100 meilleurs films japonais de tous les temps

Tout d’abord, j’aimerais consacrer un peu de temps aux mentions honorables et aux quasi-accidents: les laborieux nuages ​​flottants de Miko Naruse, quand une femme monte les escaliers, le désir et le son plus pardonnable de la montagne n’ont pas réussi. J'ai essayé de me laisser beaucoup de temps pour me familiariser avec son travail, mais cela ne m'intéresse pas, triste à dire. Tampopo, Castle of Sand, the Man Behind the Sun, Angel’s Egg, Belladonna of Sadness et The Taste of Tea ne correspondaient malheureusement pas à ma palette cinématographique. Pour réduire le flux de marée sur une surabondance d'Akira Kurosawa et de Yasujirō Ozu, je n'ai pas inclus leur superbe chien errant, Scandal ou Kagemusha; ni le très prolifique Ozu's I was Born But & hellip ;, Early Summer, Late Autumn, The Only Son, The End of Summer, The Flavor of Green Tea over Rice et A Hen in the Wind respectivement.

Gardez à l'esprit que cette liste concerne les meilleurs films: aucun de ces films ne l'a donc tout à fait placé au premier rang. Je voulais juste souligner leur qualité parmi tant d'autres joyaux. Les porcs et cuirassés solides mais finalement insatisfaisants de Shohei Imamura, The Pornographers et A Man Vanishes sont absents, ainsi que les magnifiques Coup D'état et Wuthering Heights de Yoshishige Yoshida, l'humble Conflagration de Kon Ichikawa, The Heart and Ten Black Women ainsi que Hirokazu Koreeda. toucher après la vie, comme père comme fils et personne ne sait & hellip; tout cela m'a rendu excité de chercher After the Storm quand ce sera fini. Enfin, j’aimerais prendre un moment pour parler du travail de Sion Sono: malgré une persévérance frustrée et un espoir désespéré, je ne peux pas dire qu’un seul de ses essais en valait la peine. Cold Fish, Tokyo Tribe, Guilty of Romance et l'exécrablement pauvre Love Exposure sont tous des ratés, notamment le dernier - qui a été le pire film que j'ai vu au cours de ce voyage à travers le cinéma japonais. Insupportable.

Avec cela à l'écart: commençons. Voici la liste des meilleurs films japonais jamais réalisés.

100. Porte de l'enfer (1953)

Une aventure d'époque luxueusement aménagée, l'attrait de Gate of Hell réside dans sa magnifique palette de designs. Réalisé par Teinsuke Kinugasa, le plus célèbre pour son monument de 1926 Une page de folie , c’est un récit serré qui prend environ deux essais pour être pleinement apprécié, en particulier pour les critiques occidentales qui ne connaissent pas le code lié à l’honneur du Japon féodal - mais récompensé par une torsion richement conçue et des allusions sinistres à la menace surnaturelle à laquelle son titre fait allusion.

99. Série Lone Wolf et Cub (1972… 74)

Un prétendant étrange au roi des franchises de bandes dessinées, Lone Wolf et Cub suit un bourreau exilé et son jeune fils à travers une série de sept épisodes de films qui composent tous cet endroit sur la liste. Partie III: Chariot de bébé à Hadès et partie VI: Le paradis blanc en enfer sont les plus forts dans mon esprit - bien que chacun soit digne d'une montre et nouvellement disponible dans la collection Criterion à partir de cette année. C’est une sélection de pièces de personnages chaleureuses avec une action et un humour alléchants pour éclipser toutes les formalités du récit - toutes valent le détour et plus que dignes de forger leur propre espace ici.

98. Ichi le tueur (2001)

Scandaleux au-delà de scandaleux, la rafale de style intrépide de Miike sape tout besoin de substance, centralisant l'attention sur la dépravation et l'excès dès le départ et remplissant sa promesse de douleur et d'effusion de sang à un point que peu de films du côté juridique de la ligne peuvent même comprendre. C’est un plaisir glorieusement loufoque avec un coup d’obscurité si extrême que vous devez le prendre au sérieux. Je ne peux m'empêcher de respecter Ichi le tueur pour être si à l'aise dans sa propre absurdité - et bien que le personnage titulaire se révèle être un ennui cliché, Miike trouve suffisamment d'élan dans les premiers stades pour aller jusqu'au bout avec moi confus, perplexe et totalement fasciné par l'expérience à chaque fois.

97. Battle Royale (2000)

Kinji Fukasaku, l'homme derrière l'anthologie du crime Batailles sans honneur ni humanité , est un artiste qui exprime ici une qualité omniprésente si merveilleuse dans le cinéma japonais au sens large: ne pas avoir peur d'embrasser le cinéma de genre. Bataille royale est singulièrement conçu comme une comédie satirique ultra-idiote et tandis qu'elle frappe des marques humanistes en cours de route, les rivières d'éclaboussures et le timing comique impeccable que Fukasaku attache à même les situations les plus morbides font du film une explosion absolue. Le tour de Takeshi Kitano est particulièrement notable, abandonnant toutes les notions de respectabilité pour un assaut total sur l’esprit et le goût. Bataille royale est désordonné, c'est vrai, mais la façon dont il se regroupe si inlassablement maintes et maintes fois pour une autre attaque contre les sceptiques est glorieuse. Sans hésitation, Fukasaku comprend l'arme contondante qu'il tient dans ses mains et la balance à pleine force. Le fait qu’il s’agisse de son dernier film donne une certaine dignité aux efforts de l’homme - une mission suicide frappant un os drôle, il faut être dans le coma pour ne pas ressentir de picotements au moins une ou deux fois. Divertissement essentiel.

96. Godzilla (1954)

Un film de monstre classique qui rivalisera avec King Kong et n'importe laquelle de la gamme originale d'Universal, au moins à l'échelle. Godzilla n'a pas tout à fait l'humanité et l'esprit de The Invisible Man ou le désir féroce de The Creature from the Black Lagoon - mais c'est amusant. Regarder un grand homme vêtu d'un costume mortellement difficile traverser le Japon urbain est une expérience engageante à ce jour, principalement pour son charme indéniablement humble. Il se sent dans le moment et malgré ses effets de datation rapide, il est plus que bienvenu de rester là-bas en tant que relique d'une époque perdue depuis longtemps - et c'est maintenant le meilleur moment que quiconque pour espérer que le chef masqué Haruo Nakajima repose en paix.

95. Crazed Fruit (1956)

Un des fondateurs de la nouvelle vague japonaise, Crazed Fruit’s focus sur la flamme de la jeunesse trouve ses marques avec une histoire simple qui va bien au-delà de ses humbles paramètres: sauter la clôture de deux hommes amoureux de la même femme pour refléter une impression de la génération d'après-guerre dans son ensemble. Ces personnes sont féroces, indépendantes et désespérées de faire leurs preuves, marquées par la profanation répétée des valeurs de leur nation. Il trouve une niche de narration qui ricoche à travers les contextes sociaux et politiques - et représente les grands premiers pas de la Nouvelle Vague. Au fur et à mesure que cette liste se poursuivra, nous verrons que le mouvement de longue date s'est aventuré à jamais vers l'intérieur - soit fasciné soit effrayé et ce faisant, trouvant un récit non pas des nations - mais de la sexualité, de la perversion, de la violence, de l'avidité, de la surnaturalité et de la psychose. La Seconde Guerre mondiale peut encore se cacher dans ces histoires - mais je trouve intriguant de l'aborder aussi ouvertement que Fruit fou a finalement rencontré une concentration, plutôt qu'une explosion de thème.

94. La vie d'Oharu (1952)

Notre premier film de Kenji Mizoguchi, La vie d'Oharu prouve une étude de personnage classiquement émouvante qui fait que son protagoniste reflète la situation des femmes dans le Japon d'après-guerre, ce que Mizoguchi a admirablement fait tout au long de sa carrière. Une pièce dramatique vaste et complexe qui utilise le temps pour mettre en évidence la détresse qui devient rapidement son objectif, Mizoguchi produit l'une de ses plus belles œuvres uniquement pour la façon dont il boucle et rompt de manière si humaniste avec Oharu elle-même - la réalisatrice émue par l'adversité à laquelle elle fait face. C'est cette relation qui saigne directement à travers l'écran qui permet au film d'élever son drame au-delà de sa crédibilité.

93. Rêves (1990)

Écrit à l'arrière de son propre subconscient, celui d'Akira Kurosawa Rêves est une représentation picturale de l’intérieur de l’esprit d’un seul homme: Pastorale sauf de manquer de sa sensibilité New Wave au profit d'une exploration plus mesurée et plus calme des errances nocturnes de Kurosawa. La collection de vignettes qui en résulte révèle quelque chose de brut et d'unique sur la façon dont la vie est filtrée à travers l'objectif de notre subconscient - et c'est peut-être le film le plus honnête jamais réalisé par Akira Kurosawa. Un petit bijou lucide et charmant.

92. Parade funéraire de roses (1969)

La vision ouverte du réalisateur Toshio Matsumoto sur Œdipe Rex (peut-être le meilleur cinéma a à offrir), Défilé funéraire de roses marque un tournant décisif pour la sexualité alternative et l'imagerie sexiste dans le cinéma japonais - et se commercialise sans les frontières qui ont transformé le mouvement aujourd'hui. C'est à la fois une célébration et une critique de l'expression humaine, comprendre la confusion de ses personnages et prendre ses propres décisions avec humilité et joie. Cette conjecture critique de conflit est ce qui définit Défilé funéraire de roses »Et bien que je ne pense pas que ce soit le couronnement de Matsumoto, très chèrement disparu, la façon dont il a défendu ses sujets de manière si honnêtement imparfaite est quelque chose que nous pourrions tous apprendre d’aujourd’hui.

91. Paprika (2008)

Le film 2008 de Satoshi Kon est souvent comparé à celui de Chris Nolan Début - tous deux basés sur des concepts d'invasion et de coercition des rêves. Je pense que la principale différence qui laisse les fans divisés à travers une barricade est le fait que la tentative de Nolan a une plus grande résonance émotionnelle et une plus grande concentration sur le personnage - mais tout cela s'enlise dans une structure fastidieuse. Kon écrit pendant 85 minutes et remplit chaque image d’une explosion enivrante d’énergie et de couleurs reliant les couches avec une telle liberté et flexibilité dans la narration que le travail plus dense de Nolan ne peut tout simplement pas suivre. En fin de compte, les deux sont des exemples solides d'artisanat et d'ingéniosité - mais en termes de ce que je préfère mettre en place à la fin d'une journée difficile, il n'y a pas de concours. Et pour découvrir le vaste éventail de pouvoirs créatifs Paprika tient dans son arsenal, au-dessus d'être simplement une saveur amusante d'Inception - il suffit de saisir un blu ray et de jouer.

90. Extase des anges (1972)

En tant que mouvement à l'échelle de l'industrie, je pense que les points dominants de la nouvelle vague japonaise tournaient sur la base du sexe et de la violence. Les deux sont intrinsèques à la vie et à l'art - des éléments qui continuent de couvrir la production cinématographique mondiale - mais je pense que peu de films les abordent de manière engagée. L’extase des anges comprend sa propre vulgarité. Les relations continues du réalisateur Kōji Wakamatsu avec un sujet aussi extrême lui ont permis d'affiner la représentation de personnalités brutalement violentes - et le résultat est une exploration folle de Sid & Nancy-esque dans la perte anarchique de soi, ainsi qu'une teinte amère de romance jeté dans le mixeur. Quelle que soit votre vue à la fin, c'est une course folle.

89. Épingle à cheveux ornementale (1941)

De tous les artistes d'avant-guerre dont la mémoire est abstraite par le temps, Hiroshi Shimizu est peut-être le principal parmi ceux qui ont désespérément besoin d'être redécouverts. Malgré une sortie abondante d'Eclipse de la collection Criterion (une douleur à mettre la main sur et à jouer n'importe où en dehors des États-Unis), il semble mal mentionné parmi les réalisateurs les plus importants de la période et je suis absolument convaincu qu'il devrait être défendu parmi les meilleurs d'entre eux. Épingle à cheveux ornementale a été libéré alors que le Japon entraînait l'Amérique dans la Seconde Guerre mondiale et pourtant, il est empreint d'espoir et de simplicité qui rappelle une époque plus civilisée - ou du moins parle du pacifisme que Shimizu aurait pu vivre au jour le jour - ignorant un conflit il juge barbare et défiant l'image extérieure du Japon à l'époque. Sans brouiller cette description dans trop de politique, Épingle à cheveux ornementale fait partie des caractéristiques les plus raffinées que Shimizu a conçues et c'est son minimalisme durable qui assure sa résonance magnifiquement discrète.

