20 meilleurs films qui vous font penser à la vie

L'une des plus grandes choses du cinéma est qu'il est à la fois une expérience communautaire et profondément personnelle. Nous allons au cinéma avec nos amis et notre famille; nous nous asseyons dans une pièce remplie d'étrangers pour regarder les mêmes images et entendre les mêmes sons pendant environ quatre-vingt-dix minutes. Nous voyons tous le même film - l'expérience extérieure est exactement la même - mais il n'y a pas de formule scientifique pour prédire nos réactions individuelles. Le cinéma, à son meilleur, restera avec vous pendant des années. Cela nous donne la chance de voir le monde sous un angle différent et cela nous relie comme tout grand art. Tout au long de ma jeune vie, ma perception de ce médium magique a presque complètement changé. De regarder des films pour la première fois en tant que très jeune enfant et simplement être époustouflé par le spectacle et le potentiel apparemment infini de tout cela jusqu'à maintenant avoir atteint un point où un grand film peut changer ma façon de penser. J'ai vraiment évolué en tant qu'amateur de cinéma.

Il y a des films que vous regardez, que vous vous divertissez et que vous oubliez dès que vous sortez du théâtre. Ensuite, il y a des films qui persistent dans votre esprit quelques jours après avoir regardé le film. Vous ne pouvez pas arrêter de penser aux personnages ou aux moments du film. Parfois, même le concept du film lui-même vous époustoufle et vous revenez à ce que vous avez vu à l'écran. Personnellement, j'aime le plus les films «pensants». Quand j'ai le sentiment persistant que je ne peux pas me débarrasser de mon esprit, c'est quand je sais que j'ai regardé un grand film. Et cette liste comprend les meilleurs films qui, je pense, vous feront penser à la vie. Vous pouvez également regarder certains de ces meilleurs films qui vous font réfléchir sur Netflix, Amazon Prime ou Hulu.

20. La marque de Zorro (1940)

Il vaut peut-être mieux commencer par le tout début et l'un des premiers films dont je me souviens être tombé amoureux. Il y en avait, bien sûr, d'autres: j'étais assez jeune pour grandir avec le point de vue de Sam Raimi sur Spider-Man; J'ai adoré Le Roi Lion de Disney; et je ne savais pas encore exactement pourquoi j'aimais tellement Kate Winslet dans Titanic & hellip; Aucun de ces films, cependant, ne peut correspondre à mes premiers souvenirs de La marque de Zorro. J'étais tellement obsédé par cela que je suis devenu le seul enfant à l'école qui pouvait étonner mes professeurs simplement en sachant qui était Basil Rathbone.

Le film lui-même m'a ouvert à un monde d'aventures que je n'avais jamais connu auparavant. Il contenait une aventure frénétique (qui m'a préparé plus tard pour Les Aventures de Robin des Bois de Victor Fleming), des lignes merveilleuses qui sont restées avec moi toute ma vie et un duel fantastique entre Tyrone Power et Basil Rathbone qui me met encore sur le bord de mon siège aujourd'hui. . C’est étrange comment certains détails me sont revenus lorsque j’ai redécouvert le film plus récemment: des costumes, des plaisanteries oubliées entre le héros et le méchant - même des épées accrochées aux murs des décors. Cela montre le pouvoir qu'a le cinéma de graver des images dans nos esprits. Ce n’était pas un film trop complexe - c’est un bon vieux récit en noir et blanc du bien contre le mal, de l’action et de l’aventure - mais il m’a introduit dans un monde que je n’ai plus quitté depuis.

