un excellent Robert De Niro en tant que jeune Vito Corleone et son ascension au pouvoir. Les deux histoires sont habilement tissées, offrant un récit attrayant qui ne desserre pas une seule fois son emprise sur le spectateur. Al Pacino fait ici certains de ses meilleurs travaux, son nouveau regard mâchant pratiquement le paysage à chaque fois qu'il fait une apparition à l'écran. Un de ces films presque parfaits qui peuvent être visionnés indépendamment de l'heure, du lieu et de votre dernier visionnage, et vous vous retrouvez toujours dans une soumission et une admiration totales. Si la partie I est le saint autel, la partie II est le pain et le vin.

26. Une orange mécanique (1971)

La première chose qui vient probablement à l'esprit lorsqu'on nous demande de décrire ce film en un mot est 'dérangeant'. Le seul film de la liste que j'ose revoir, je me suis surpris à tressaillir plusieurs fois en regardant ce film. 'A Clockwork Orange' est un commentaire social sans compromis, fournissant des images saisissantes dont on ne se remettra jamais. C'est sombre, c'est tordu et cela n'offre pas de rédemption à ceux qui le recherchent dans un film avec probablement l'interprétation la plus sombre d'une dystopie en termes sociétaux. Et c'est là, je crois, que réside le succès du film à faire passer un message inquiétant à la maison. Non conventionnel de toutes les manières que vous pouvez imaginer, il nous offre des protagonistes méchants jusqu'à la moelle et se livrant à des actes d'ultraviolence et de viol; il commente l'état sociopolitique des choses de la manière la plus dure que vous puissiez imaginer, vous met dans un état de confusion alors qu'Alex DeLarge (joué par un charismatique Malcolm McDowell) est soumis à des moyens de reconditionnement inhumains et finit par laisser le public dans un farrago de toutes les choses que cette expérience troublante vous fait ressentir à la fois. Vraiment, une œuvre aux proportions kubrickiennes.

25. Vertige (1958)

L'histoire de 'Vertigo' se déroule comme suit : l'ancien détective Scotty (James Stewart) souffre d'acrophobie en raison d'un incident survenu dans l'exercice de ses fonctions. Il est approché par un vieil ami pour garder un œil sur sa femme Madeleine qu'il croit possédée. Initialement sceptique, Scottie devient rapidement obsédée par la jolie dame, qui semble être bien plus qu'elle ne le laisse entendre. L'éclat d'Alfred Hitchcock réside dans le fait que ses plus grands films, passionnants à regarder la première fois, semblent ouvrir une nouvelle couche de compréhension au spectateur à chaque coup d'œil successif. Bien sûr, d'un coup d'œil rapide, 'Vertigo ; est un mystère de meurtre psychologique bien conçu. Mais au fur et à mesure que vous le regardez, ses thèmes d'agression masculine et de construction de l'image féminine dans l'esprit d'un homme commencent à se dérouler comme une boîte à débordement et à vous engloutir. Probablement le film le plus finement vieillissant jamais réalisé, la brillance à combustion lente de Vertigo est attestée par le fait qu'à l'ouverture de critiques mitigées, le film est largement considéré comme l'un des plus grands films jamais réalisés. Un chef-d'œuvre du maître du thriller.

24. Hiroshima, mon amour (1959)

Né de l'esprit du visionnaire français de la rive gauche Alain Resnais, 'Hiroshima mon amour' est un film qui pleure d'une puissance transcendantale. Son histoire du temps entrelacée avec la mémoire et les cicatrices des deux qui ont eu lieu à Hiroshima pendant la Seconde Guerre mondiale, racontée par deux personnes - un français, un japonais - alors qu'elles tentent de reconstituer le message dominant de la dévastation qui y a été causée. Sauf qu'il n'y a rien à gagner, intellectuellement ou émotionnellement, à une telle folie. C'est une œuvre imprégnée de chagrin international, qui va plus loin que le conflit lui-même et dans les vérités et les répressions qui hantent les êtres humains chaque jour. À travers les réverbérations de l'explosion atomique, nous découvrons une petite partie de ce qui ne va pas chez nous. Le fait que Resnais comprenne simplement cette confusion intouchable, plutôt que d'essayer de la réparer, est ce qui fait de 'Hiroshima mon amour' l'un des grands chefs-d'œuvre du cinéma.