88. Ugetsu Monogatari (1953)

Je ne doute pas d’être rencontré avec du vitriol largement répandu pour avoir placé si bas un classique aussi universellement admiré - mais il faut dire que parmi d’innombrables milliers Ugetsu Monogatari figure toujours parmi les 100 meilleurs films japonais jamais réalisés. J'ai un dégoût distinct pour le chef-d'œuvre professé de Mizoguchi: une plaie persistante d'une direction parfois trop simple qui détruit souvent son artifice si souvent parfait et ruine tout et tout son effet antérieur. Cela étant dit, je mentirais sinon pour mentionner à quel point ce film était singulièrement fascinant pour moi quand j'étais plus jeune et, malgré une série décevante de rewatches ces derniers temps, les moments magiques où tout se met en place et Mizoguchi a miraculeusement composé, cinématiquement captivante et finalement l'attirance humaine s'est glissée dans mes veines. Ugetsu Monogatari se glisse sur la liste en partie parce que c'est un travail fondateur, ce qui est dommage parce que je suis fier de placer la préférence personnelle sur le statut: mais le nœud du problème est que je veux l'aimer. Un jour bientôt, l’affection pourrait refaire surface et le chef d’œuvre de Mizoguchi s’élèvera encore plus haut. Le temps nous le dira.

87. L'enfer du premier amour (1968)

Tracer des parallèles dans sa conception directement à des goûts de À bout de souffle et la compagnie méditative d'Eric Rohemer dans Ma nuit chez Maud de la Nouvelle Vague en cours, Enfer du premier amour est une observation silencieuse et magnifiquement captivante d’un couple faisant ses premiers pas ensemble et de l’air invitant, passionné, maussade, froid et souvent vide qui les entoure alors qu’ils tentent d’exploiter la connexion que le titre du film promet si hardiment à son public. Il s’agit d’une œuvre d’art nécessitant peu d’entretien qui récompense les spectateurs avec une interaction humaine en mouvement.

86. Cure (1997)

Le montage dans Guérir est mortel. Il progresse jusqu'à un point où vous voulez détourner le regard, Kurosawa remplissant le public d'une compréhension implicite de l'impitoyable de son film dans la façon dont il traverse la routine domestique et les cadavres éclaboussés de sang aussi naturellement que la respiration; et c'est cette acceptation exceptionnellement froide, presque psychotique de la mort dans la vie qui me fait remettre en question son officier supérieur, Takabe, et à quel point la situation de violence au Japon est infernale d'être si habituée à des meurtres brutaux. Alors qu'il se déplace à un rythme lent qui commence à saper la tension haletante que Kiyoshi Kurosawa a pu respirer dans la pièce, Guérir est toujours un ajout plus que digne à son puissant canon cinématographique.

85. Le mauvais sommeil bien (1960)

L'adaptation la plus faible d'Akira Kurosawa à Shakespeare reste l'un de ses films les plus forts, retraçant vaguement l'histoire de Hamlet avec une pointe de critique d'entreprise qui attend dans les coulisses. Tenu contre d'autres versions, malgré son aspect tangentiel, BSW se présente comme une faible interprétation de la pièce vénérée dont la composition chargée de dialogues ne parvient pas à capturer l'ampleur et le poids du drame de Shakespeare - bien qu'il cultive un style de narration typiquement Kurosawan qui ajoute une dimension supplémentaire à le matériau source et forge un rythme narratif délicieusement convaincant. Dans l'ensemble plus moderne et suspensif que son inspiration, The Bad Sleep Well est un incontournable pour les fans de Kurosawa qui recherchent la compétence et la subtilité de ses efforts contemporains.

84. Tetsuo: The Iron Man (1989)

Tacle Tetsuo avec un estomac faible, c'est comme prendre une balle sans gilet. Brouillé avec un désordre d'accessoires de ferraille, des ensembles encombrés et des effets spéciaux douloureux - il y a une vivacité à Tetsuo: The Iron Man's poursuite du désagréable qui le rend admirable. J'ai un respect pour le prix bas auquel ses créateurs ont fait face pour réaliser l'expérience la plus mortifiante possible: choquant avec leur mélange sonore palpitant et leurs visuels monochromatiques crasseux qui jettent ce que nous savons dans le royaume de l'énigme. Le noir et blanc peint même les objets les plus reconnaissables qui composent Tetsuo monde comme des bastions horribles de l'inconnu, rampant sous les crevasses et s'accrochant à nous pour amorcer une métamorphose de mutation à la fois violente et inévitablement écœurante. C’est un travail qui dépasse le point de préoccupation pour la sensibilité délicate de son public - et c’est exactement ce que devrait être une bonne horreur corporelle. Tetsuo: L'Iron Man est sans aucun doute l'un des meilleurs.

83. Black Rain (1989)

Un film étrangement chronométré étant donné qu’il co-insère avec le propre traité d’Isao Takahata sur le bilan humain des bombes nucléaires larguées au point culminant de la Seconde Guerre mondiale et traite de thèmes similaires, Black Rain's infériorité au merveilleux le tombeau des lucioles cela ne signifie en aucun cas qu'il doit être ignoré. Au contraire, les légions d’admirateurs qui se rassemblent à juste titre autour du travail de Takahata devraient affluer ici aussi. Premier film de Shohei Imamura sur cette liste, Pluie noire jette un regard profondément tragique et minutieusement personnel sur le poids de l'explosion nucléaire: S'attaquer à la culpabilité, à l'ostracision, au chagrin, à la perte et à l'acceptation de l'événement et de ses graves ramifications du survivant dans un style tactiquement simple caractéristique d'Imamura, c'est à sa manière tout aussi frappant et immédiat que Hiroshima mon amour’s lucidité onirique.

82. L'humanité et les ballons en papier (1937)

Un classique formaliste dans le même domaine que le vénérable travail de Kenji Mizoguchi, sauf que le réalisateur tout aussi vénéré Sadao Yamanaka se tient avec une humilité dont tout le monde qui envisage d'entrer dans le monde du cinéma peut apprendre. Son autre tableau célèbre, Le pot Million Ryo , est un récit relativement calme, sobrement composé et savamment dramatisé - même si je pense que le bord frappe à la maison pour Humanité et ballons en papier parce qu'il parvient à faire une déclaration plus large sur l'essence de la vie quotidienne. Le confort de son titre ludique et ambitieux fait écho dans chaque image et bien que ce ne soit pas un film que j'ai trouvé intensément convaincant ou même patiemment émouvant, il y a quelque chose ici qui exige une montre.

81. Silence (1971)

Adapté du même roman récemment abordé par Martin Scorsese, Masahiro Shinoda Silence sert de projecteur fascinant sur les différences entre les styles cinématographiques occidentaux et orientaux. Le ton extérieurement stoïque et dur de Scorsese est plié en faveur d'une perspective beaucoup plus humble sous la main studieuse de Shinoda, permettant une chevelure de remords et de sentimentalité dans une version épurée du livre par ailleurs captivante et naturaliste. Une scène qui met en évidence les prouesses de Shinoda à développer une atmosphère mondaine pour son conte religieux sans avoir besoin de manipulation se présente sous la forme d'une vieille femme chantant dans une pièce pleine de monde: à peine un mot prononcé résonne avec l'histoire en cours, ni aucun une autre caractérisation transmise - et pourtant elle imprègne le reste du film d'une vitalité inéluctable qui fléchit de manière si évocatrice sous le poids de l'angoisse et du désespoir auxquels les prêtres et leurs disciples font face. Sobre et séduisante, son humilité domine la pièce légendaire du réalisateur italo-américain pour moi tous les jours.

80. Go Go Seconde fois Virgin (1969)

Rendant immédiatement les choses difficiles pour lui-même, Go Go Seconde fois Virgin entame ses 65 minutes d'exécution avec l'une des nombreuses scènes de viol inconfortables. Façonner un récit à partir de la relation fortuite de la jeune fille affligée avec un tueur tout aussi jeune et dérangé qui a regardé de loin l'opus bref mais vital du réalisateur Kōji Wakamatsu se définit en n'attachant jamais de convention narrative au couple. Laissé à lui-même, révélations et conversations, le film fait un usage surprenant de son budget abondamment bas avec une composition souvent efficace dans le personnage de la nouvelle vague japonaise - ainsi qu'une représentation conflictuelle de la violence sexuelle beaucoup plus engageante, dense et prémonitoire que Nagisa Le tristement célèbre raté artistique d'Oshima en 1976 (et c'est le dire généreusement) Au royaume des sens .

79. Les pécheurs de l'enfer (1960)

Marqué par un script peu intuitif et une intrigue terne, Les pécheurs de l'enfer parvient toujours à se tailler une place sur cette liste pour sa maîtrise par ailleurs exceptionnelle de l'artifice. Chaque cadre est imprégné d'un éclairage humide et parsemé d'une palette de couleurs troubles, ponctuées parfois de coups de rouge perçants qui servent de rappel subtil de l'agonie à venir. Vous voyez, Jigoku est un jeu d'attente: un film qui attend son heure dans le monde réel monotone avant de plonger aux enfers. L'excellente scène d'ouverture donne au public une bouffée de sang qui agite provisoirement dans toutes les autres scènes jusqu'à ce que nous soyons enfin autorisés à découvrir le Tartare par nous-mêmes: une cavalcade de superbes scènes, des couleurs glorieuses, des extras excessifs et une véritable panique alors que les personnages ont le temps de contempler les conséquences de leurs actes. Donc, bien que fastidieux, le gain qu'il nous récompense avec des garanties de surveillance Les pécheurs de l'enfer au moins une fois pour peu au cinéma correspond à sa vision intrinsèquement conflictuelle et étrangement sans vie de la pègre.

78. Vingt-quatre yeux (1954)

Après la place matriarcale d'une jeune femme à la tête d'une classe d'écoliers et ses implications sur la société environnante, Twenty-Four Eyes est un texte féministe qui manque de la neutralité transcendantale de genre de quelque chose d'aussi magistral que Jeanne Dielman, mais conserve sa place en tant que travailler pour une forte performance centrale de Hideko Takamine et de la piste narrative Thiassos-esque qui s'étend de 1928 à 1946 dans une vaste étude de la politique interne et de la progression de la perception à travers les années, de la paix à la guerre.

77. M. Thankyou (1936)

La méditation délicate de Hiroshi Shimizu sur notre interaction, Monsieur Thankyou suit un groupe de personnes dans un bus et explore toutes sortes de caractères émotionnels sur le trajet d'une heure jusqu'à leur destination (heureusement en s'éloignant d'un trajet en bus qui se terminerait beaucoup moins facilement un peu plus tard sur cette liste). C’est un charmant portrait de la poésie de la vie quotidienne qui dépasse tant de films superficiellement ambitieux sur cette liste pour sa capacité à s’asseoir et à parler pendant un peu plus de 60 minutes sans manquer un battement. Un tout petit trésor.

76. Rue de la honte (1956)

Au bord d’un opus, Kenji Mizoguchi Rue de la honte est l’un des grands chants du cygne - celui qui puise dans toute l’expérience cinématographique de l’homme jusqu’à présent dans sa carrière et l’assemble en une œuvre opportune, particulièrement attentive et remarquablement humaine. Vivant dans un bordel au crépuscule de la légalité de la prostitution au Japon, Mizoguchi construit une magnifique tapisserie émouvante de conflits et d’amoralité apparente étant donné son vrai visage qui perce la perception et nous permet de voir les préjugés passés. De nos jours, le public apprécie souvent les personnages manifestement anti-héroïques ou criminellement malsains grâce aux paillettes flashy de GoodFellas et d'autres représentations lointaines, souvent joyeusement sadiques de personnages moralement malsains. En 1956, en particulier pendant une transition juridique, un tel film devait être inconnu. Les femmes de Rue de la honte essaient juste de vivre - et c’est ce qui rend leur fardeau d’autant plus déchirant.