19. King Kong (1933)

C'est un autre film de mon enfance qui s'est frayé un chemin dans mes souvenirs: c'était la première fois que j'avais vraiment peur d'un film. Je me souviens que mon grand-père m'avait montré ce samedi après-midi. Il y avait une belle femme utilisée comme sacrifice par une tribu sauvage sur une île préhistorique. Alors que Fay Wray se tenait là, les mains liées et laissées de côté au-delà du mur pour être prise par Kong, j'ai ressenti un sentiment de terreur qui résonnait toujours avec moi chaque fois que je retournais à Skull Island. Kong au sommet de l'Empire State Building est peut-être l'image la plus célèbre du chef-d'œuvre du monstre Merian C. Cooper / Ernest B. Schoedsack, mais j'ai toujours pensé d'abord à Kong se frayant un chemin à travers les arbres et posant d'abord les yeux sur son sacrifice blond. Je ne peux finalement pas en vouloir à mon défunt grand-père pour m'avoir légèrement traumatisé de cette manière, car cette expérience, comme La marque de Zorro, a jeté les bases de mon amour continu pour le Hollywood classique. Kong lui-même est devenu une énigme: comment quelque chose d'aussi énorme et de tout à fait terrifiant pourrait-il être aussi malade d'amour et sympathique?

18. Indiana Jones et la dernière croisade (1989)

Je ressens aussi beaucoup de respect pour un petit réalisateur (peut-être avez-vous entendu parler de lui) appelé Steven Spielberg. Je le classe toujours comme travaillant dans une continuation du style de Hollywood classique et plusieurs de ses films (Jaws, Close Encounters of the Third Kind, Jurassic Park & ​​hellip;) J'ai regardé et revu d'innombrables fois quand j'étais enfant. Cependant, celui qui me tient le plus à cœur est Indiana Jones et la dernière croisade. C'était une autre expérience pour laquelle je dois remercier mon grand-père et je me souviens l'avoir regardée sur VHS avec lui à chaque fois que j'en avais l'occasion. Ce film m'a presque à lui seul propulsé dans cette étape de la vie d'un jeune garçon où tout ce qui l'intéresse, ce sont les films d'action et le nombre de nazis hurlant le cri de Wilhelm alors qu'ils tombent à la mort (parfois en feu) dans un grand grand décor d'action- pièces. Courant autour de la cour de récréation à l'école, j'étais Indiana Jones faisant semblant de prendre le tank de ce qui était le meilleur coup de pied que mes petits yeux avaient jamais vu (le lien est en bas, je n'ai pas pu résister). Maintenant, cela signifie un peu plus pour moi. Oui, l'action me donne à nouveau l'impression d'être un enfant et j'ai hâte de voir Indy combattre les méchants, résoudre les énigmes et partir au coucher du soleil, mais le cœur du film est maintenant la relation entre Harrison Ford et Sean Connery.

17. Perdu dans la traduction

Lost in Translation m'a fait pleurer uniquement parce que je me sentais pour Charlotte (Scarlett Johansson). Je pouvais voir toutes les émotions de son personnage et les ressentir toutes parce qu'elle les représentait si bien. La solitude est brute et profondément ressentie. Quand on se sent exclu, même quand les gens sont là, ça aspire toute la vie en eux. C'est tellement fatigant que lorsqu'ils trouvent quelqu'un d'autre avec la même affliction, ils se tournent vers eux et nouent des liens profonds avec eux. Cette solitude et cette passivité sincère sont magnifiquement articulées par l'amitié entre Théodore et Amy dans Her et Charlotte et Bob Harris dans Lost in Translation. Scarlett Johansson est merveilleusement belle et cela se voit très bien même si seule sa voix a agi en elle. Si vous l'aimiez, vous l'aimeriez Lost in Translation.

16. Synecdoche, New York

«Synecdoche, New York» est un film difficile à regarder, et même l’estomac. Ce n'est pas quelque chose qui doit être compris; des films comme celui-ci doivent être observés, ressentis et réfléchis. Intensément cérébrale, souvent choquante, «Synecdoche, New York» ne plairait pas à tout le monde; c'est une célébration de tout ce qu'un artiste aspire à être, et pourtant c'est finalement une tragédie, montrant le revers de l'ambition artistique, où le réel rencontre l'irréel, plongeant l'esprit artistique dans les profondeurs sombres de l'incertitude et de la dépression.