23. Au Hasard Balthazar (1966)

Le chef-d'œuvre désolé de Robert Bresson est un exercice de sentiment. Il évite de définir un protagoniste clair ou un thème central à moins que vous ne comptiez la force miraculeuse de la nature qu'est Balthazar et si vous prenez le film pour argent comptant, vous ne le faites pas. Mais si vous lui permettez d'être votre point d'accès au paysage émotionnel et thématique du film, il est difficile d'en revenir sans récompense. Le style visuel particulier, maigre et cool de Balthazar semble presque glamour rétrospectivement; sa fragilité placide enveloppée d'un sens du contrôle résigné, singulièrement sage. Même son honnêteté palpable cache un effort étudié pour se retenir un peu, pour nourrir dans sa simplicité de décor et de personnage une richesse laissée au public à découvrir et dans certains cas époustouflants, à imaginer. Parce que les acteurs parlent si peu de leur situation difficile, nous vivons des actes de cruauté aléatoires et déraisonnables et ressentons la tristesse étouffante pour eux. Sous une forme où même les artistes les plus accomplis ne visent qu'à éveiller les sens des spectateurs en se conformant à ce qui a fait ses preuves, les images de Bresson m'ont fourni un modèle lyrique sur lequel fonder l'ampleur de ma compassion, pour même évaluer à quel point cette compassion est consciente. .

Tout cela me ramène à ma pensée initiale. Attribuer une signification à chaque moment de « Balthazar » ne dépend pas du fait que nous assumions son contenu comme des allégories de nature sociale ou même politique, mais de la façon dont ils nous font Ressentir en savourant leur complexité et leur calme, au lieu de compter sur l'exposition stupide à laquelle la plupart des films ont recours. Il est donc parfaitement logique que le protagoniste soit l'âne éponyme.

22. Andreï Roublev (1966)

Je crois qu'Andrei Rublev est le plus grand exemple du concept de sculpture dans le temps de l'auteur russe Andrei Tarkovsky. Une grande partie de ses derniers travaux étaient abstraits, car il traitait de thèmes et de visualisations incroyablement personnels, qui étaient dispersés à travers des périodes de temps. Avec « Andrei Rublev », Tarkovsky a capturé le temps lui-même, puis l'a caressé avec les teintes les plus profondes de l'âme d'un artiste. Tarkovsky est probablement le seul cinéaste capable de réaliser le plus grand exploit en décrivant la répression d'un artiste. Il explore les régimes oppressifs de la Russie qui sont aussi indigènes au pays que sa littérature profonde qui a étonnamment remis en question les questions les plus convaincantes concernant le spirituel et la métaphysique. De nombreux traits ultérieurs de Tarkovsky, y compris filmer le flux de la nature, peuvent être observés dans le voyage d'Andrei Rublev. C'est un film qui vous filme, vous brise et vous fait réfléchir - à la fois pendant le film et longtemps après le générique.

21. L'aventure (1960)

Que pensez-vous d'un mystère non résolu ? Ou une histoire inachevée ? Recherchez-vous la fermeture en la cherchant désespérément ? Ou vous acceptez les faits et passez ensuite à autre chose ? N'est-ce pas la vie qui compte ? Faire des compromis et passer à autre chose ? Le film qui a fait connaître Michelangelo Antonioni à travers le monde, 'L'Avventura' est l'histoire d'une jeune femme qui disparaît lors d'un voyage en yacht sur la côte sicilienne. La recherche d'elle, réunit son ancien amant et son meilleur ami et une relation troublante commence. Alors que l'histoire est tissée autour de la recherche d'une femme disparue, son véritable objectif est de construire un récit, sans être centré sur un événement majeur et tout en étant capable de captiver le public. Les véritables motivations des personnages centraux ne sont jamais pleinement expliquées et à la fin du film, le spectateur est obligé d'accepter que certains événements restent inexpliqués, tout comme la vie. Un chef d'oeuvre incontestable !