75. Mauvaises herbes flottantes (1959)

Considérée à juste titre parmi les plus grandes réalisations d'Ozu en tant qu'artiste, 1959 Mauvaises herbes flottantes retrace une troupe d'artistes itinérants et les problèmes familiaux auxquels ils sont confrontés au cours de leurs voyages - en particulier la réunion de parties auparavant séparées qui menace d'absoudre la lucrative compagnie de théâtre. C'est tout aussi puissant que les meilleurs films d'Ozu, mais je ne suis pas d'accord avec une certaine narration ici, notamment la structure. Tenu contre certains des derniers films d'Ozu que nous rencontrerons ici, il ne peut pas leur tenir une bougie - mais à tout le moins, c'est une mesure de la compétence d'un artiste qu'il était. Mauvaises herbes flottantes parvient toujours à briser le top 75 sous une forme contemplative et silencieuse. Toujours séminal.

74. Pastorale: mourir à la campagne (1974)

Shūji Terayama Pastorale est un exercice sublime de bizarrerie. Il serait naïf pour quiconque de qualifier cette branche particulière de «surréaliste» bizarre parce que Pastorale est beaucoup moins subtile que cela: emballer sa brève durée d'exécution pleine de comédie absurde et d'images fantastiques qui rappelle un souvenir que le réalisateur a vécu dans son avenir. L'incompréhensibilité d'une telle inspiration est peu face à son intrigue et à ses idées - bien que, comme dans son œuvre antérieure, le laxisme de l'intrigue de Terayama ne diminue en rien l'expérience qu'il tente de fournir - et si son magnum opus tente d'exprimer la colère et la passion d'un jeune désaffecté alors c'est son propre suivi plus personnel: Une exploration dans un esprit passionnant magnifiquement photographié et chaleureusement réalisé. Il est facile de faire un film bizarre, mais pour accentuer ensuite l’impact de la virtuosité visuelle avec la personnalité, la technique et la capacité de réalisateur est quelque chose que l’homme réalise ici. C’est vraiment quelque chose à voir.

73. Perfect Blue (1998)

Un cri de talent déterminant de l'animateur Satoshi Kon, Bleu parfait trouve la physicalité dans la lutte interne d'une pop idole à la retraite qui tente de saisir sa nouvelle identité - le tout enveloppé dans la poussée en constante évolution du monde moderne. Les sensibilités visuelles de Kon mènent à des moments cinématiques à la fois superbes et si malheureusement exagérés - mais je pense que la conception narrative enivrante Bleu parfait trouve dans l'acharnement avec lequel son protagoniste se torture et, ce faisant, est torturé le pousse au-delà de tout hoquet de réalisateur. C’est une pièce métaphysique qui se permet de rendre l’horreur réelle - qui repousse les limites des caractéristiques animées traditionnelles pour quelque chose d’entièrement plus sombre et dérangeant pour sa bravoure. Malgré lui, Kon ne craint pas la réalité dans sa représentation de la dégradation mentale - et c'est ce qui ancre les dilemmes autrement datés de Bleu parfait à ce jour. Une expérience d'animation fascinante et souvent déroutante.

72. Dark Water (2002)

Une évolution directe du terrifiant L'anneau , De Hideo Nakata Eau sombre représente le deuxième et peut-être le seul autre succès du réalisateur et qui parvient à amener son style encore plus loin. Il est doté d'une maturité qui échappe à de nombreux J-Horrors, renforçant la puissance de son drame avec une attention sournoise à l'équilibre et à la précision que les artistes de moindre importance seraient totalement incapables de saisir. C’est la poursuite palpitante d’un objectif invisible qui se répercute dans chaque scène et transforme l’inévitabilité en une arme non seulement de peur, mais aussi de contrainte.

71. Yûkoko: le rite de l'amour et de la mort (1966)

Yûkoko: le rite de l'amour et de la mort est tristement célèbre pour plusieurs raisons, notamment parce que son directeur Yuiko Mishima s'est également suicidé par seppuku après un coup d'État militaire raté. Cet homme était à la base du meilleur film de Paul Schrader, Une vie en quatre chapitres , et se concentre comme un sujet manifestement fascinant ici - utilisant la mise en scène de Noh et une composition forte pour professer son message muet. Les effets spéciaux induisant des cris sont extrêmement impressionnants pour leur époque, simulant l'acte de Harakiri avec un effet surprenant et créant la ponctuation parfaite du patriotisme de Mishima. Pas de capitulation.

70. Akira (1988)

Un repère scintillant et néon de l'animation japonaise et de son infiltration sur le devant de la scène international, Akira marque un point révolutionnaire de l'anime et impressionne encore aujourd'hui par ses couleurs scintillantes, son futurisme mignon et sa sombre transformation amorphe et abominable du personnage principal. Alors que la structure de l'histoire est encombrée de notes latérales et incapable de trouver une direction claire dans laquelle prospérer, la réalisation éclatante de Akira l'action et les exploits d'animation plus impressionnants sont ce qui le rend si influent et agressivement engageant - des écrans brûlants avec des vignettes expressivement conçues et transcendant la stupidité de sa progression pour quelque chose de véritablement spectaculaire. C'est vicieux, dynamique et attachant - un classique digne et un coup d'envoi vers une ère merveilleuse de production d'animation de haute qualité.

69. Sansho le bailli (1954)

C'est à ce stade que je dois avouer: je n'ai jamais aimé le travail de Kenji Mizoguchi. Bien que j'aie essayé plusieurs fois de me frayer un chemin à travers ses photos, rien n'est jamais vraiment resté coincé. Peu de choses dans son travail m'engagent et ce qu'il y a au niveau écrit devient terne une fois qu'il le transplante si carrément à l'écran. Il y a sans doute de la merveille dans l’œuvre de cet homme, mais cela continue de m’illustrer. Tout cela à l'esprit, j'ai au moins trouvé du réconfort dans mon re-regarder de Sansho le bailli pour cette liste - un film qui m'avait autrefois laissé frustré par son gaspillage de matériel aussi puissant. Cette tentative s’est transformée en une nouvelle appréciation de l’approche iconoclaste de Mizoguchi, qui semble vacante dans son travail antérieur. Il est parsemé de scènes profondément touchantes et bien que je pense que le film dure environ 20 minutes de trop - et pourrait atteindre les royaumes de la maîtrise dans un espace plus succinctement en mouvement - il a au moins fait place à l'artiste légendaire sur cette liste. Peut-être que dans des années, je mettrais le travail de Mizoguchi plus haut ici - on ne peut qu’espérer.

68. Onibaba (1964)

Notre premier film de Kaneto Shindo, Onibaba tourne une histoire de méfiance et de tromperie - deux femmes voleuses influencées par un masque possédé qui cherche bientôt son propre programme. L'atmosphère de paranoïa que Shindo développe à travers sa mise en scène soignée et son histoire discordante équivaut au succès du film: épisser de nouveaux personnages et événements pour intensifier le sentiment d'inquiétude du public ainsi que celui de ses principaux acteurs pour alimenter une connexion émotionnelle parallèle unique. Mais je pense, par dessus tout, Onibaba le statut durable en tant que classique du cinéma d'horreur japonais découle d'un plan: une seule image qui contient tellement d'énergie viscérale dans son immobilité paralysante que j'ai été physiquement décontenancée - découragée de me risquer à revenir Onibaba dans la peur de rencontrer cette même présence terrifiante. Face à cet ensemble d'images parfaitement obsédantes, le reste du film est presque pâle en comparaison: mais l'ignorer entièrement serait manquer le point d'une telle accumulation contrôlée, ainsi que son point culminant sensationnellement géré.

67. Sonatine (1993)

Ce qui est toujours impressionnant dans le travail de Takeshi Kitano, c'est la façon dont il prête de la légèreté même aux scénarios les plus exténuants. Les quasi-disparus Feux d'artifice et Flic violent partagent en quelque sorte leur place sur la liste avec son opus, Sonatine , et tous parlent de sa popularité au Japon natal en tant que comédien de cinéma et de la façon dont ces racines s'infiltrent subtilement dans ses offres cinématographiques. Chaque image qu'il habite brille - malgré sa composition d'intrigues sombres et souvent brutales. Jouer avec notre perception de la moralité et de la sympathie humaines si habilement est ce qui fait de Kitano une figure aussi fascinante que celle qui a émergé du cinéma japonais au cours des dernières décennies - et le prouve, comme l'a si bien dit Rodger Ebert après avoir vu Sonatine , que les études sur le crime graveleux ne doivent pas sacrifier la profondeur pour un engagement à la Tarantino avec ses monologues superficiels et sa «caractérisation». Kitano peut faire les deux.

66. Démons (1971)

Filigrane New Wave Toshio Matsumoto stupéfait 2 ans auparavant avec son exquis Défilé funéraire de roses et les démons de 71 maintiennent son élan sensoriel avec un paysage nocturne frappé qui plonge chaque image dans l'obscurité totale - seuls les lieux et les joueurs illuminés dans l'obscurité cauchemardesque. D'autres réalisateurs ont expérimenté cette technique, peut-être un premier exemple notable se trouvant dans l'interrogatoire de Louis Malle dans Elevator to the Gallows - mais peu l'ont poussé à des effets aussi invasifs - chaque coup piqué avec un vaste sentiment de terreur et, surtout, de désespoir. Peu importe à quel point ses protagonistes parviennent à échapper à leurs attaquants surnaturels, rien n'est jamais en sécurité. C'est clairement une Horreur existentielle exemplaire.

65. Toujours en marche (2008)

Je pense que l'ombre imposante de Yasujiro Ozu peut projeter une ombre considérable sur n'importe quel cinéaste dramatique, et le très précieux Hirokazu Koreeda est peut-être le chef des affligés. L'homme tente d'échapper à la comparaison en assimilant son travail à celui de Ken Loach, plus que la légende japonaise, cependant une telle ressemblance est inéluctable et met en évidence plusieurs lacunes de la méthode de Koreeda. Ozu vous invite à vous asseoir avec ses personnages et à dénouer progressivement le but de l'histoire, tandis que Koreeda colle sa caméra dans la même pièce que le drame et observe en silence. Son style est beaucoup moins direct, rappelant quelque peu la technique du maître taïwanais Hsiao-Hsien Hou mais encore plus détaché.

Tout cela à l'esprit, le refus de Koreeda de s'immiscer conduit cependant à des moments puissamment intimes plus tard sur la ligne - où il commence à s'épanouir alors que les personnages nous permettent de combler les six degrés de séparation entre leur monde et le nôtre. Quelque chose d'aussi simple qu'une personne s'approchant d'un piano, une extrême disparité de mise au point soulignant l'importance de la scène, fait des merveilles en donnant au public des aperçus minuscules et évocateurs dans l'esprit de ses personnages. En effet Marchant toujours est un bastion d'espoir qui encourage les cinéastes du Japon contemporain à tomber dans le giron du drame familial et à s'efforcer de lui donner la même contrainte et le même impact que des artistes comme Ozu et Naruse l'ont fait il y a toutes ces années. Avec des réalisateurs comme Sion Sono sur scène, c’est un cadeau que des gens comme Hirokazu Koreeda soient toujours là pour se balader au-dessus du ventre miteux et nous donner quelque chose de si calme et captivant dans son portrait de la vie de banlieue.

64. Confessions entre actrices (1971)

Un film brutalement honnête, typiquement ouvert - pas différent de l'inquisition impitoyable de Lumière d'hiver - de Yoshishige Yoshida Confessions parmi les actrices suit les traumatismes qui ont poussé trois femmes à s'engager dans leur métier - le premier film du réalisateur en couleur et, de manière fascinante: celui qui, dans cette nouvelle richesse de couleurs rougissante, élimine une grande partie de son travail de caméra extrême pour une recherche terne et nue de la vérité et son effet sur ces personnes. La révélation est, à sa manière, une forme de guérison - et celle de Kiju Yoshida Confessions parmi les actrices fonctionne à merveille comme un débat sur cette idée.

63. La ballade de Narayama (1984)

La ballade de Narayama représente peut-être le film le plus célèbre de Shohei Imamura, en soi un remake d’un classique tout aussi vénéré. Ce qui distingue la pièce d’Imamura, c’est son approche tactile de l’action humaine, fascinée par les réponses sinistres et la mutation psychique de la grande force émotionnelle sur l’esprit d’un homme ou d’une femme. Ses premiers films traitaient beaucoup mieux ces sujets, mais je pense que cela n'exclut pas La ballade de Narayama de se tenir debout parmi eux. Son conte folklorique familier est une étude tout aussi minutieuse du comportement humain et bien qu'il n'ait pas la morbidité qui a donné sa morsure à son œuvre des années 60, Shohei Imamura livre toujours une œuvre d'art authentique et pleine de compassion.

