18 meilleurs films existentiels de tous les temps

«L'existentialisme» est un terme inventé par des philosophes européens de la fin du 19e et du 20e siècle qui croyaient que la pensée philosophique commence par le sujet humain - pas seulement le sujet pensant, mais l'individu humain agissant, sentant et vivant. Selon eux, les gens cherchent à savoir qui ils sont et ce qu'ils sont tout au long de la vie, car ils font des choix en fonction de leurs expériences, croyances et perspectives. Ouais, je sais que c’est compliqué. Mais pour le dire simplement, l '«existentialisme» est une philosophie qui s'intéresse à la recherche de soi et du sens de la vie par le libre arbitre, le choix et la responsabilité personnelle.

Vous trouverez ci-dessous la liste des meilleurs films existentiels à travers lesquels leurs créateurs ont essayé de donner un sens à ce que signifie exister dans ce monde. Dans quelle mesure nos expériences façonnent-elles nos croyances? Et la vie n'a-t-elle vraiment aucun sens? Telles sont quelques-unes des nombreuses questions posées par ces films. Lequel de ces meilleurs films d'illumination est votre préféré. À propos, vous pouvez diffuser certains de ces meilleurs films existentiels sur Netflix, Hulu ou Amazon Prime.

18. Birdman (2014)

Débordant et hérissé d'énergie brute, «Birdman» joue avec l'art du cinéma tel que vous le connaissez et lui donne une nouvelle dimension. Il surprend, interpelle et éblouit; parfois tout à la fois. C'est loufoque, exaltant et une expérience que vous n'auriez probablement jamais eue au cinéma. Un regard caustique et sombre sur la culture de la renommée instantanée et la célébrité à l'heure actuelle de Facebook et Twitter, il se moque de ceux qui sont prisonniers de leur propre image. En fin de compte, c'est un film sur un acteur traversant une crise existentielle.

17. Synecdoche, New York (2007)

«Synecdoche, New York» est un film difficile à regarder, et même l’estomac. Ce n'est pas quelque chose qui doit être compris; des films comme celui-ci doivent être observés, ressentis et réfléchis. Intensément cérébrale, souvent choquante, «Synecdoche, New York» ne plairait pas à tout le monde; c'est une célébration de tout ce qu'un artiste aspire à être, et pourtant c'est finalement une tragédie, montrant le revers de l'ambition artistique, où le réel rencontre l'irréel, plongeant l'esprit artistique dans les profondeurs sombres de l'incertitude et de la dépression.

16. Personne (1966)

Il est difficile d’ajouter un film comme «Persona» dans une liste basée sur le genre en raison de la profondeur et des ambiguïtés des thèmes traités dans le film. «Persona» est un film ouvert à de nombreuses interprétations et qui est encore largement débattu, débattu et analysé par des critiques, des universitaires et des cinéphiles du monde entier. Le film raconte l'histoire de deux femmes, une infirmière et son patient muet et le lien étrange de leurs étranges personnages. Le film explore l'identité humaine, brouille et ébranle nos perceptions du rêve et de la réalité et plonge dans les aspects les plus profonds et les plus sombres de la psyché humaine complexe et des fantasmes bizarres qui l'entourent. «Persona» est une expérience profondément intime et personnelle et est un pur morceau de poésie cinématographique.

15. Chauffeur de taxi (1976)

«Taxi Driver» raconte l’histoire d’un vétéran du Vietnam anéanti émotionnellement par sa vie assombrie par la solitude et la misère. Film fortement axé sur les personnages, «Taxi Driver» présente un exploit d’acteur étonnant de Robert De Niro qui dépeint la descente d’un homme dans la folie alors que nous le voyons être entraîné par les extrémités de l’obscurité humaine. Peut-être que Travis Bickle était autrefois un gars charmant et charmant et c'est la guerre qui l'a fait se sentir étranger à un monde qui était autrefois sa maison. Son incapacité et son désespoir à entrer en contact avec les gens et la lutte perpétuelle pour s'intégrer dans un monde bizarre et bizarre rempli de meurtres et de délits est un portrait sombre et profondément inquiétant d'une âme humaine.