20. A bout de souffle (1960)

Bien avant que Quentin Tarantino ne se fraye un chemin sur la scène indépendante américaine avec son approche follement non-conformiste du cinéma qui mettait l'accent sur le style plutôt que sur le fond, il y avait cet homme nommé Jean Luc-Godard qui s'est attaqué sans crainte aux grammaires cinématographiques traditionnelles et les a imprudemment brisées. vers le bas, redéfinissant et façonnant les films tels que nous les voyons aujourd'hui avec un film intitulé 'A bout de souffle'. Peut-être qu'aucun autre film n'a réussi à capturer la folie éphémère de la jeunesse d'une manière que 'Breathless' fait avec son énergie imprudente et son ambiance enivrante. L'utilisation bizarre de coupes sautées exalte la folie inhérente à la prémisse alors que Godard vous éloigne férocement de ses personnages, vous demandant de vous concentrer sur les aspects fragmentés du scénario plutôt que sur l'histoire dans son ensemble. 'A bout de souffle' est l'un des premiers films les plus importants de l'histoire du cinéma et, bien qu'il continue de polariser les cinéphiles et les critiques, on ne peut nier son influence sur le cinéma moderne.

19. Sept Samouraïs (1958)

Akira Kurosawa est l'un des réalisateurs les plus originaux, influents et référencés à avoir jamais vécu. Roger Ebert a dit un jour à propos de Kurosawa On pourrait dire que ce plus grand des réalisateurs a donné du travail à des héros d'action pendant les cinquante années suivantes et il n'aurait pas pu être plus vrai. 'A Fistful Of Dollars' de Sergeo Leone, qui aurait donné naissance au genre western spaghetti, s'inspire du 'Yojmbo' de Kurosawa. Notre entrée actuelle est également un tournant technique et créatif et a inspiré d'innombrables récits directs, ainsi que de nombreux éléments visuels du cinéma moderne . Le drame épique raconte l'histoire de sept ronin (samouraïs sans maître) qui prennent les armes pour défendre une civilisation pauvre qui n'a plus de place pour eux contre les raids de bandits dans le Japon du XVIe siècle, qui culmine dans une féroce bataille décisive. Mais l'éclat de 'Seven Samurai' réside dans le fait qu'il raconte une foule d'histoires bien conçues allant de tous les genres au sein du drame principal. Il y a des éléments d'action, d'aventure, de romance et de passage à l'âge adulte présents partout dans le film. Il se compose également de personnages aussi richement développés qu'un steak saignant, qui deviendront plus tard des incontournables de plusieurs genres. Vraiment une œuvre d'art inspirante.

18. L'arbre de vie (2010)

'The Tree of Life' est la forme la plus élevée de cinéma : il ne raconte tout simplement pas une histoire, mais vise à changer votre vie. C'est un film qui prendra du temps à grandir sur vous, et quand il le fera, vous aurez du mal à ne pas y penser constamment. Poème cinématographique d'une portée et d'une ambition extraordinaires, 'The Tree of Life' ne demande pas seulement à son public d'observer, mais aussi de réfléchir et de ressentir. Dans sa forme la plus simple, c'est une histoire du voyage de se retrouver. Dans sa forme la plus complexe, c'est une méditation sur la vie humaine et notre place dans le grand schéma des choses. Peu importe la foi que vous croyez ou si vous croyez en une entité supérieure. Le véritable sens de l'émerveillement dans le film découle de la magie qu'est la vie elle-même. Le plus bel aspect du film est qu'il se bonifie avec le temps, comme un bon vin.

17. Gros plan (1990)

Le regretté grand auteur iranien Abbas Kiarostami a souvent vu la beauté et la poésie dans les épisodes les plus absurdement banals de la vie humaine. Avec des intrigues d'une simplicité trompeuse et des décors naturalistes, Kiarostami a exploré des thèmes universels qui transcendaient de manière transparente les barrières culturelles en raison du type d'humanité dans lequel son cinéma était inhérent. 'Close Up' est sans doute son œuvre la plus aboutie et l'une des œuvres les plus originales et inventives. d'art cinématographique jamais produit. Le film prend la forme d'un docu-fiction pour relater le procès dans la vraie vie d'un homme qui s'est fait passer pour le réalisateur iranien Mohsen Makhmalbaf. Le casting comprend des personnes qui ont été réellement impliquées dans le procès, jouant elles-mêmes dans le film. « Close Up » est une exploration étonnante de l'identité humaine vue à travers les yeux d'un homme ordinaire luttant pour faire face à lui-même et à sa vie. Par tristesse désespérée et véritable amour pour l'art du cinéma, il se met à la place de son idole pour savoir ce que c'est que d'être vraiment vivant, admiré et respecté. C'est du cinéma de premier ordre.

16. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Ce long métrage français d'avant-garde avec Delphine Seyrig dans le rôle principal n'est pas une simple expérience cinématographique. C'est plus proche d'un exercice - un test, et vous affecte d'une manière que peu d'autres films ont fait avant ou depuis. La pièce indépendante se concentre sur trois jours dans la vie d'une femme au foyer solitaire et troublée, alors qu'elle suit son horaire strict rempli de tâches ménagères banales. Elle est une mère et une veuve qui se prostitue pour des messieurs le soir afin de gagner leur vie. Les problèmes surgissent lorsque, le deuxième jour, sa routine est légèrement perturbée, entraînant une sorte d'effet domino qui se répercute dans les heures qui suivent. Jeanne Dielmann entraîne dans son monde lent et méditatif avec la signature de réalisateur distinctive d'Akerman, impliquant une atmosphère diégétique, et une aura hypnotique provoquée par la personnalité calme, subtile et patiente du chef-d'œuvre, qui est une célébration douloureuse de la monotonie de l'existence.

15. Rashomon (1950)

L'un des films les plus non conventionnels et les plus expérimentaux de l'époque, 'Rashomon' regarde le maître au travail, mettant tout en œuvre avec ses talents de narrateur. Pour le dire simplement, il s'agit du récit d'un incident qui s'est produit à travers quatre points de vue très différents, ceux des accusés, des victimes et de ceux qui prétendent être des témoins oculaires. Il se démarque sur tous les plans techniques avec un montage presque sans faille et une direction magistrale, mais le film sécurise ses victoires sur les questions thématiques dont il traite; les questions sur l'existence d'une vérité absolue. La vérité est-elle vraiment aussi objective et inéquitable qu'on le prétend, ou y a-t-il une part de subjectivité qui y est liée ? Normalement, il est objectif ou est du moins largement considéré comme tel, sans apparemment aucune autre version de celui-ci. Ce film le remet en question de manière à ce que le spectateur lui-même soit exaspéré par les questions, commentant également fréquemment le fait que les gens ne sont parfois pas complètement honnêtes envers eux-mêmes. C'est aussi thématiquement complexe que possible, mais apparemment aussi simple que vous le souhaitez.

14. Harceleur (1979)

En gardant ses descendants inférieurs, qui incluent la série télévisée à succès 'Westworld', à distance, l'influence colossale de 'Stalker' sur la narration visuelle ne peut être surestimée. Les idées - philosophiques, spirituelles et scientifiques - ainsi que leur exploration cinématographique habile et glorieuse dans 'Stalker' ont trouvé leurs impressions sur de nombreuses œuvres de science-fiction à venir. Ce n'est pas tant le glissement, la transe et les points, le rythme abstrait ou l'utilisation émouvante du sépia monochromatique en dehors de la zone et les couleurs d'impression des lieux en Estonie, qui se reflètent dans le travail de cinéastes comme Terrence Malick et Lav Diaz, pour n'en nommer que quelques-uns, mais la patience et l'humilité durables. Laissant en grande partie les rênes philosophiques au public, Tarkovsky laisse tellement de place aux spectateurs pour découvrir par eux-mêmes les multiples facettes métaphysiques du film, que même sa poésie littérale et visuelle inégalée semble autant le fruit de notre fabrication que de la sienne. et ses collaborateurs'. Et pourtant, le film reste distant, nous guidant dans les mystères impénétrables de l'esprit et du cœur, et nous ne finissons jamais par les démêler, car le droit chemin n'est jamais le bon.