15. Le miroir

De nature à peu près autobiographique, «The Mirror» est un récit émouvant des diverses émotions qui ponctuent la conscience d’un poète mourant dans la quarantaine. Le film, sans doute le meilleur travail de Tarkovsky, fait un effort sublime pour redessiner les souvenirs d’une personne. Le film est également considéré comme un excellent commentaire sur la société et la politique soviétiques alors existantes. Connu pour sa structure non linéaire et sa cinématographie unique, «The Mirror» reste l’une des œuvres d’art cinématographique les plus fascinantes.

14. 2001: Odyssée de l'espace

L’œuvre la plus complète des écuries du cinéaste indépendant Stanley Kubrick, «2001: A Space Odyssey», pourrait à juste titre être décrite comme un rendez-vous avec le chaos. Avec des thèmes allant de l'existentialisme à l'évolution, le film a acquis un statut culte au fil des ans. Librement inspiré d'une nouvelle intitulée «The Sentinel» écrite par Arthur C. Clarke; qui a co-scénarisé le scénario avec Kubrick; le film raconte le voyage d'une équipe de scientifiques à Jupiter avec l'ordinateur sensible HAL 9000. Le film a inspiré de nombreuses interprétations au fil des ans et ne semble augmenter qu'en termes de popularité.

13. Avant le coucher du soleil

Ce qui rend les films Before si géniaux, c'est que chacun des trois films, en plus d'être romantique, drôle, instructif et déchirant, parle de nous et de qui nous sommes: l'amour cherchant et l'insécurité, déterminer toute notre vie si ce que nous avons fait, les choix nous avons fait, les chemins que nous avons abandonnés, étaient-ils bons ou pas. «Before Sunset» est une vision émotionnelle et stimulante de l’amour, du désir et des occasions manquées dans la vie. C'est un travail tellement magistral qu'il devient finalement un miroir, en regardant dans lequel, vous pouvez juger votre propre passé et présent.

12. L'arbre de vie

«L’arbre de la vie» est un poème cinématographique d’une portée et d’une ambition extraordinaires. Il ne demande pas seulement à son public d’observer, mais aussi de réfléchir et de ressentir. Dans sa forme la plus simple, «The Tree of Life» est une histoire du voyage pour se retrouver. Dans sa forme la plus complexe, c'est une méditation sur la vie humaine et notre place dans le grand schéma des choses. En fin de compte, «L’arbre de la vie» pourrait changer votre façon de voir la vie (cela m’a changé). Combien de films ont le pouvoir de faire ça?

11. 8 & frac12;

«8 & frac12;» est un film sur le cinéma lui-même et plus particulièrement sur le «blocage du réalisateur» tant redouté. Connu pour son titre créatif unique et ses références autobiographiques, il représente les 8 & frac12;^eentreprise de direction. Aussi simple que cela puisse paraître; le film est une juxtaposition magistrale de réalité, d'imagination, de souvenirs et de rêves. Il a marqué un départ distinct des racines néoréalistes de Fellini et est profondément contemplatif par nature.

10. Stalker

Appelez cela allégorique, appelez-le énigmatique ou appelez-le profondément contemplatif; lorsque vous plongez dans le monde sombre et sinistre créé par Andrei Tarkovsky «Stalker» (1979), on ne peut s’empêcher d’en tomber amoureux! Le film n'est rien de moins qu'un voyage dans les ruelles sombres de l'incertitude; celui qui est marqué par l'espoir, le désespoir, le narcissisme, le nihilisme et surtout une quête de ce qui est finalement humain. Faisons-nous tous face. Le monde exige une confirmation constante de son existence. Tarkovsky, à travers ce film, fait une subtile tentative pour prouver la futilité de ces justifications.

9. Mulholland Drive

Une première montre de Mulholland Dr. se traduit par ce qui suit: Une égratignure, une confusion, un brainstorming, une prise de conscience, une acceptation. Cela dure des jours. Ce n'est qu'après avoir accepté que ce que vous avez regardé n'est rien de moins qu'un miracle, vous optez pour le deuxième, le troisième, le quatrième… regarder, apprécier les nuances, louer le tournage, le montage, les performances et glaner un peu le morceau de cinéma cérébral et obsédant. Un film dont on discute encore aujourd'hui, environ 15 ans après sa sortie et pourtant, toutes les questions sur le film n'ont pas été répondues. «Mulholland Dr.», tout simplement, offre le plus grand mystère cinématographique de tous les temps.