62. Mandara (1971)

Mandara est, à sa manière, l'un des films les plus fascinants sur le plan cinématographique du début des années soixante-dix. Difficile mais universellement enrichissant en termes de thème, de photographie et d'humeur étonnante qu'il crée - c'est un travail exceptionnellement étrange qui aurait pu se frayer un chemin dans les échelons supérieurs de cette liste si j'avais eu le temps de plonger plus profondément dans son monde richement bizarre. Il suffit de dire: ce petit bijou New Wave est un incontournable absolu.

61. L'histoire de la princesse Kaguya (2012)

Le retour en forme du vénérable Isao Takahata en 2012 après l'étourdissement de 1988 le tombeau des lucioles , L'histoire de la princesse Kaguya est tout simplement magnifique. Une fable familiale adaptée à tous les âges, son style d'animation absolument magnifique rappelle des dessins classiques peints dans une couverture de blanc - un idéal de retour aux sources qui a depuis inspiré des propriétés dans plus d'un support. L'attraction esthétique profonde de Kaguya n’est pas tout à fait éclipsé par l’histoire, mais sa compulsion cinématographique lumineuse est toujours inéluctablement enivrante du début à la fin et exige l’attention de tout amateur d’animation.

60. Votre nom (2016)

Le film le plus récent de cette liste, celui de l’année dernière votre nom est une révélation. Le cinéma populaire en Amérique peut souvent être si sans vie et cynique, même sa scène indépendante commence à être attirée par la célébrité plus que par le mérite artistique (pour ne pas discréditer les exceptions évidentes à cette observation croissante). Je dis tout cela car après avoir étudié les versions japonaises contemporaines pour cette liste, c'est passionnant d'avoir un film aussi merveilleux que votre nom avoir autant de succès dans le grand public qu’elle l’était. Depuis, le Japon est à la fois submergé et doté d'une multitude de fonctionnalités animées Akira en 1988 et tandis que le brut submerge souvent les diamants sous lui, un film aussi fort a percé avec facilité. Sans introduction ni commentaire, voyez votre nom . C’est quelque chose qui a du cœur et des intentions honnêtes dont nous pourrions tous tirer une leçon d’aujourd’hui.

59. Nausicaä de la vallée du vent (1984)

Nausicaä de la vallée du vent est l’un des premiers bastions du talent sublime du titan de l’animation Hayo Miyazaki en tant qu’artiste. La narration est exquise - la construction d'une sorte d'avenir apocalyptique maussade comme si dans notre propre monde avec la liberté de direction et la réalisation magnifique de la flore et de la faune uniques de la terre - le tout peuplé d'un casting diversifié d'âmes solitaires qui expriment la reconnaissance rampante de leur malvenue monde à merveille. La première des nombreuses œuvres authentiquement sincères, originales et succulentes de Miyazaki.

58. Allons-nous danser? (1996)

Je pense que ce qui sépare Allons-nous danser? de tout autre film «affirmant la vie» est à quel point il est sérieux. Le propre traité d'Akira Kurosawa sur l'accomplissement (ou son effroyable absence) en Ikiru est un contraste frappant avec le charme inoffensif ici - celui qui germe naturellement et se glisse dans nos cœurs, plutôt que de se frayer un chemin à travers des intrigues cyniques. C’est un film merveilleux - un film qui a été si bien placé pour la crédibilité de son histoire et le confort du réalisateur Yoshikazu Suo avec son produit. Un délice.

57. Akitsu Springs (1962)

La grande percée de Kiju Yoshida, Akitsu Springs représente l'aube de quelque chose de spécial dans les royaumes de la nouvelle vague japonaise. Dès 1962, Yoshida était en mesure de porter à une tête l'attention psychosexuelle de nombreux films japonais de l'époque et d'en boucher les profondeurs avec une précision impeccable - une fascination qu'il ne ferait que continuer à aiguiser avec le temps. Une série de suivis tout aussi fantastiques l'ont consolidé en tant que membre clé du mouvement, mais pour moi, c'est Akitsu Springs qui tient le plus fort en tant que propriétaire de son génie cinématographique.

56. Une femme avoue (1961)

Notre premier film avec la permission du prolifique Yasuzo Masumura, 1961 Une femme avoue est un couronnement de la première nouvelle vague japonaise. À la suite d'une femme accusée de la mort supposée accidentelle de son mari, elle capte les vagues d'agression, de cynisme et de détournement caractéristiques de la face sombre du cinéma japonais de l'époque - sauf sans aucune de ses violences souvent sanglantes et brutales. Ce que nous avons ici, c'est la violence de l'esprit, abattue par des voix barbues d'amertume et observées par des yeux qui hurlent sur un cas pauvre et emprisonné à vie pour comparer leur propre misère. C'est la morbidité voilée de Une femme avoue qui donne une touche de poids à sa morsure sociétale.

55. Désirs profonds des dieux (1968)

Le plus long film de Shohei Imamura, Désirs profonds des dieux est peut-être aussi le film qui illustre le mieux son style. À la suite de la dynamique tendue d'une colonie isolée et de la romance naissante qui s'épanouit dans son sillage, Imamura légèrement décalée et imprégnée d'intégrité presque journalistique permet un document fascinant sur la vie, l'amour et la façon dont nous sommes inextricablement attirés par nos propres désirs que ce soit par une envie primitive consciemment partagée, ou par un implant intangible envoyé directement d'en haut. En fin de compte, la question principale d’Imamura pour moi était difficile à gérer: est-il plus facile d’accepter que nos dieux sont cruels ou que nous le sommes?

54. La condition humaine, partie 1: pas de plus grand amour (1959)

Le premier d'une trilogie épique de films, La condition humaine partie 1: pas de plus grand amour est un film qui établirait les précédents pour ses suivis - une liste des forces et des faiblesses du réalisateur Masakai Kobayashi n'aurait que le temps d'apprendre avec le recul, sans jamais clarifier l'équilibre parfait pour son œuvre extrêmement ambitieuse. Pas de plus grand amour présente plusieurs moments immortels, notamment une scène d'exécution qui dure 10 minutes et voit la colère bouillonnante de la bulle mandchoue opprimée au-delà de la peur que tous les pistolets et les barbelés inspirent pour quelque chose de particulièrement résonnant à ce jour - ainsi que la fin d'un arc pour plusieurs personnages. C’est un film trop long, sursaturé et finalement inefficace & hellip; mais c’est aussi un examen magistral du bilan de la guerre. Déséquilibré à l'extrême, La condition humaine Le premier chapitre trouve un terrain suffisamment solide pour former un film ni exécrable ni exceptionnel: mais encore plus que digne de puiser dans le top 60 ici.

53. Jetez vos livres, Rally in the Streets (1971)

Jetez vos livres, Rally in the Streets est une vague de sang à la tête. Un agencement dynamique et apathique de vignettes déconnectées qui peint une image vivante du détachement de la jeunesse japonaise par rapport aux anciennes valeurs. Un rejet du formalisme pour quelque chose de tout à fait plus moderne, futuriste - découpé en morceaux et pourtant totalement à l'aise dans sa propre incompréhensibilité. C’est la nature créative de l’industrie qui se manifeste dans l’esprit des jeunes, ce qui se traduit par des scènes de lots surprenantes, séduisantes et souvent ahurissantes. Peu de films, même de la nouvelle vague japonaise, peuvent allumer ce même feu rigoureusement rebelle.

52. Ange rouge (1966)

Le maître massivement prolifique Yasuzo Masumura a travaillé sur 33 films colossaux juste au cours des années 1960 - et l'un des points forts de son œuvre en plein essor est le sublime Ange rouge de 1966. Centré sur une jeune infirmière aux fiancés romantiques plongée dans la guerre, Red Angel développe son monde exténuant exceptionnellement bien: en commençant par les légions de vétérans marqués de cicatrices et éclaboussés de leur propre sang et de leur sueur sur la table d'opération dans un complexe lugubre et abandonné - tout avant d'être finalement jeté dans le creuset de ce conflit meurtrier. La peur palpable est une marque du côté somptueusement impressionniste de Masumura - et le marque comme une voix déterminante et malheureusement éclipsée du cinéma national dans les années 1960.

51. L'homme sans carte (1968)

Une entrée terriblement sous-vue de l'œuvre impeccable d'Hiroshi Teshigahara, consciencieusement éclipsée par son imposant corpus d'œuvres de 62 à 66, 1968 L'homme sans carte voit le réalisateur rigoureusement iconoclaste passer du monochrome austère à la photographie couleur séduisante: admirant le labyrinthe tentaculaire du Japon industriel avec une palette sombre et quelque peu terne qui fait si richement écho au désir insatiable de réponses du protagoniste. L'homme sans carte coule dans des rivières de doute et de confusion, débarquant son détective en eau profonde pour la plus petite des incursions et lui laissant rarement une seconde pour respirer et saisir l'immensité de tout cela.

Teshigahara urbanise de manière ludique la poursuite tortueuse de ses protagonistes avec un monde qui nie la catharsis à chaque tournant, commentant l'incertitude incessante de la vie moderne avec une précision diabolique. Il abandonne la surnaturalité nuancée et le surréalisme de son travail antérieur pour une pièce beaucoup plus ancrée qui est peut-être encore plus obsédante que l'agonie sisyphe de Femme dans les dunes ou Piège Avance irréfléchie et insensible de la mort. L'homme sans carte nous frappe sur notre propre terrain et c'est pourquoi il est si déroutant - si déconcertant - et pourquoi il reste une pièce si vitale du cinéma à ce jour.

50. La femme insecte (1963)

Notre quatrième film à ce jour du vénéré maître Shohei Imamura, le côté un peu plus respectable de la pièce plus dangereusement excessive de Nagisa Oshima, La femme insecte est une représentation exemplaire de la raison pour laquelle la vision d’Imamura de la politique sexuelle a toujours été bien plus fascinante que celle de son contemporain controversé. C'est un film d'un contrôle visuel somptueux: insuffler à ses images du sens et du poids ainsi qu'une délicieuse puissance esthétique qui saigne tant de sens en monochrome - La vie quotidienne de la femme assaillie par une mer aboyante de noir et blanc qui tourne tant au mystère, comme dans Tetsuo: L'Iron Man . Sa scène d’ouverture étrangement presciente, bien que simple, coud les graines du Tome en cage de Kafkan (magnifiquement joué par le très honoré Sachiko Hidari) est placé dedans et fait allusion aux implications monstrueuses du titre vicieux d'Imamura en mouvements. C’est un visionnage difficile, non pas du tout aidé par les problèmes de rythme d’Imamura - mais reste un cinéma vraiment vital.

49. Pulse (2001)

Kiyoshi Kurosawa a régulièrement dépassé sa classe sous le poids de son homonyme familier avec une fantastique série d'efforts inquiétants - mais aucun n'a vraiment éclipsé l'écrasante vacance de 2001. presse . Dégoulinant de terreur et faisant un usage acharné de références technologiques opportunes sans s'y fier au point de vieillir le tableau, presse est une interprétation extrêmement effrayante de la hantise moderne qui fait une utilisation beaucoup plus efficace du visage familier de ses esprits Yūrei que de nombreuses représentations plus célèbres des harceleurs au visage pâle.

48. Batailles sans honneur ni humanité (1973 & hellip; 1975)

L’anthologie policière en plusieurs parties de Kinji Fukasaku est Le parrain sur tous les médicaments sous le soleil levant. Libéré du structuralisme souvent envahissant de la pièce perfectionniste de Coppola, Fukasaku filme la violence comme du jazz alors qu'il suit une famille criminelle dirigeante au fil des ans - Souvent plongé dans des angles hyperstylisés gratuits et montage pour assurer l'effet évanescent de son montage cinétique. Bien qu'il manque un développement de personnage complexe, une résolution thématique ou même un goût de base - il y a quelque chose de si vivant dans Batailles sans honneur ni humanité que je ne peux m'empêcher de l'adorer. Chaque film s'ajoute au dernier et représente collectivement un zénith pour le cinéma policier populiste dans les années 70 au Japon. Peu de choses pourraient jamais se rapprocher.