13. Fanny et Alexandre (1982)

Près de 35 ans après sa sortie initiale, le dernier long métrage de Bergman est tout aussi fascinant à disséquer qu'il l'était pour les critiques du monde entier à l'époque qui semblaient tous avoir du mal à faire entendre leur opinion à ce sujet. Ces opinions étaient beaucoup plus conflictuelles qu'elles ne le sont aujourd'hui, mais la place du film dans la filmographie de Bergman semble encore difficile à définir. C'est différent, dans le ton, la structure et l'ampleur même, de tout ce que Bergman avait fait jusqu'à présent. Mais c'est aussi un amalgame indubitable de tous ses instincts thématiques et visuels entrecroisés dans cette tapisserie qui affirme la vie d'une famille au début des années 1900 en Suède. Son exubérance pittoresque semble retenir toute votre attention au premier regard avec ses variations profondément immersives de rouges, de verts et de jaunes doux et chauds qui forment une palette de couleurs si enivrante que son absence - quand tout est drapé de blancs, de noirs et de bleus durs - semble punitif. Les chroniques méticuleusement conçues de Bergman rayonnent avec la verve d'un pique-nique familial et possèdent la familiarité des liens humains maintenus ensemble pendant des décennies par une affection authentique et fragile. Dans cette interprétation généreusement montée de la vie, la naissance et la mort sont toutes deux accessoires. Dans le petit monde que ces personnages, comme la plupart d'entre nous, habitent, les joies circonférentielles sont tout ce qu'on peut espérer et elles leur suffisent, comme elles devraient l'être à nous. Tout n'est-il qu'illusion ? En voyant ce gigantesque ensemble faire de telles merveilles, on pourrait le croire. Si c'est le cas, croyez-moi, vous ne voulez pas qu'il soit brisé.

12. Apocalypse maintenant (1979)

Il y a des films de guerre qui montrent les subtilités de la guerre (comme 'Enemy At The Gates'), d'autres qui en réprimandent et abhorrent l'idée (comme 'The Pianist') et puis il y a l'audacieux 'Apocalypse Now', qui n'offre aucune opinion ou conclusion, mais met à nu une représentation graphique des horreurs de la guerre tout en glorifiant les soldats qui y prennent part. Le débat fait rage à ce jour pour savoir si 'Apocalypse Now' est pro-guerre ou anti-guerre. Aimez-le ou détestez-le ; la chose sûre est que vous allez vous en souvenir. L'une des productions les plus problématiques de l'histoire d'Hollywood, le montage final du scénariste-réalisateur Francis Ford Coppola a terminé son travail le plus brillant sur le plan technique. La prémisse nue est simple - le capitaine Willard doit mettre fin avec un préjudice extrême au colonel Kurtz qui est entré en territoire ennemi et est parti AWOL. Mais c'est le voyage débilitant de Willard à travers les champs de bataille déchirants du Vietnam (élevé par la cinématographie à couper le souffle de Vittorio Storaro) qui reste gravé dans les esprits bien après le générique. Mettant en vedette une scène mémorable après l'autre et des performances définitives de Martin Sheen dans le rôle de Willard, Marlon Brando dans le rôle de Kurtz et Robert Duvall dans le rôle du lieutenant-colonel Kilgore, « passionné de napalm », « Apocalypse Now », comme Coppola l'a justement déclaré, ne concerne pas le Vietnam. C'est le Vietnam.

11. Les 400 coups (1959)

'Les 400 coups' de François Truffaut est une véritable œuvre d'art issue d'une vraie douleur. Une œuvre vraiment sincère et profondément personnelle, Truffaut a dédié le film à son père spirituel et théoricien du cinéma de renommée internationale André Bazin. De nature nettement autobiographique, la propre enfance de Truffaut a été troublée, et cela se reflète très distinctement dans le film. À l'extérieur, le film parle de la délinquance juvénile et adolescente qui est souvent motivée par la négligence sociétale et parentale. Regardez un peu plus loin et vous trouverez un film sur l'espoir ; espoir à la fois intense et thérapeutique. Antoine Doinel, le protagoniste, est en quelque sorte une représentation crue de la société elle-même, une société qui cache ses propres échecs derrière des règles, des punitions et des jugements. Le film coule comme une rivière et emmène le public dans un voyage d'espoir, de désespoir, d'empathie et même de pure colère. Si jamais vous vouliez voir à quoi ressemble un chef-d'œuvre, ne cherchez pas plus loin que 'The 400 Blows'.