8. Dans l'humeur de l'amour

«In The Mood For Love» n’est pas qu’un film; c'est une poésie en mouvement. Avec de belles images captivantes et une musique tout aussi exquise et percutante, ‘In The Mood For Love’ raconte l’histoire complexe de deux individus simples et intrinsèquement beaux qui sont pris ensemble dans des circonstances que la vie toujours aussi imprévisible peut poser. Deux individus qui traversent simultanément la peur et l'attrait de tomber amoureux, et une fois amoureux, la pure douleur de le laisser incomplet. 'In the Mood for Love' a tellement d'amour et de désir qui mijote sous la surface, que cela restera dans votre esprit pendant des jours après avoir regardé le film.

7. Soleil éternel de l'esprit impeccable

L'épiphanie vertigineuse et surréaliste de l'amour et du chagrin n'a jamais été explorée de la manière et avec le degré de succès avec lesquels ce film le fait. Donnant une tournure fascinante à une histoire d'amour non conventionnelle avec un coup de folie ingénieuse et une récompense émotionnelle, la véritable star de la série est le scénariste, Charlie Kaufman. Lui et le réalisateur Michel Gondry ont créé un film qui est non seulement unique à sa manière, mais aussi à l'infini ré-regardable avec quelque chose de nouveau à trouver dans chaque visionnage. Après avoir regardé 'Eternal Sunshine of the Spotless Mind', vous pourriez avoir des accès de nostalgie qui vous frappent encore et encore.

6. Couleur en amont

Thématiquement riche et en couches, 'Upstream Color' est un examen tordu de l'amour et des relations - comment y fonctionnons-nous, ce que notre amour se fait l'un à l'autre, et finalement comment cela est lié à la nature et à de plus grands schémas de choses. Lyrique, mystifiante et en même temps profondément philosophique, «Upstream Color» est autant une magie technique qu’une œuvre d’art méditative et contemplative. Si jamais l’art du cinéma exigeait une raison ou une preuve pour corroborer que son but d’existence est bien plus qu’un simple divertissement, alors vous n’avez pas à chercher plus loin que ce film.

5. Alien (1979)

Avance rapide de plusieurs années jusqu'à l'âge de quatorze ans (on peut sauter ma phase maladroite de Transformers) et la véritable naissance de mon obsession du cinéma. Après avoir fouillé dans les excès des superproductions modernes, j'ai découvert que Ridley Scott offrait quelque chose de plus lié à l'humeur et à la tension. Pour moi, ce film parle de couloirs vides, d'évents sombres, d'eau qui goutte lentement du plafond et d'une véritable forme de terreur adulte. Je pense que c'est la meilleure chose que Ridley Scott ait jamais faite: j'aime le ton et le suspense, les personnages ressemblant à des documentaires, les décors magnifiques, la partition de Jerry Goldsmith et la façon dont Scott tient tout ensemble. Plus important encore, cela représente un changement dans la façon dont je regardais des films - ou ce que je voulais regarder. Tout comme l'équipage du Nostromo atterrissant sur LV 426, je voulais maintenant explorer le cinéma et découvrir s'il pouvait me faire peur, me faire rire, me faire pleurer, me faire vibrer et me faire réfléchir.

4. La nuit du chasseur

En 2005, The Night of the Hunter de Charles Laughton figurait sur la liste des films de BFI que vous devriez voir avant l’âge de quatorze ans. Cependant, je n'ai jamais vu ce film quand j'étais enfant. Quand j'ai vu La nuit du chasseur, cependant, j'ai trouvé que cela avait le pouvoir de me rappeler ce que c'était que d'être un enfant - pas de la même manière que Indiana Jones et la dernière croisade ou d'autres films de Spielberg, mais plutôt cela m'a rappelé les terreurs de l'enfance. Pour moi, ce film est un cauchemar d’enfant tourné dans le style de l’horreur expressionniste allemande. La performance de Robert Mitchum en tant que révérend Harry Powell crée une créature absolument terrifiante qui parvient à vous suivre, peu importe la vitesse ou la distance que vous parcourez, à son rythme régulier. Il vous trouvera et quand il le fera, vous ne pourrez pas compter sur les adultes pour vous sauver, pas même sur votre propre famille. C’est la plus grande réussite du seul long métrage de réalisation de Charles Laughton: il montre à quel point le cinéma peut vous ramener facilement dans le temps.