47. Kwaidan (1964)

L’anthologie Horreur, typiquement bien conçue de Masakai Kobayashi, Kwaidan est une plongée fascinante dans le mystère et la méchanceté des anciennes fables japonaises, les racines médiévales des apparitions macabres et des malédictions inéluctables de J-Horror. Le manque implacable de pitié ou de répit omniprésent dans la scène d'horreur florissante du Japon est touché par la main d'un maître ici, ce qui donne un joyau visuellement somptueux qui parvient à insuffler une nouvelle vie alarmante à des histoires autrement datées. C'est sans l'ombre d'un doute la meilleure anthologie d'horreur jamais réalisée: avec la voix non diluée d'un cinéaste exquis résonnant haut et fort que J-Horror est quelque chose à craindre. Des décennies plus tard, nous sommes toujours pris au piège de son emprise macabre.

46. ​​Tokyo Drifter (1966)

La part accablante du génie du pop art de Seujin Suzuki, Tokyo Drifter se déclenche comme un feu d'artifice et prête plus à son côté stylistique que même Quentin Tarantino et Martin Scorsese peuvent prétendre aujourd'hui. L’influence enflammée du film marque notamment leur montage et leur approche de l’action - pas sans rappeler la façon dont Goddard est interminablement excessif À bout de souffle continue de façonner la façon dont nous coupons. Dans une bien moindre mesure, la pièce de Suzuki se glisse dans tant d'images du cinéma policier moderne - mais c'est l'exemple le plus fort du style débarrassant tout besoin de substance: son jeu de tir se déroule comme un feu d'artifice avec des effets néon zappy flamboyant la gloire cramoisie à chaque grêle de fusillade. Réalisé par un maître chorégraphe au sommet de son art- Tokyo Drifter est le cinéma pulp à son meilleur. Électrique et toujours un grand baril de plaisir.

45. Tombe des lucioles (1988)

À la surface, l’inverse des fables universelles de Hayo Miyazaki, la vénérable icône ghiblienne Isao Takahata le tombeau des lucioles se présente comme l'une des animations les plus acclamées jamais réalisées - avec un poids émotionnel né de son utilisation magistrale du médium. Exemple concret: le tombeau des lucioles ne serait pas aussi universellement appréciée ni même remarquable si elle avait abordé ladite histoire dans le domaine de la réalité. L’objectif de Takahata est cependant dessiné. Ses images sont imprégnées d’une élégance et d’une innocence révélatrices de l’enfance, qui complimente parfaitement le sort de ses protagonistes. Alors que pour certains je suis sûr que cela apparaît comme un interrupteur batant, peu de films ont utilisé si habilement l'art de l'animation pour accentuer gracieusement la puissance de leur message. Paralysant contre la guerre, les visuels expressivement élégiaques de Takahata commencent à se heurter à la configuration extrêmement triste de l'histoire: laisser une bouffée de cynisme s'échapper de son emprise esthétique hermétique - bien que cela ait peu de conséquences. le tombeau des lucioles est une expérience obsédante et souvent belle du temps de guerre.

44. La trilogie des samouraïs (1954-55-56)

La série populiste délicieusement attrayante du réalisateur Hiroshi Inagaki, une série de divertissements exquis, est un jalon dans la réalisation de films d'action-aventure - et probablement la plus belle trilogie du sous-genre. Menés par une performance toujours remarquable de Toshiro Mifune et marqués de petits aperçus de la maturité, notamment à la fin du premier film, les récits relativement inoffensifs et incomplexes d'Inagaki sont soutenus par une compréhension aussi nette et excitante de l'action cinématographique que les années 1950. ont à offrir. Son mouvement de la caméra est passionnant, dirigeant les acteurs avec une férocité et une vigueur qui aident la trilogie à surmonter ses périodes sèches de narration avec l'ajout d'une séquence de jeu d'épée passionnante. Il n’a rien de spécial sur un front dramatique, mais il possède suffisamment de passion pour le métier et une émotion surprenante dans ses succès pour justifier un placement aussi élevé. Vision vitale pour les fans de cinéma d'aventure.

43. La harpe birmane (1956)

L'article de Kon Ichikawa sur un soldat japonais se glissant dans le pays qu'il occupait autrefois et tentant de trouver la paix dans la douleur d'un monde d'après-guerre, La harpe birmane a attiré des critiques compréhensibles pour sa représentation souvent émoussée de la guerre: plus de pelotons dansants et de mouvements de complot faciles qu'une vision complète et captivante du temps. Paradoxalement, je pense que ce qui aide La harpe birmane surmonter ces problèmes est le cœur derrière eux. Malgré sa narration abondamment contrôlée, Ichikawa tisse de belles images tout au long du film - ornant chaque scène dans au moins un tableau encadrable qui, tout en contribuant au sophomorisme statique de sa mise en scène, parvient efficacement à transmettre l'ambiance, notamment dans une séquence où la mort les soldats sont abattus par des mortiers et notre héros se réveille au milieu d'une mer sanglante de cadavres: avec des tirs inspirés plus proches de la composition étonnamment serrée de Rembrandt que de toute autre affaire de guerre régulière. C’est simpliste dans un sens, mais sa faiblesse n’éclipse jamais l’impact collectif de la photographie éclairante d'Ichikawa et de sa farouche humilité.

42. Une page de folie (1926)

La première pièce de cette liste, Une page de folie est un incontournable du cinéma japonais silencieux pour sa voix esthétique retentissante: une pièce qui a informé la folie et l'étincelle créative hérissée qui alimentent les œuvres les plus merveilleuses de leur industrie, même aujourd'hui. Son portrait d'asile n'a ni la nuance ni la profondeur de quelque chose comme Titucut Follies ou même l'humanité de Vol au dessus d'un nid de coucou sous une forme fictive - cependant, le point de départ transcendant de ce jalon de 1926 est une appréciation élargie du cinéma japonais d'avant-guerre en dehors des titans dramatiques comme Ozu, Mizoguchi, Yamanaka et Shimizu. Ce que nous avons ici est une source de leur fleuve toujours en cours de travaux cinématographiques stimulants, stylistiquement provocants et intentionnellement dangereux qui est d'autant plus fascinant avec cette bande d'artistes tragiques à l'esprit.

41. La forteresse cachée (1959)

La tristement célèbre petite franchise de George Lucas, Star Wars, a été construite à l’arrière de The Hidden Fortress, avec A New Hope qui vole tout, mais il s’arrange de cette aventure exceptionnelle. C'est dommage de voir ce «remake non officiel» s'en tirer avec un meurtre, écrasant le film de Kurosawa sous le poids de son colossal suivant - parce que The Hidden Fortress est un film classique bien plus digne que la série de Lucas ne pourrait jamais prétendre être. Plein d’action passionnante, de caractérisations hilarantes et d’un fort flair visuel, même les efforts les plus médiocres d’Akira Kurosawa. Tout cela à l’esprit, je n’en veux pas à Star Wars pour cela - je souhaite juste que le brillant travail de Kurosawa soit tenu dans le même souffle.

40. La condition humaine, partie 2: le chemin de l'éternité (1960)

La pièce mordue par la bataille de la trilogie épique de Masakai Kobayashi, Le chemin de l'éternité sert d'épopée japonaise de guerre considérable pour contester tout Sauver le soldat Ryan , sinon aussi dangereux que quelque chose comme celui de Sam Fuller Le grand rouge ou même Casque en acier . Il conserve l'obsession éthique désordonnée de La condition humaine partie 1: pas de plus grand amour mais parvient à s'appuyer sur lui avec une expérience de combat viscéral et une approche mesurée et cohérente de ses personnages qui est soulignée par leur vie et leur mort dans une partie mortelle de l'histoire humaine. Comme pour chaque segment en cours, La condition humaine se rapproche de plus en plus de la réalisation de son homonyme et bien que la partie 2 ne réalise pas cette ambition, elle essaie au moins. Plus que ce que nous pouvons dire pour la plupart des films de l'époque.

39. Purgatoire héroïque (1970)

Immédiatement incompréhensible, expressif et visuellement déroutant: Purgatoire héroïque est une amorce parfaite pour la filmographie exceptionnelle de Yoshishige Yoshida. Son esthétique magnifiquement extraterrestre est souvent désorientante - chaque plan plie notre relation à l'espace, chaque coupe fragmentant le temps n'est pas différente du récit frénétique inspiré de la mémoire d'Alain Resnais - et en toute honnêteté faisant l'intrigue de Purgatoire héroïque en particulier vraiment difficile à suivre et à comprendre. Sa technique de narration fragmentée met encore plus de pression sur le désir d'un public moins ouvert pour une expérience narrative totalement cohérente - mais les plaisirs indéfinissables qui se trouvent dans le monde déformé de Yoshida rendent justice à leur précédent de scénarios étroitement structurés. Décrire Purgatoire héroïque serait impossible. Ne pas le recommander uniquement en raison de sa propre impossibilité serait un crime.

38. Intentions de meurtre (1964)

Le sombre triptyque de Shohei Imamura Porcs et cuirassés, intentions de meurtre et Les pornographes atteint son apogée incontesté avec un film qui observe avec des détails périlleux le sort d'une femme flirtant entre une relation dégradante avec son mari et une liaison affligée avec son violeur. La première rencontre de ce dernier et la scène qui la suit directement sont des exemples magnifiquement succincts de la façon dont les mondes d'Imamura peuvent être sublimement laids - et comment le contact humain peut souvent conduire ses personnages à des extrêmes que beaucoup pourraient tenter de discréditer comme inacceptables. En vérité, Intentions de meurtre une étude cruelle mais honnête de l'oppression et d'une certaine liberté malsaine par l'expression charnelle parvient à refléter un portrait tout aussi précis de l'un de nous dans la même situation que ses meilleurs films.

37. Assassinat (1964)

L’année de la double sortie de Masahiro Shinoda en 1964 a vu de manière prévisible deux des meilleurs films que le pays ait encore produits, le dernier étant Assassinat . Un brillant exemple de confort à l'échelle, Assassinat tisse un drame thématique sans ambition qui puise suffisamment dans son histoire simple pour être considéré parmi les films les plus fins de cette liste: aussi magnifiquement éclairé et photographié que n'importe quel film du milieu des années 60 avec une action aussi précise et puissante que vous attendez des écuries de Shinoda. C'est un mimétisme sous-estimé de l'état mental alors que les rumeurs sauvages sur la cible sont annulées et étouffées tout autour d'un récit qui se délecte de ses moments d'incompréhensibilité imprévisible - passant rapidement de la réalité au passé pour laisser à la fois le public et plusieurs groupes d'appréhension tueurs sur le fil du rasoir de la victoire triomphante et de la défaite assurément mortelle.

36. L'île nue (1960)

L'examen stoïque de Kaneto Shindo d'une vie paisible à la campagne, The Naked Island ne contient presque aucun dialogue parlé - déplaçant entièrement l'attention sur ses images pour raconter son histoire ou, plus précisément, pour créer son sentiment. L'approche iconoclaste de Shindo en matière de réalisation cinématographique conduit à des images magnifiquement résonnantes tout au long de sa filmographie, mais tandis que les images d'Onibaba et de Kuroneko enrichissent leur récit dans de petites poches d'inspiration visuelle, The Naked Island est 96 minutes de photographie essentielle. Il se tisse d'une manière qui ferait rougir Bergman, cultiver une humeur et lui permettre de s'épanouir en quelque chose d'universel et d'affectant. La tranquillité et les tribulations auxquelles la petite famille d’insulaires de Kaneto est confrontée chaque jour, presque comme un inverse étrangement optimiste du Cheval de Turin de Béla Tarr. Ce qui manque au pouvoir écrasant de ce film, Shindo se transforme plutôt en une célébration rituelle de l'endurance humaine et de la beauté naturelle qu'un tel effort peut conférer. Attachant, éclairant - et une expérience incroyablement peu absorbante.

35. Branded to Kill (1967)

Si le Sejiun Suzuki susmentionné atteignait son apogée stylistique avec 1966 Tokyo Drifter , un film tellement vilipendé par ses producteurs qu'ils ont damné ses images de suivi à des budgets plus serrés et ont sapé toute chance qu'il utilise la couleur, puis Marqué pour tuer deviendrait son zénith créatif et un exemple parfait de l'art à travers l'adversité. Le magnum opus électrisant de l'homme, Marqué pour tuer suit un tueur à gages tentant d'illustrer un assassin encore plus meurtrier tout en se frayant un chemin à travers des légions de crétins et une romance éclair. Il est toujours tranchant sans perdre son courage, atteint provisoirement un territoire plus radicalement ambitieux et parvient toujours à emballer des paramètres pleins de méchants sans visage pour que notre anti-héros puisse abattre en masse. Branded to Kill's le style parvient toujours à chercher du sens, quel que soit le résultat, c'est ce qui le distingue au-dessus du reste du peloton.