14. Printemps, été, automne, hiver… et printemps (2003)

Présenté comme la meilleure œuvre des écuries de l'auteur sud-coréen Kim Ki-duk, 'Spring, Summer, Fall, Winter… and Spring' est une histoire qui raconte la vie d'un moine bouddhiste alors qu'il traverse les différentes étapes de la vie. Le film peut être considéré comme une métaphore de la continuité perpétuelle et de la nature cyclique de la vie humaine. En cours de route, il explore également les thèmes de l'amour, du sacrifice, de la dévotion, de l'isolement et de la fidélité. Reconnu pour présenter très peu de dialogues, le film est profondément contemplatif par nature et emmène le public dans un voyage serein.

13. Le septième continent (1989)

Qualifier 'Le septième continent' de Michael Haneke de film d’horreur me semble très faux, mais c’est ainsi que la plupart des gens qui l’ont vu le désignent. Il est difficile de discuter avec eux, car le visionnement de ce film laisse un sentiment désespéré, déprimé et effrayé. Ayant à voir avec une famille qui déteste le monde et la vie en général, ce classique de 1989 prend une position froide et distante pour isoler davantage les trois joueurs du reste de la société, ce qui amène lentement mais sûrement le public à se sentir profondément pour eux comme leur l'existence prend une tournure sombre. Étant l’un des films les plus dérangeants jamais créés sur le grand écran, la première pièce de Haneke raille le spectateur et ne le lâche jamais. Si le public appelle cela un film d'horreur, il le fait en se référant à un film effrayant qui ne ressemble à aucun autre. Couvert d'ambiguïté et de réalisme, Le septième continent est un récit personnel, intime et terrifiant d'une histoire vraie qui vous laisse dans le silence, car pendant au moins quelques minutes après la fin, vous devenez incapable de prononcer un seul mot.

12. Spirit of the Beehive (1973)

Le maître espagnol Victor Erice n'a réalisé que trois longs métrages avant de prendre sa retraite. Toujours en vie aujourd'hui, ses films comme El Sur, Quince «Tree of the Sun» et surtout Spirit of the Beehive, ses débuts indéfinissables, qui nous font tous souhaiter qu'il fasse encore des films. Une histoire parabilique de deux enfants, l’un explorant son existence avec une fascination innocente et souvent déconcertante et l’autre obsédé par le film «Frankenstein» qui a joué dans leur théâtre local. Son portrait mystifiant du cœur espagnol est laissé dans une ambiguïté séduisante par la direction typiquement neutre d'Erice - se risquant rarement à la méthode cinématographique en faveur de l'observation silencieuse. Le travail qui en résulte est déroutant, captivant et vous laissera vous interroger sur l'énigme intrinsèque de la vie elle-même: ses questions sans réponse, ses grands mystères et leur indisponibilité déconcertante. Pour vous laisser complètement dévasté ou incomparablement ému, il ne fait aucun doute que l’un ou l’autre extrême «Esprit de la ruche» sera une expérience importante.

11. Satan Tango (1994)

J'ai été hypnotisé par le chef-d'œuvre tentaculaire et prodigieux de Béla Tarr lorsque je l'ai vu pour la première fois. Son sens pragmatique du monde réel et sa patience sont ses qualités déterminantes. Il observe plus qu'il ne reflète et ne contemple plus qu'il ne délivre des déclarations parfaitement formées. Son réalisme mythique et sombre est trop beau pour être vrai et bien trop brutal pour avoir été réalisé avec un tel œil pour la beauté. Tout ce que je souhaitais faire à la fin était de fermer toutes mes fenêtres et de m'envelopper dans l'obscurité parce que le film pour moi avait été comme ce fou de l'église et ses pleurs avaient trop de sens. Je suis ravi d’annoncer que les réflexions sociales et politiques sagaces de «Sátántangó» ont commencé à s’exprimer clairement à mes yeux alors que j’y suis revenu à plusieurs reprises.