3. Chauffeur de taxi

Travis Bickle est un vétéran souffrant d'insomnie et vivant dans un isolement auto-imposé qui erre dans les rues de New York comme si c'était une vision cauchemardesque de l'enfer. La caméra de Scorsese glisse dans les rues la nuit, sans jamais s’installer, tout comme Travis. Le trio de Scorsese, Paul Schrader et, bien sûr, Robert De Niro, nous a donné l’occasion de regarder le monde à travers les yeux de Travis. Quand j'ai vu le film pour la première fois, ce point de vue m'était étranger. Quand je suis revenu et que je l'ai revu, j'ai eu l'impression qu'il était fait juste pour moi. À un moment de notre vie, nous nous sentons tous comme Travis Bickle. Scorsese le savait, Schrader le savait et De Niro le savait, c'est pourquoi nous avons un regard sans compromis, brut et fiévreux sur l'enfer en passant par New York.

2. Le troisième homme

Des rues de Vienne bombardées, des personnages sombres cachés dans l'obscurité, la lumière scintillant sur les pavés mouillés, des pas résonnant dans les égouts et le son d'Anton Karas jouant cette partition emblématique de cithare - jetez dans la cinématographie de film noir la plus belle et obsédante de tous les temps un casting de premier ordre et un scénario brillant de Graham Greene et vous avez le chef-d'œuvre de Carol Reed en 1949, The Third Man, le plus grand film britannique de tous les temps et, peut-être, mon film préféré.

Ne pas inclure cela sur une liste de films qui ont changé ma perception du cinéma serait un crime. C'est l'étalon-or de tous les aspects de la réalisation cinématographique qui se marient parfaitement. C'est drôle et intelligent, obsédant et sombre, réconfortant et doux-amer. Nous pouvons analyser et décomposer les films tout ce que nous voulons pour savoir pourquoi ils fonctionnent si bien, mais il y a une magie rare et inexplicable du cinéma qui se trouve au cœur de The Third Man. Peu importe à quel point j'essaie de traduire cette expérience en mots, cela ne peut pas correspondre à la joie pure de rester assis dans le noir et de regarder l'illusion du début à la fin.

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Après Mulholland Drive, le seul film qui m'a vraiment secoué est Persona d’Ingmar Bergman. Pendant la première demi-heure environ de son exécution, j'ai pensé que c'était juste beaucoup de discussions avec des images provocantes jetées là-dedans: des tarentules, une crucifixion et le suicide de Thich Quang Duc par auto-immolation au Vietnam. Je ne pensais pas qu’il y avait quoi que ce soit de substantiel qui le maintienne jusqu'à ce que je vienne sur la scène où Alma (jouée magnifiquement par Bibi Andersson) discute d’une orgie qu’elle a eue sur la plage. C'est alors que j'ai réalisé que le film m'était tombé dessus. J'ai été complètement époustouflé et pris au dépourvu. C'était érotique et dérangeant et obsédant et totalement, totalement engageant avec des images si puissantes que je sentais que je les avais vues moi-même.

Mon expérience du film après cela a été complètement différente - je n'ai jamais changé d'avis aussi radicalement sur un film à mi-chemin avant ou depuis. Je ne sais pas ce que cela signifie - je doute que j'y parvienne jamais pleinement, mais je ne pense pas que j'en ai besoin. Cela a provoqué une véritable réponse gutturale à un niveau que peu de films ont réussi à atteindre. Cela a renforcé l'idée dans mon esprit que le cinéma peut être plus qu'un simple divertissement léger - il peut être une expérience pleine, émotionnelle et humaine.