10. Mulholland Drive (2001)

David Lynch n'est pas un cinéaste. L'homme est un rêveur. Et 'Mulholland Drive' est le plus grand rêve qu'il ait jamais rêvé. Un rêve qui résume toutes les émotions qui entourent l'existence humaine. Il est difficile d'expliquer ou de décrire un film comme 'Mulholland Drive', car il s'agit d'un film sur l'expérience et ce que vous en retirez plutôt que sur une intrigue basée sur un récit conventionnel qui vous nourrit de réponses que vous pourriez emporter avec plaisir. Lynch a souvent déclaré que sa vision d'un film reposait essentiellement sur de nombreuses idées et sentiments. Et cela devient une porte d'entrée pour comprendre un film aussi complexe et stratifié que 'Mulholland Drive'. C'est un labyrinthe de rêves, d'ambitions, de désirs et de cauchemars. Lynch sait ce qui nous terrifie le plus et ce qui nous pousse à la folie. Et c'est ce reflet troublant et intime du subconscient humain qui fait de 'Mulholland Drive' une œuvre d'art si profondément déchirante. Celui qui vous enveloppe d'une sensation de chaleur et de tendresse avant de vous transpercer le crâne.

9. Voleurs de vélos (1948)

La simplicité est la sophistication ultime - Léonard de Vinci. L'une des tâches les plus difficiles dans le cinéma est de déterminer quand terminer votre film. La fin de Bicycle Thieves est tellement synchronisée avec le début, alors que nous partons d'Antonio, un homme ordinaire émergeant de la foule à Antonio, un homme ordinaire, se dissipant dans la foule. La vie dans la Rome d'après-guerre était devenue chaque jour une lutte, et il n'y avait presque personne qui sortait de ce marais de misère. Il y a très peu de films qui offrent une introspection aussi profonde que Bicycle Thieves. C'est un film qui brisera votre cœur en morceaux tout en vous incitant à vivre pleinement votre vie. Rarement, un film si simple dans ses prémisses est si brillamment efficace dans son message. Il est pratiquement impossible d'oublier le film une fois que vous l'avez regardé. Bien que la plus grande réussite du film réside dans le nombre de cinéastes indépendants qu'il a inspirés, qui jusqu'à ce jour citent 'Bicycle Thieves' comme source d'inspiration.

8. Histoire de Tokyo (1953)

'Tokyo Story' est ce à quoi aspire tout cinéaste désireux de raconter une histoire significative. De toute évidence, tous échouent! Il n'y a pas de meilleur exemple d'un film qui rend une histoire épique d'une manière aussi simple mais magistrale, efficace et inoubliable. Avec 'Tokyo Story', Yasujiro Ozu a réalisé quelque chose qui est le rêve de tout cinéaste vivant : résider à jamais dans le cœur et l'esprit du public. Tous ceux qui ont vu 'Tokyo Story' sauront de quoi je parle. Le film raconte l'histoire d'un couple japonais traditionnel vieillissant qui rend visite à ses enfants à Tokyo pour se rendre compte que leurs enfants sont trop occupés par leur vie pour s'occuper d'eux et se sont énormément éloignés d'eux, culturellement et émotionnellement. . Ce qui est aussi génial dans le film, c'est son thème universel auquel n'importe qui, n'importe où, peut s'identifier. Le style cinématographique d'Ozu garantit également que vous êtes plongé dans un conte qui offre un aperçu profond de l'évolution de la psyché humaine au fil des temps. Tout simplement génial !

7. Envie d'amour (2000)

'In the Mood For Love' est tout simplement la plus grande histoire d'amour jamais mise au cinéma. Période. Cela aurait si facilement pu être une pièce de théâtre ou même de la poésie. Avec de belles images captivantes et une musique exquise et perçante, 'In The Mood For Love' raconte l'histoire complexe de deux individus simples. Deux individus qui traversent la peur et l'attrait de tomber amoureux ; et une fois amoureux, la douleur de le laisser incomplet. 'In the Mood for Love' dépeint l'amour sous sa forme la plus vulnérable. Et ce faisant, il révèle nos propres vulnérabilités et à quel point nous sommes impuissants face à l'amour. Rarement un film aussi sobre et aussi réservé aura un tel impact après visionnage.