34. L'épée funeste (1966)

Le pilote élégant du maestro d’action Kihachi Okamoto pour une trilogie malheureusement annulée, The Sword of Doom est la catharsis cinématographique ultime. C'est une démonstration savamment chorégraphiée d'un jeu d'épée diabolique alors que la légende de premier plan Tatsuya Nakadai affronte Toshiro Mifune et une horde infinie de crétins sans nom tous déterminés à démontrer à quel point l'arme titulaire peut être mortelle. Des dizaines tombent devant la lame, notamment dans la scène finale glorieusement imprudente et non résolue du film, et bien que le dévouement à la narration et au personnage soit au mieux tangentiel, l'atmosphère et la bravade du réalisateur l'empêchent de devenir juste une autre bobine d'action. Cela vaut la peine d'être vu jusqu'à la fin amère et sanglante.

33. Hausu (1977)

Un compliment aussi élevé que quelqu'un peut payer un film étrange est qu'il reste bizarre. Beaucoup d’entre nous ont surnommé quelque chose d’étrange parce que nous ne sommes pas initiés - seulement pour constater que cette prétendue bizarrerie est pâle par rapport aux découvertes cinématographiques ultérieures. Tel est le chemin de notre chemin à travers le cinéma - car c'est une façon très longue de dire que Hausu est totalement mental. Constamment harcelé par une partition de fond parfois inspirée, souvent grinçante mais toujours insensée et remplie de scènes d'écolières luttant contre des pastèques possédées, se faisant manger par des pianos tueurs et s'échappant d'un enfer de chat fantôme macabre déterminé à maudire chaque âme qui franchit son seuil. En gros, c'est Ju-On mais avec la conscience de soi et la créativité vertigineuse pour aller jusqu'au bout du style seul - renonçant au scénario de fond de mythos qui détruit si souvent les histoires de maisons hantées avec une dévotion absolue à l'artifice vertigineux. L'expérience qui en résulte est un glorieux haut fourneau de plaisir.

32. Ikiru (1951)

Portrait très vanté de la vieillesse d'Akira Kurosawa, Ikiru se déroule comme un parallèle fidèle au propre travail d'Ozu sur les gens dans leurs années d'hiver - perdant sa direction minimaliste pour le travail beaucoup plus direct et intense de Kurosawa. Le résultat a du punch: plusieurs scènes se léchant avec un retour cinétique uniquement par la force de leurs images et le silence ou les houles de son qui les accompagnent. Je pense que la voix de Kurosawa ne contribue guère au canon exceptionnellement fort du cinéma sur le vieillissement et ne parvient généralement pas à atteindre les sommets révélateurs de Fraises des bois ou La vie et la mort du colonel Blimp malgré leur manque comparatif d’immédiateté cinématographique - mais rien de tout cela ne nuit à la résonance étonnante du travail d’AK ici.

31. Bête aveugle (1969)

Une exploration incomparable de la sensualité et de l'essence physique, Bête aveugle retrace la relation entre un aveugle et une femme qu'il fait captif, piégés dans un labyrinthe laborieusement conçu tapissé de sculptures de forme humaine - avec des murs couverts de yeux et de lèvres tandis que le sol est recouvert d'un enchevêtrement inavigable de membres. C’est la surréalité et la prémisse intrigante ne sont pas des fenêtres sur un terrain thématique vraiment dense, bien que le réalisateur Yasuzo Masumura parvienne à externaliser la relation de la luxure avec le désir bien mieux que le couteau constant de l'échec que Nagisa Oshima glisse et se tranche si souvent. Pour des pièces plus contemplatives sur la sexualité, Yoshishige Yoshida est un artiste essentiel - mais nier ici la vision tout à fait unique de Masumura serait criminel - quelle que soit son manque de substance. Au lieu de cela, il remplit son film de décors magnifiques et de sentiments douloureux qui griffent les personnages. Sur un front stylistique, Bête aveugle s'envole absolument.

30. La condition humaine, partie 3: la prière d'un soldat (1961)

La conclusion incroyablement puissante de Masakai Kobayashi à sa trilogie de dix heures, La condition humaine partie 3: la prière d'un soldat sert d'aboutissement à tout ce que Kobayashi a développé tout au long, à parts égales percutantes et surmenées - comme pour les autres pièces. C'est dommage que la série n'ait jamais tout à fait surmonté la longueur molle du livre, ni l'humanisme forcé qui peut parfois ralentir la forme autrement forte de son réalisateur: Cependant, sans ces moments guindés, nous n'aurions jamais été dotés d'une collection écrasante de magnifiquement réalisés. scènes qui auraient pu faire un chef-d'œuvre à elles seules. La prière d'un soldat n'est pas plus délicate que ses prédécesseurs - mais ce sentiment de fin plane sur l'œuvre de Kobayashi comme une aube fatiguée - désireux de prendre le nouveau jour avec un stock renouvelé dans l'industrie cinématographique japonaise. À la fois un triomphe imposant du cinéma épique et, plus important encore, cette étape finale à travers la porte de la renommée qui a donné à Kobayashi une liberté artistique abondante pour la décennie suivante. Le résultat est, comme nous le verrons, plus que quelques heures de pratique & hellip;

29. Double Suicide (1969)

Une exploration alarmante et inquiétante du processus créatif, Double suicide voit une pièce de théâtre de marionnettes en bois mise en scène avec l'intention que ses deux protagonistes se terminent eux-mêmes - avec des personnages sombres rôdant sur les scènes pour faire progresser leur faux récit. Une histoire fiévreusement effrayante lorsque la façade s'effondre et que ses marionnettistes cauchemardesques exécutent leurs prochains mouvements - transformant souvent les décors en conjonction avec la caméra changeante de Masahiro Shinoda pour former une impression d'espace horriblement déformée. En dehors de son dispositif artistique aux multiples facettes, l'intrigue de Double suicide est relativement conventionnel et ne parvient pas à trouver un terrain profond - mais c'est peut-être ce qui assure son succès: la fouille attentive de Shinoda dans son propre blocage créatif alors que des mains démoniaques indiscrètes tirent sur les bords de sa vision pour la rendre plus précise - et font dérailler son intentions entièrement. Qu'il s'agisse d'une représentation de ses luttes intérieures ou d'une force de travail que le directeur ne parvient pas à coordonner - la double vanité de Double suicide transcende sa fable médiocre pour une expérience cinématographique digne du top 50 et plus qu’exemplaire des talents colossaux de Masahiro Shinoda en tant que cinéaste.

28. Anneau (1998)

Alors que le quelque peu similaire Ju-On étouffe sous la tension de son propre ennui vacant, Ringu le vide est son arme la plus meurtrière. La mer de silence suintante du réalisateur Hideo Nakata imprègne et envahit chaque scène qui passe, mettant en évidence chaque bruit avec l'intensité accrue d'une personne alimentée par la peur et palpitant d'adrénaline - quelle que soit la banalité de la scène. Et des compteurs sonores si pertinents, comme la sonnerie du téléphone, traversent le silence avec une férocité sans compromis. Il n'y a pas d'échappatoire à L'anneau dans n'importe quel coin de votre esprit. Peu importe où vous courez, dès que vous jouez, vous ne faites que prolonger l'inévitable. Après tout, quoi de plus terrifiant que la mort confirmée par notre inéluctable curiosité?

27. Kuroneko (1968)

Kaneto Shindo Kuroneko se sent comme un mirage fulgurant de composites de films d'horreur éparpillés ensemble pour une vision parfaitement démoniaque d'un cauchemar absolu. Le dilemme moral complexe qui mijote sous la surface est une nouvelle interprétation de ces esprits imparables sur lesquels les médias japonais d'horreur misent depuis le début - forgeant un récit intrinsèque qui surmonte la rugosité de Shinoda. Onibaba pour former quelque chose de spécial. C'est une œuvre séduisante et esthétiquement engageante qui comble le fossé entre la réalité et la fantaisie sinistre avec un œil distinctement compatissant - malgré la rage hérissée de ses sujets. Pas seulement un film définitif de J-Horror, mais aussi un classique du drame mondial de la fin des années soixante.

26. Spirited Away (2001)

Il y a peu d'animation qui puisse pleinement rivaliser avec Enlevée comme par enchantement , du moins dans un sens créatif. Le film est surchargé d'une mer époustouflante de designs uniques et de personnages mémorables qui bougent tous et parlent aussi expressivement que les protagonistes. L'univers détaillé que Hayo Miyazaki a réussi à créer l'emporte, à mon avis, largement sur la narration et le rythme étranges caractéristiques de son travail - pas différent de Akira en ce qu 'il saute en avant et en arrière en progression à des intervalles aléatoires dans le but de faire ressortir la valeur d'un autre acte de matière; bien que le danger apathique Enlevée comme par enchantement se trouve à tout le moins nous permet de s'imprégner de ses créations vives un peu plus longtemps.

25. Mort par pendaison (1968)

J'ai fait de petites remarques mesquines au réalisateur acclamé Nagisa Oshima tout au long de cette liste et je comprends l'infantilité d'une telle position: mais je ne le fais que parce que ce cinéaste véritablement talentueux est si souvent noyé dans une production cinématographique obsessionnellement surexualisée. La série comparativement conflictuelle des premiers travaux d’Imamura est efficace dans son commentaire sous-jacent sur l’émotion humaine - mais avec Oshima, si peu de choses sont laissées à l’imagination, je commence à croire qu’il n’y a rien derrière un travail frustrant. C’est-à-dire à l’exception de Death by Hanging, brillamment bizarre de 1968. L'histoire d'un exécuteur qui refuse de mourir, Oshima utilise son objectif grossier mais néanmoins perspicace pour mettre en évidence un grand nombre de problèmes sociaux, d'échecs gouvernementaux et d'expressions humaines - le tout enveloppé dans une comédie farfelue constamment hilarante avec une conscience de soi confiante comme un cinéaste aussi souvent malchanceux comme Oshima semblait auparavant si éloigné. Pas avant ou depuis, il n'a réussi à égaler ce tir inspiré de la peine capitale, ce qui est dommage - mais au moins nous avons pu le voir s'envoler au moins une fois.

24. Un fugitif du passé (1965)

Tomu Uchida Un fugitif du passé est, en un mot: exceptionnel. Les films survivants de son réalisateur suffisamment compétent sont tout simplement incomparables au travail exposé ici, parlant d'une sorte d'éclair fortuit dans une bouteille alors qu'Uchida était douée exactement de la bonne histoire pour remplir sa promesse en tant qu'artiste. Un fugitif du passé se penche sur la violence et le chagrin auto-infligé d'une manière que peu de films peuvent - mesurer à la fois contre le sable du temps alors qu'il s'écoule et que de plus en plus de personnages se rapprochent de la rétribution divine sur notre protagoniste - un personnage particulièrement difficile à la fois pour ou contre comme il tente d'échapper au chemin sanglant de la violence qu'il a tracé au Japon dans ses premières années. Je trouve que Un fugitif du passé est si singulièrement puissante et peut-être même si profonde dans sa résolution que je ne devrais pas dire plus que, bien entendu, la voir le plus tôt possible.

23. Piège (1962)

Le premier long métrage de Hiroshi Teshigahara, Piège mélange les genres avec la confiance et la précision d'un vieux maître - et encore moins d'un réalisateur qui n'avait jamais traité que des documentaires auparavant. Alors qu'il a un peu de mal à garder son histoire captivante pendant les 97 minutes complètes - quoi Piège offre l'emporte sur tout problème avec son exécution narrative. Jouer avec notre perception de la réalité en mêlant meurtriers, fantômes et imagerie surréaliste Piège est souvent terrifiant car ses nombreux personnages tentent désespérément de repousser leur attaquant imparable: un homme normal vêtu d'un costume blanc brandissant un cran d'arrêt. L’humanité du tueur macabre de Teshigahara est le premier des nombreux commentaires sociaux que ses œuvres font à l’image seule - sans jamais sacrifier le temps ou la crédibilité pour repousser un point. Absent de ses penchants de gauche, Piège conserve son pouvoir en tant qu'expérience cinématographique déchirante: avec plusieurs scènes choquantes qui parlent de la clarté et de l'artisanat de la méthode de Teshigahara alors qu'il injecte même les moments les plus singuliers avec une vaste gamme d'émotions qui dansent si librement autour de l'autre - allant de l'humour à l'horreur dans un battement de coeur. Peu de débutants ont été aussi conscients du cheminement de carrière de leur maître.