10. La Dolce Vita (1960)

Le virtuose prudemment, patiemment et poétiquement adouci de Fellini est pleinement exposé dans sa Palme d’Or qui, dans son glamour émouvant et sombre, capture un mode de vie qui semble trop insaisissable et, à certains égards, bien trop réel. Son rythme souligne le sentiment d’absence de but du protagoniste et nous oblige à nous baigner dans l’arrangement symphonique du dynamisme de la vie et de son caractère éphémère. Ce protagoniste est joué par Marcello Mastroianni, meilleur en carrière, qui utilise ce don de temps pour remplir ses yeux d'une lassitude irrésistible du monde. Remettre en question la signification de certaines sections de «La Dolce Vita» qui peuvent sembler dépourvues d’importance philosophique ou de pertinence narrative, c’est rejeter la possibilité de laisser les détails piquants vous submerger puis d’en contempler les conséquences. Alors que la partition céleste de Nino Rota nous transporte dans le monde vertigineux de Rome, comme on le voit à travers l'œil illusoire de Fellini, vous ne voyez que ce qu'il veut que vous voyiez et cela devient rapidement ce que vous voulez voir aussi.

9. 8 1/2 (1963)

En exploitant la gravité ombragée de Marcello Mastroianni, l’électricité pure de Fellini peut être accablante. Vous vous accrochez à votre perception d'un moment particulier et vous reconnaissez sa richesse sensuelle pour découvrir que le cinéaste est passé à une autre séquence flottante et délicieusement posée. Ses idées sur les artistes et leur obsession déroutante et ridicule pour eux-mêmes peuvent sembler dépassées - ou pire, hors de propos - mais l'audace de leur construction et de leur expression ne nous échappe jamais. Il nous ensorcelle et nous séduit, ne nous permettant jamais de le quitter des yeux, puis nous glisse entre les doigts alors qu'il nous vient à l'esprit que nous ne l'avons jamais eu à portée de main. Fellini n'est pas très différente de la clairvoyante Maya du film qui semble savoir ce que tout le monde pense: une compétence attribuée par son assistante à la télépathie. Lorsque notre protagoniste, Guido, interroge l'assistante sur la façon dont elle le fait, il note clairement: «C'est en partie un truc et en partie réel. Je ne sais pas, mais ça arrive. » Aucun mot ne pourrait être plus approprié pour décrire le film avec.

8. Le septième sceau (1957)

Dès les toutes premières images du document emblématique de Bergman sur la foi, la peur et le contentement, un sort vous est jeté. Le regard austère et granuleux sur la mer, la côte et sur elle un chevalier courageux et sa rencontre fatidique avec la personnification de la mort définit la clarté de l’objectif du film, même s’il laisse place à une ambiguïté séduisante, presque terrifiante. Bénéficiant d'une performance magnétique de l'incomparable Max von Sydow et d'un groupe d'acteurs qui élèvent le matériau étonnant de Bergman, basé sur sa pièce «Wood Painting», à des niveaux inattendus, «Le septième sceau» dans ses maigres 90 minutes a l'influence de une vieille fable transmise de génération en génération qui propulse l'imagination bien plus expansive qu'elle ne peut elle-même espérer contenir. Le noir et blanc étincelant et net de Gunnar Fischer garantit que l'intensité déchirante rampe sous notre peau. La fluidité fluviale est le résultat d'un récit déployé avec une confiance sublime et une pondération tangible. C'est peut-être une histoire tout à fait simple, qui contient néanmoins des idées précieuses dans son sein, mais elle est cousue avec un tissu si complexe et audacieux que vous ne pouvez pas vous empêcher de la regarder encore et encore pour qu'elle se traduise en un souvenir durable.