Je ne sais pas si le réalisateur Wong-Kar-Wai avait l'intention de faire le film qu'il a réalisé, étant donné qu'il a principalement tourné le film sans scénario. Si vous regardez l'histoire, les œuvres d'art les plus déterminantes sont des accidents heureux. Comptez « In the Mood For Love » parmi eux.

6. 8 1/2 (1963)

Numéro huit et demi dans la filmographie du maestro italien, cette épopée étouffante et succulente de fantasmes, de cauchemars et d'une réalité trop boueuse est comme un biscotti - résolument absurde dans sa forme et cuit d'une manière qui interdit de le dévorer entièrement dans une fois. Son travail de caméra effrayant et agité complète la vision consciente de Fellini d'un cinéaste tentant de canaliser les nombreuses expériences altérantes qu'il a vécues au cours de sa vie nouée dans son nouveau film. Aussi semi-autobiographique qu'il soit, '8 1/2' souffle devant son public avec toute sa ravissante complexité intacte dans un rythme si radical, que je me suis retrouvé à essayer de déconstruire ses images astucieusement composées dans le but de trouver ma propre place dans La spécificité imposante de Fellini, mais n'a jamais pu atterrir fermement sur le terrain.

Exploitant la gravité ombragée de Marcello Mastroianni, l'électricité pure de Fellini peut être écrasante. Vous vous accrochez à votre perception d'un moment particulier et reconnaissez sa richesse sensuelle pour découvrir que le cinéaste est passé à une autre séquence flottante et délicieusement équilibrée. Ses idées sur les artistes et leur obsession déconcertante et ridicule d'eux-mêmes peuvent sembler datées - ou pire, hors de propos - mais l'audace de leur construction et de leur expression ne nous échappe jamais. Il nous ensorcelle et nous séduit, ne nous permettant jamais de le quitter des yeux, puis nous glisse entre les doigts alors qu'il nous apparaît que nous ne l'avons jamais eu à portée de main. Fellini n'est pas très différente de la voyante Maya du film qui semble savoir ce que tout le monde pense : une compétence attribuée par son assistante à la télépathie. Lorsque notre protagoniste, Guido, interroge l'assistante sur la façon dont elle le fait, il note clairement que c'est en partie un tour et en partie réel. Je ne sais pas, mais ça arrive. Aucun mot ne pourrait être plus approprié pour décrire le film avec.

5. Personne (1966)

Je pense qu'il est prudent de dire que 'Persona' a à lui seul cassé le cinéma. Étant un film d'horreur en surface, le classique de 1966 d'Ingmar Bergman est plus une étude de l'identité individuelle qu'autre chose. Utilisant des techniques de montage innovantes, des angles de caméra pointus, des expressions froides, des dialogues immersifs et une mise en scène splendide, ce film raconte de la manière la plus ambiguë possible l'histoire d'une actrice célèbre qui perd sa voix et de l'infirmière qui prend soin d'elle. dans une maison isolée, où leurs personnalités distinctes commencent lentement à se fondre. Étant l'entreprise la plus cinématographique du réalisateur, 'Persona' s'assure de tordre toutes les règles conventionnelles du cinéma pour essayer de créer une expérience nouvelle et passionnante. Avec certains des plus grands acteurs jamais mis sur celluloïd, l'atmosphère du film nous aide à apprécier les questions que nous avons à ce sujet en déplaçant intelligemment notre attention sur l'artisanat mis en jeu. Il n'existe tout simplement rien de tel que 'Persona', et cela pourrait très bien être un fait.

4. Le Parrain (1972)

Peut-être le film le plus influent jamais réalisé. L'une des adaptations les plus rares qui soit en fait meilleure que le matériel source - dans le cas du roman du même nom de Mario Puzo - le film a traversé les âges et est un classique dans le vrai sens du terme qui ne cesse de s'améliorer avec chaque visualisation. Le film raconte une famille mafieuse sous Don Vito Corleone et se concentre sur la transition de son fils alors qu'il reprend l'entreprise familiale à la mort du patriarche. Sans aucun doute, les performances sont l'une des principales forces de ce film, avec des grands comme Marlon Brando dans le rôle de Vito Corleone et Al Pacino dans le rôle de Michael Corleone redéfinissant les normes d'acteur avec leurs performances. Tout le reste, en particulier le scénario et la cinématographie et la partition de l'ambiance, sont censés définir le taux A et le genre. A juste titre, il n'existe pas un cinéphile qui n'ait pas vu ce chef-d'œuvre d'un film. C'est l'autel où nous allons prier.