22. Tokyo Twilight (1957)

Le dernier film en noir et blanc de Yasujirō Ozu, Tokyo Twilight sonne à la fois comme une élégie contextuelle pour les sorties monochromes de l'homme, ainsi que peut-être sa caractéristique la plus sombre. Le changement notable d'Ozu de sa propre règle de 360 ​​degrés pour s'asseoir plutôt derrière des personnages, leurs visages maussades remplacés par une tête de cheveux extrêmement blanche et froide est un départ magistral par rapport à son blocage et à sa composition caractéristiques pour une affaire bien plus sombre - un reflet de son la situation difficile des principaux acteurs. Crépuscule de Tokyo s'inspire d'Hollywood noir avec ses ombres persistantes et ses scènes boueuses et imparfaites pour créer un monde cinématographique universellement impitoyable et finalement sans but qui affecte dans ses sombres parallèles émotionnels avec notre propre société, plutôt qu'une dystopie disproportionnée qui perdrait sûrement son lustre avec le temps. Un bijou d'exception, cruellement souligné.

21. Eureka (2000)

Le film le plus long de cette liste, S's Eurêka se prolonge pendant s- et je pense qu'il serait impardonnable de divulguer l'une de ses intrigues. Même pour l'année la plus riche de la mémoire cinématographique récente, Eurêka se classe toujours parmi les meilleurs films de 2000 et même de la décennie dans son ensemble: un & hellip solennel, visuellement frappant et unique; Japonais portrait de chagrin. Ce n'est que dans un tel pays qu'une telle sobriété et une mélancolie touchante pourraient être associées à un courant tactile d'humour, de légèreté et d'absurdisme involontairement accueilli - le tout tissé dans une tapisserie émouvante d'émotions humaines qu'il suffit de voir. Ne lisez aucun synopsis - Ne le regardez pas - Regardez simplement Eurêka .

20. La vengeance est à moi (1979)

Le réalisateur Shohei Imamura est une figure exceptionnelle du cinéma indécent. Ses personnages sombres et endommagés et ses situations chargées de confrontation expriment une fascination éhontée pour la corruptibilité de l'âme humaine. La vengeance est à moi transpose le récit de Ryūzūo Saki sur le tueur en série réel Akira Nishiguchi avec une sophistication déchirante: Présenter un être humain profondément violent, sociopathe et pourtant incontestablement réel avec toutes nos idiosyncrasies filant son nid de destruction amorale. Le rythme d'Imamura entre en conflit avec le flux, comme par, mais je trouve que dans ce cas, l'histoire justifie une durée d'exécution prolongée et à la fin fournit une résolution métaphysique unique à un travail aussi brutal - appelant le vent et la terre elle-même à jette leur dernier jugement.

19. Yojimbo (1961)

Dans les royaumes du cinéma d'action, des petits claquements à nos talons tout à fait Yojimbo . L'utilisation attachante du leitmotiv par Kurosawa pique un ressort dans le pas de ses personnages et fonctionne aussi bien à la tension de tentpoling que de n'importe quelle partition de Morricone. Les séquences d'action nettes sont quelque peu émoussées par la conception sonore slappy et l'appréciation du public squeam - quelque chose comme L'épée funeste et Assassinat Je n'ai aucun problème avec - mais ce qu'il donne en échange est une prise constamment comique sur la base de Red Harvest - Mifune produisant une performance classique qui suinte de personnalité physique et d'esprit, travaillant comme la clé de voûte de ce qui est sans doute le meilleur sans aucun doute film d'action jamais réalisé.

18. Audition (1999)

Audition est un film au contrôle fiévreusement précis de son propre ton. Le hit-and-miss Takashi Miike s'est fait un nom sur le dos d'une carrière prolifique et parfois fructueuse qui a donné vie à des classiques fondamentaux comme Visiteur Q et Œil - mais peu de choses dans son style de réalisateur transmettent extérieurement la confiance et la compétence aiguës nécessaires pour réussir quelque chose d'aussi audacieusement tordu que Audition . Bien plus mature que n'importe lequel de ses travaux environnants, l'opus de Miike explore une prémisse simple avec brutal efficacement: corrompre chaque moment tendre avec une palette somptueusement sombre et un rythme étrange qui place chaque scène sur le bord du rasoir de quelque chose qui ne va pas du tout. Audition représente un sommet fascinant de ce confort japonais infiniment admirable avec la réalisation de films de genre: démêler son énigme cristalline à un effet transcendantal choquant. Voir, c'est croire.

17. Ran (1985)

Adaptation Shakespeare la plus célèbre de Kurosawa - si celle-ci dans mon esprit cède trop de terrain à son inspiration. King Lear est une écriture impeccable, mais à l'écran, il est en retard sur une mouture lente qui ne parvient pas à retrouver la sensation étonnante des 85 premières minutes. Du début à la séquence de siège d'une profondeur insondable - Ran est un chef-d'œuvre: une part d'art cinématographique sans précédent dans l'œuvre plus qu'impressionnante de Kurosawa - et une chaussure sans aucun doute pour le Top 10. Mais après cette construction et cette récompense magistralement traitées, Kurosawa continue l'histoire du roi Lear d'une manière qui suinte le long ennuyeusement - apathique et plat malgré les efforts de la méchante parfaitement jouée Lady Kaede. C'est vraiment dommage que Ran gaspille tellement de potentiel, dans mon esprit en tout cas, sur la fidélité - mais à tout le moins la flamme incandescente de la première moitié brûle suffisamment pour assurer sa place dans le top 20.

16. Princesse Mononoke (1997)

L’attrait sombre et fantastique de Hayo Miyazaki n’a jamais été particulièrement complexe. Tout film avec un message ne parvient généralement pas à le communiquer d'une manière sophistiquée et comme Orson Welles l'a si bien dit: «Cela pourrait être écrit sur la tête d'une épingle». Le message brutal et flagrant de Princesse Mononoke , cependant, sonne un peu plus vrai dans le cœur que dans l'esprit. Le fossé soigneusement construit entre les hommes et les monstres de Miyazaki conduit à une comparaison fascinante avec la façon dont les anciens voyaient notre monde - et comment l’effondrement inévitable de leurs civilisations pourrait un jour refléter le nôtre. La mystique et le mysticisme de ses personnages est le noyau qui permet Mononoke pour transcender les pièges des films à message traditionnellement insipide - pour glisser son omniprésent dans la ligne sans un mot, chaque action lui donnant de la gravité et, ce faisant, renforçant l'impact cinématographique de ce qui est à l'écran. La relation mutualiste exposée ici parle du talent profond de Hayo Miyazaki en tant que cinéaste - et que son travail est plus qu’une créativité éblouissante et émeute.

15. Un après-midi d'automne (1962)

Je pense, pour moi de commenter Un après-midi d'automne , serait gaspiller mon souffle que j’ai déjà passé à examiner le film d’Ozu réalisé plus d’une décennie auparavant, qu’il a effectivement refait ici pour être son dernier film. Un après-midi d'automne est tout aussi élégiaque, subtile et mélancolique - parvenant à faire évoluer plusieurs concepts mis en avant dans le premier film et à les développer. Il s'éloigne de certains éléments de l'original pour se concentrer sur d'autres idées - offrant une rare opportunité à un grand artiste de brancher des profondeurs similaires dans le même moule. Ozu passera toute sa carrière à faire des films très similaires, tout en réussissant à exploiter de nouveaux domaines d'interaction humaine à chaque fois, en produisant certains des plus grands films jamais réalisés. Laissant un héritage si vénérable dans son sillage, l'homme aurait pu mettre fin à sa course comme il le voulait. Un après-midi d'automne est le parfait proche de son œuvre chatoyante.

14. Trône de sang (1957)

Une adaptation magistrale s'il y en a jamais eu , Trône de sang reprend l’incomparable Macbeth de Shakespeare et forge un texte artistique autonome. La descente humaine contrôlée et dévastatrice de Toshiro Mifune dans la folie meurtrière reste l’un des plus beaux rôles de l’homme - et Kurosawa lui-même marque son film avec des images exceptionnelles qui sont presque hors de propos avec un réalisateur dissocié de la pratique iconoclaste centralisée. Pourtant, c'est l'imagerie de Trône de sang cela le rend si massif. Si captivant et surnaturel. L'attaque culminante voit l'une des plus belles conclusions de personnage jamais mises sur film et la cimente comme une œuvre d'art qui évite en quelque sorte l'ombre imposante de son jeu parent.

13. Histoire de Tokyo (1953)

En parlant de monuments des années 1950, il y a peu de films qui dirigent si indomptablement vos aspirations de cinéaste que Histoire de Tokyo . Un sommet scintillant de la filmographie impeccable de Yasujirō Ozu, toujours à son meilleur, c'est un film qui utilise un langage cinématographique d'une simplicité désarmante pour obtenir des effets perçants et intimes. Le public est assis avec les personnages - des voyeurs tranquilles devant une famille qui ferme lentement la génération plus âgée qui se dégrade progressivement de sa vie. Ozu donne à tous ses personnages une voix, compose des moments de révélation élégants et percutants et ne bouge sa caméra qu'une seule fois pendant 136 minutes. Il n'y a pas de film objectif 'meilleur' ou même 'grand', mais à ceux d'entre vous qui choisissent quoi regarder en fonction de ces sites, je dois ajouter que Histoire de Tokyo est LE travail le mieux noté sur Rotten Tomatoes, avec une moyenne incroyable de 9,7. Il suffit de dire que son regard patient et réflexif sur la vie et l’âge a énormément touché de nombreuses personnes et justifie quiconque lit cette liste de s’essayer par lui-même.

12. Incendies dans la plaine (1959)

De Kon Ichikawa, sans doute la figure la plus humaniste du cinéma japonais d'après-guerre, Incendies dans la plaine raconte l'histoire d'un homme perdu au milieu d'une bataille perdue dans le feu de la Seconde Guerre mondiale. C’est un film courageux dans sa solitude - dépeignant des situations de guerre dans un paysage vide, absent de la vie et grouillant de vide de terreur, chaque coin portant une autre figure odysséenne destinée à accompagner ou à détruire notre héros patiné. Et, comme pour le poème épique d’Homère, la compréhension d’Ichikawa sur la situation dans son ensemble crée un monde densément émotionnel, dans lequel notre héros est une pièce de puzzle déplacée et motivée par des généraux loin des lignes de front. C’est un film puant dans son propre isolement, manquant de chez lui et poussé à des actes amoraux par la terreur de la survie. Travail magistral d'une figure pittoresque mais néanmoins vitale de l'industrie dans les années 1950.

11. Rébellion des samouraïs (1967)

L’un des principaux atouts du drame de Masakai Kobayashi est qu’il le laisse mijoter, presque à tort. Ses compositions méticuleuses et ses actions impeccablement chronométrées tournent de plus en plus étroitement autour du conflit central - serrant chaque centimètre carré de la marge de manœuvre jusqu'à ce qu'il ne reste plus qu'à agir - un atout sous-jacent aux idéaux de moralité toujours présents de ses personnages. Dans Rébellion des samouraïs , l'acte lui-même est à portée de main même à la lecture du titre, mais l'homme joue dessus à chaque seconde - un public piquant avec de minuscules élancements vers la première épée tirée avant de finalement se résoudre dans une affaire amère, brutale et finalement sanglante qui continue avec les impitoyables rigueur que Kobayashi emporte si bien: une capacité incomparable à la fois à construire l'inévitabilité terminale de la situation de ses personnages et à faire preuve d'empathie avec eux à chaque étape du chemin. C’est dans Samurai Rebellion que cet humanisme sélectif atteint ses sommets les plus évocateurs - et se marie à l’aboutissement de la carrière de l’un des plus grands artistes du Japon.