7. Stalker (1979)

En gardant ses descendants inférieurs, qui incluent la série télévisée à succès «Westworld», à distance, l’influence colossale de «Stalker» sur la narration visuelle ne peut être surestimée. Les idées - philosophiques, spirituelles et scientifiques - ainsi que leur exploration cinématographique habile et glorieuse dans «Stalker» ont trouvé leurs impressions sur de nombreuses science-fiction pour venir après. Ce n'est pas tant le glissement, la transe induisant et par moments, le rythme abstrait ou l'utilisation émouvante de sépia monochromatique en dehors de la «Zone» et les couleurs d'impression des lieux en Estonie, qui ont été reflétés dans le travail de cinéastes comme Terrence Malick et Lav Diaz, pour n'en nommer que quelques-uns, mais la patience et l'humilité persistantes. Remettant largement les règnes philosophiques au public, Tarkovsky laisse tellement de place aux téléspectateurs de découvrir les multiples facettes métaphysiques du film pour eux-mêmes, que même sa poésie littérale et visuelle inégalée semble autant le fruit de notre fabrication que de la sienne. et ses collaborateurs ».

6. Apocalypse Now (1979)

Un film de guerre pourrait apparaître comme un choix improbable. Mais comme je l'ai dit, les grands films rompent avec les obstacles de leur genre. «Apocalypse Now» est largement considéré comme le plus grand film de guerre jamais réalisé. Mais au fond, c'est un film qui explore aussi l'existentialisme. Le voyage du capitaine Willard dans un village obscur du Cambodge pour assassiner un officier renégat énigmatique sert de métaphore visuelle au voyage déchirant d’un être humain dans l’abîme de l’existence. «Apocalypse Now» traite de la quête de réponses de Willard. Avec lui dans son voyage, nous questionnons les morales créées par une société civilisée masquée par l'hypocrisie et la mégalomanie. Son étrange et mystérieuse fascination pour le colonel Kurtz culmine dans sa découverte des extrémités de la guerre qui pourraient transformer un homme en une bête non civilisée.

5. Les 400 coups (1959)

«Les 400 coups» de François Truffaut est une véritable œuvre d’art issue d’une vraie douleur. Œuvre vraiment sincère et profondément personnelle, Truffaut a dédié le film à son père spirituel et théoricien du cinéma de renommée internationale, André Bazin. De nature nettement autobiographique, la propre enfance de Truffaut a été troublée, et cela se reflète très clairement dans le film. À l'extérieur, le film parle de la délinquance juvénile et adolescente souvent motivée par la négligence sociétale et parentale. Regardez un peu plus loin et vous trouverez un film sur l'espoir; espérons que ce soit à la fois intense et thérapeutique. Antoine Doinel, le protagoniste, est en quelque sorte une représentation crue de la société elle-même, une société qui cache ses propres échecs derrière des règles, des punitions et des jugements. Le film coule comme une rivière et entraîne le public dans un voyage d'espoir, de désespoir, d'empathie et même de colère pure. Si jamais vous avez voulu voir à quoi ressemble un chef-d’œuvre, ne cherchez pas plus loin que «Les 400 coups».

4. Histoire de Tokyo (1953)

«Tokyo Story» est ce à quoi aspire tout cinéaste désireux de raconter une histoire significative. De toute évidence, tous échouent! Il n'y a pas de meilleur exemple d'un film qui rend une histoire épique d'une manière aussi simple mais magistrale, efficace et inoubliable. Avec «Tokyo Story», Yasujiro Ozu a réalisé quelque chose qui est le rêve de tout cinéaste vivant: résider pour toujours dans le cœur et l’esprit du public. Quiconque a vu 'Tokyo Story' saura de quoi je parle. Le film raconte l'histoire d'un couple japonais traditionnel vieillissant qui rend visite à leurs enfants à Tokyo pour se rendre compte que leurs enfants sont trop occupés par leur vie pour s'occuper d'eux et qu'ils sont devenus immensément éloignés d'eux, culturellement et émotionnellement. . Ce qui est également si génial dans le film, c'est son thème universel auquel tout le monde, n'importe où, peut s'identifier. Le style cinématographique d’Ozu garantit également que vous êtes plongé dans un conte qui offre un aperçu profond de la psyché humaine en évolution avec les temps changeants. Tout simplement génial!