3. Citoyen Kane (1941)

Le Saint Graal du cinéma américain. 'Citizen Kane' a défini presque tous les aspects qui englobent l'art du cinéma. Un film qui a brisé d'innombrables conventions du cinéma pour en créer de nouvelles. Depuis ses technicités révolutionnaires, y compris l'éclairage, le son et les visuels jusqu'à son style de narration très innovant, 'Citizen Kane' a changé la façon dont les films étaient réalisés. Le film est une étude de personnage profondément profonde qui prend la forme d'un drame mystérieux en dévoilant les vérités de la vie d'un magnat de l'édition énigmatique dont le dernier mot a piqué l'intérêt d'un journaliste. Il se lance dans un voyage à la découverte d'un être humain qui a commencé sa vie avec des ambitions et des désirs bruts, mais qui succombera bientôt aux pouvoirs de séduction de la cupidité et de l'autorité. 'Citizen Kane' est une œuvre d'art extrêmement puissante qui balaie dans son exploration de thèmes profonds et capture les facettes émotionnelles infiniment complexes de la vie en tant qu'être humain.

2. Le miroir (1975)

L'art pourrait-il être si personnel qu'on ne parvienne pas à le distinguer de son créateur ? C'est une question qui m'a frappé quand j'ai vu pour la première fois 'The Mirror' d'Andrei Tarkovsky. Il s'agit d'une œuvre d'art où l'artiste se donne complètement à son travail que vous ne parvenez pas à distinguer entre lui et le travail qu'il fait. C'est presque comme si Tarkovsky avait respiré tout le film. Les auteurs ont fait leurs chefs-d'œuvre, changeant et façonnant le cinéma tel que nous le voyons aujourd'hui, mais Tarkovsky a fait un pas au-delà et a atteint l'inaccessible ; donner vie à son art. ‘The Mirror’ respire juste le cinéma. Vous pouviez voir Tarkovsky, sa famille, la culture dans laquelle il a grandi. En fait, vous pouviez arriver à vous voir dedans, votre mère et il y a ce sentiment de déjà-vu qui frappe votre esprit en regardant ces endroits. C'est presque comme si vous aviez été là, peut-être dans la vie ou dans un rêve perdu quelque part. Et pour un artiste, créer quelque chose d'aussi personnel et intime est quelque chose de vraiment au-delà des mots. C'est un film qui confirme ce que nous avons toujours su : le cinéma est la plus grande forme d'art.

1. 2001 : L'odyssée de l'espace (1967)

Comme toutes les autres entrées de cette liste, '2001' est également une leçon de cinéma. Plusieurs cinéastes, dont Christopher Nolan et Denis Villeneuve, ont expliqué à quel point le film avait été leur inspiration. Alors, oui, le film est une merveille technique. Mais ce n'est pas la raison pour laquelle le film est en tête de cette liste de tant de grands films. Il se situe au sommet parce que c'est un film qui a osé aller là où aucun film n'est allé auparavant. Enfer, personne ne savait même qu'il y avait un tel endroit où le cinéma pouvait viser à aller. Et si jamais l'art du cinéma avait besoin d'une raison ou d'une preuve pour corroborer que son but d'existence est bien plus qu'un simple divertissement, alors la voici : le tout à fait fascinant et suprêmement mythique, '2001 : l'Odyssée de l'espace'.

Stanley Kubrick a élargi les horizons du cinéma avec presque tous ses films. Avec « 2001 : l'Odyssée de l'espace », il a également donné un nouveau sens à ce que le cinéma peut accomplir. La majorité des cinéastes utilisent le cinéma comme médium pour raconter une histoire. Mais Kubrick a utilisé le cinéma pour questionner. Que s'est-il interrogé ? Tout, de Dieu au but de notre existence. Alors que '2001 : l'Odyssée de l'espace' est un film de science-fiction très intelligent à part entière, c'est aussi bien plus que cela. Je crois que c'est un film qui est plus une quête philosophique pour déterminer si Dieu existe. Parlez de viser haut !