10. Eros + Massacre (1969)

De tous les réalisateurs de la New Wave synonyme de psychosexualité, aucun n’a jamais égalé le labyrinthe passionnant et assuré de la créativité diabolique de Yoshishige Yoshida. En revanche, Oshima et Imamura se contentent de critiquer les mêmes sujets, l'un plus convaincant que l'autre, seul Kiju réussissant à percer le nœud de leur contemplation existentielle avec une bravade incroyablement cinématographique. Nulle part cette maîtrise fascinante du récit psychosexuel et de l'esthétique qu'elle invoque est plus abondante qu'en Eros + Massacre , La parabole épique d'avant-garde de 215 minutes de Yoshida, une euphorie incompréhensible de la vue, du son et du toucher palpable…

9. Mon voisin Totoro (1988)

Scintillant de la magie de l'enfance, Mon voisin Totoro est un film d'une joie infinie. Je viens juste de le découvrir à l’âge de 18 ans, mais c’est une beauté incroyable et une capacité à s’émerveiller qui m’ont de nouveau invité dans un esprit plus jeune - ou peut-être juste moins cynique. Le fardeau souvent lourd de l'expérience humaine nous laisse soit exiger l'évasion, soit avoir soif de réalisme continu, mais ce que Totoro fait qui l'élève peut-être au-dessus de tout autre long métrage d'animation jamais réalisé est d'ignorer complètement les désirs de son public et de présenter une histoire qui vous permet plutôt de venir à il - séduisant avec son design visuel luxuriant, ses personnages gonflables et sa découverte des trésors cachés de la nature à côté de ses pistes. Plutôt que de faire appel à l'enfant que nous étions autrefois, Totoro se permet de puiser dans un sentiment plus large d'aventure et d'espoir investi dans le mystère plus profond de notre planète. La récompense d'une telle foi est un diamant scintillant de Japanimation: Lumineux, universellement émouvant et absolument quintessenciel.

8. Le visage d'un autre (1966)

Un diagnostic étrangement d'époque de la vie moderne à travers le réticule discrètement formé de la fantaisie sombre, le visage d'un autre explore l'expérience d'un homme défiguré après que son nouveau visage miraculeux commence à submerger son ancienne personnalité. Le travail de Teshigahara est toujours suffisamment nuancé pour apparaître à bout de bras tout en griffant silencieusement en dessous avec ses doigts squelettiques et son chef-d'œuvre de 1966 est le plus proche de révéler sa vraie nature: amener les compositions inquiétantes du réalisateur et des images d'horreur austères directement dans la métropole et de contempler son urbain. abîme avec la même vision détachée qui a si vivement donné vie à Travis Bickle dans Taxi Driver une décennie plus tard. Une œuvre qui rivalisera avec Persona et éclipsera Seconds la même année pour sa provocation provocante de désir, de personnalité et d'identité - le visage d'un autre est un cinéma vital: un triomphe imposant de la méthode et de l'œuvre de Teshigahara si étroitement enroulé dans sa propre impeccable idées et atmosphère, il serait criminel de divulguer plus de ses secrets. Voir par vous-même…

7. Rashomon (1950)

L’une de mes portes d’entrée personnelles vers le cinéma mondial, celle d’Akira Kurosawa Rashomon est devenue tellement partie intégrante de la culture cinématographique qu’elle a été initiée au langage pour décrire l’effet psychologique que ses personnages portent: chacun d’eux fournissant un témoignage contradictoire sur une affaire de viol / meurtre macabre. La vitalité de Kurosawa est en plein écran, des techniques de caméra pionnières telles que la prise de vue directement au soleil et le voile à travers un désordre de feuillage afin que chaque scène de la forêt soit aussi abstraite que son homologue au tribunal. La simplicité désarmante de Rashomon un crochet d'intrigue irrésistible laisse place aux commentaires sur la vérité humaine, la moralité et une expérience richement cinématographique mettant en vedette les célèbres démonstrations d'escrime furieux de Kurosawa. Il n'y a pas grand-chose à ajouter au dialogue autour de Rashomon si ce n'est qu'il continue de se sentir des décennies en avance sur son temps. On ne peut qu'imaginer la sensation d'aller voir de cette façon en 1950.

6. Harakiri (1962)

Hara-kiri est à peu près aussi fort que les films. Ouvrant avec un plan à peu près aussi touchant que l'on pourrait l'imaginer, le réalisateur Masakai Kobayashi crée un phénomène qui reste l'un des films les plus appréciés de tous les temps: Classement parmi les films les mieux notés sur une grande majorité de sites utilisateurs malgré ce que j'avais en premier. supposé était en déclin. C’est une exploration minutieusement patiente et sournoisement inspirée du code japonais de l’honneur - une blessure toujours grinçante dans l’après-guerre 1962 que Kobayashi aborde non seulement en tant que compatriote, mais en tant qu’être humain. Chaque goutte de sang s'est répandue Hara-kiri parle de la haine atroce de l’artiste pour la mort et la violence: presque comme si cela lui faisait mal de mettre une telle brutalité à l’écran. Dans le monde d'aujourd'hui, une telle direction résolument humaine est divine à voir et constitue la clé de voûte de la conclusion du film. Sans le dévouement de toutes les personnes impliquées, Hara-kiri aurait été oublié comme un autre drame gimmicky, étroitement conçu mais autrement humble. Hara-kiri siège ici aujourd'hui parce que Masakai Kobayashi se soucie plus que vous ne pouvez l'imaginer et je pense que, dans sa propre élégance vive et bienheureuse, le place au milieu des plus grands films des années 1960.

5. Sept samouraïs (1954)

Le film le plus acclamé jamais sorti du Japon, Seven Samurai a gravé une marque indélébile sur le médium et tient toujours ses racines dans le cinéma d'action d'aujourd'hui. Le point culminant multi-caméras trempé par la pluie de Kurosawa n'éclipse pas tout à fait la profondeur prophétique du siège du château de Ran, mais il continue d'informer la façon dont nous avons découpé les séquences d'action, même si les éditeurs contemporains pourraient ne pas remarquer son influence. Bien au-dessus de sa puissance culturelle durable se trouve la caractérisation convaincante de Seven Samurai: Créer un monde entier de personnages riches, énormément aidé par l'extension méticuleuse de la méthode méticuleuse de Kurosawa, même dans la moindre partie, pour rendre sa vision du Japon féodal aussi captivante que possible. Ce creuset intrinsèquement conçu d'action magistrale et de narration lumineuse aboutit à une pièce de cinéma fondamentale qui affecte, électrise et nous laisse finalement avec une fin de film aussi courageuse et puissante que je n'en ai jamais vue. Un incontournable mérité du panthéon du cinéma international.

4. Fleur pâle (1964)

S'il n'y avait pas eu que deux mots dispersés dans une liste des grands films japonais, le nom de Masahiro Shinoda ne se serait pas glissé à moins de dix pieds de cette liste. Considérer ses contributions au grand cinéma japonais qui est une honte criante - et penser qu'un tel chef-d'œuvre a failli échapper à la recherche, c'est dire quelque chose du nombre de films qui demandent à être redécouverts. Loué à sa sortie et tranquillement publié par la Criterion Collection, Fleur pâle est l'un des plus grands films policiers de tous les temps. Il suffit de regarder un joueur et son nouvel amour tomber dans une spirale de dégradation et de détachement alimentée par le désespoir - cela reste l'une des œuvres les plus audacieusement sombres et visionnaires à échapper aux lèvres de la nouvelle vague japonaise: une un cadre à la fin et qui offre un effet cinématographique tout aussi transcendantal que toute œuvre moins extrême d'Ozu ou de Kurosawa. Shinoda ne sera jamais considéré comme l'un des plus grands, du moins par le grand public - mais j'espère au moins que les gens seront poussés à découvrir son cinéma à partir de ce creuset de perfection criminelle: une œuvre aussi brute et déchaînée que les ébats trop stimulés d'une contre-culture excessive et en même temps aussi profondément délicats et contrôlés que n'importe quel film que j'ai jamais vu. Son méticuleux, miraculeux et excessivement sous-vu. Répare ça.

3. Femme dans les dunes (1964)

Si Kiju Yoshida et son Eros + Massacre est le champion de la psychosexualité high-art - puis Hiroshi Teshigahara Femme dans les dunes est mythique par comparaison. Transposée du célèbre roman source de Kōbō Abe, collaborateur de longue date, la méthode presque malveillante de Teshigahara est ici à la fois la plus méchante et la plus tortureusement compatissante. Des lumières tamisées de l'humanité réprimée brillent à travers les sables mouvants qui entourent nos deux protagonistes en détresse - des gens forcés à l'état le plus primitif d'être pour une survie aigrie. En effet dans Femme dans les dunes , résilience est soumission. Rien n'est sacré. Nulle part n'est à l'abri des yeux cruels des villageois presque omni-absents qui condamnent nos héros à leur gouffre infernal. C’est un concept parfait, impeccablement exécuté de manière cinématographique par Hiroshi Teshigahara et qui produit ce que j’affirme être la partition la plus efficace du compositeur légendaire Toru Takemitsu. Réunissant trois artistes incroyablement confiants dans la même veine que De Niro, Scorsese et Schrader dans Conducteur de taxi - Femme dans les dunes est sa propre bête à parts égales humaine et inévitablement terrifiante. Une œuvre d'art horrible et essentielle.

2. Fin du printemps (1949)

Fin du printemps est une révélation de la monotonie moderne: un exorcisme de démons que ce lieu et ce temps exigent non seulement d'être gardés sous clé, mais cachés comme s'ils n'existaient pas. Alors que le désir douloureux d'exprimer ces terreurs n'est jamais totalement libéré, nous pouvons le détecter dans le coin de chaque œil, entre les mots de chaque ligne et bourdonnant souvent silencieusement au centre de chaque pièce. Et donc pour un monde si superficiellement saturé de sourires à pleines dents et de mélodies tendres - Ozu’s Fin du printemps héberge également une atmosphère de désespoir absolu: une peur que nous ne serons pas acceptés - que chaque expression puisse conduire à la défaite et il vaut donc mieux appeler le cours irrévocable au lieu de prendre une chance et de se tenir au milieu des pistes. Sa pierre de touche de retour des générations qui s'affrontent est au cœur de Fin du printemps drame soigneusement géré mais je pense ici, plus que n'importe laquelle de ses autres œuvres (ou peut-être n'importe quel film produit par les décennies environnantes): Ozu a réussi à trouver une fin parfaite. Arriver à une synthèse claire de vos thèmes et des sentiments de vos personnages n'est pas une mince affaire, d'autant plus de trouver un moment aussi singulièrement bouleversant que celui qui est né ici, et donc je suggère à tout le monde dans le swing de l'écriture dramatique, de la mise en scène, de la production ou tout simplement bâtonnets d'intérêt cinéphile Fin du printemps en haut de leur liste de surveillance. Croyez-moi: cela vous terrera.

1. Haut et bas (1963)

High & Low est une entreprise cinématographique intrinsèquement impossible. Il s'étend après un élément insaisissable avec un noyau si conflictuel qu'il semble n'y avoir rien à trouver. En surface, il manque le pouvoir nuancé mais néanmoins écrasant de Seven Samurai, ainsi que le lent enfer brûlant qui fait rage dans un silence mortifiant à la fin du printemps tardif. En vérité, High & Low mélange les deux: marcher avec tant de prudence parmi les gens ordinaires de peur de tomber dans plus de maladie, de dépravation et de dépendance - à plus de cupidité et de jalousie et d'amoralité impitoyable autour de ce suintement sans fin derrière chaque coin de rue. C’est un film terrifié par ce qu’il voit dans la condition humaine, quelque chose qui fait si clairement mal à Kurosawa de le mettre à l’écran - et c’est son courant fluctuant d’auto-répression créatrice qui en assure l’importance vénérable. High & Low a l'audace de se mesurer à la cruauté banale et sans espoir qui se cache dans tous nos cœurs - à la laideur et à l'écrasement du monde entier dans sa saturation de libre-service sans âme. Peut-être, pour finalement tourner autour et le reconnaître, nous devenons de meilleures personnes dans le processus. Capable de comprendre que c’est bien d’avoir peur, à condition d’accepter la présence de l’inexplicable. Le non remboursable. En fin de compte, le seul réconfort que vous puissiez trouver est le pardon. Si vous comptez faire tout votre possible pour regarder un film de cette liste: faites-en celui-ci.