2. 2001: L'Odyssée de l'espace (1968)

Le génie de `` 2001: A Space Odyssey '' réside dans le fait que le voyage spirituel qu'il nous emmène ne souscrit ni au théisme ni à l'agnosticisme ou à quoi que ce soit en particulier - il appartient totalement au public de savoir comment il veut interpréter le film. Cela va de la croyance d'un théiste en l'existence d'un Dieu toujours aussi gentil et aimant au cynisme d'un agnostique à l'inutilité déprimante de la vie qu'un nihiliste pourrait choisir. Néanmoins, à tout le moins, Kubrick démontre à quel point nous sommes insignifiants et à quel point nos soi-disant avancées technologiques sont minuscules! Nous avons des années-lumière pour avancer avant d'obtenir les réponses à l'une des questions existentielles qui se posent dans notre esprit.

3. L'arbre de vie (2011)

Terrence Malick ne remet jamais en question l’existence de Dieu dans «L’arbre de vie». Cependant, son véritable sentiment d'émerveillement n'en découle pas; il se réjouit plutôt de la magie qu'est la vie elle-même. À une époque où Dieu est devenu un moyen de prouver la supériorité et une excuse pour nuire et même tuer, «L'Arbre de Vie» présente une manière belle mais raisonnable de regarder Dieu. En fin de compte, «The Tree of Life» est un poème cinématographique d’une portée et d’une ambition extraordinaires. Il ne demande pas seulement à son public d’observer, mais aussi de réfléchir et de ressentir. Dans sa forme la plus simple, «The Tree of Life» est une histoire du voyage pour se retrouver. Dans sa forme la plus complexe, c'est une méditation sur la vie humaine et notre place dans le grand schéma des choses. En fin de compte, 'The Tree of Life' pourrait changer votre façon de voir la vie - cela m'a changé.

2. Jeanne Dielman, 23, Quai Du Commerce, 1080 Bruxelles (1975)

Ce long métrage d'avant-garde français mettant en vedette Delphine Seyrig comme personnage principal n'est pas une simple expérience cinématographique. C'est plus proche d'un exercice - un test, et vous affecte d'une manière que peu d'autres films ont faite avant ou depuis. La pièce indépendante se concentre sur trois jours dans la vie d'une femme au foyer solitaire et troublée, alors qu'elle passe par son horaire strict rempli de tâches ménagères banales. Elle est une mère et une veuve qui fait du travail du sexe pour les messieurs le soir pour gagner sa vie. Des problèmes surviennent lorsque, le deuxième jour, sa routine est légèrement perturbée, conduisant à une sorte d'effet domino qui se reflète dans les heures qui la suivent. Jeanne Dielman nous entraîne dans son monde lent et méditatif avec la signature de réalisateur distinctive d'Akerman, impliquant une atmosphère diégétique, et une aura hypnotique provoquée par la personnalité calme, subtile et patiente du chef-d'œuvre, qui est une douloureuse célébration de la monotonie de l'existence.

1. Au Hasard Balthazar (1966)

Le chef-d’œuvre désolé de Robert Bresson est un exercice de sentiment. Cela évite de définir un protagoniste clair ou un thème central à moins de compter la force miraculeuse de la nature qu'est Balthazar et si vous prenez le film pour valeur nominale, vous ne le faites pas. Mais si vous lui permettez d’être votre point d’accès au paysage émotionnel et thématique du film, il est difficile d’en revenir sans récompense. Le style visuel particulier, mince et cool de Balthazar semble presque glamour rétrospectivement; sa fragilité placide enveloppée dans un sentiment de contrôle résigné et singulièrement sage. Même son honnêteté palpable cache un effort étudié pour se retenir un peu, pour nourrir dans sa simplicité de décor et de caractère une richesse laissée au public à découvrir et dans certains cas à couper le souffle, à imaginer. Attribuer une signification à chaque moment dans «Balthazar» ne dépend pas du fait que nous supposons que son contenu est des allégories de nature sociale ou même politique, mais de la façon dont elles nous font ressentir en savourant leur complexité et leur tranquillité, au lieu de compter sur l'exposition stupide à laquelle la plupart des films ont recours. Il est donc parfaitement logique que le protagoniste soit l'âne éponyme.