Au revoir. Il n'y a rien de pire et de plus triste que ces sept lettres que vous pourriez trouver dans le dictionnaire anglais. La douleur d'avoir à perdre quelqu'un pour toujours et de laisser derrière elle une longue et belle allée de souvenirs est au-delà des mots. C'est un phénomène universel auquel la plupart des gens ont du mal à ne pas s'identifier et le cinéma étant la forme d'art la plus puissante, a souvent brisé les cœurs avec des scènes qui plongent dans les douleurs les plus profondes de la séparation avec quelqu'un. Cela dit, voici une liste de films de larmes avec des scènes d'adieu. Gardez vos mouchoirs à proximité. Vous pouvez regarder certains de ces meilleurs jerkers sur Netflix, Hulu ou Amazon Prime.
J’ai vu Rain Man deux fois et je ne pense toujours pas que le film dans son ensemble m’a ému d’une manière que j’aurais aimé. Dustin Hoffman est sans surprise bon mais a été meilleur. Tom Cruise est sensationnel et livre ce qui est peut-être la meilleure performance de sa carrière. Mais la scène de clôture du film m'attire toujours et est l'un des moments de film émotionnels les plus joliment retenus que j'ai jamais vus. La transformation du personnage de Charlie forme le cœur et l'âme du film et tout le film mène à ce moment alors que nous voyons Charlie dire au revoir à son charmant frère qui est repris par les autorités de l'institution psychiatrique et Charlie lui promet qu'il lui rendra visite en deux semaines. C’est une scène magnifiquement tournée et jouée avec brio dans un film autrement oubliable qui reste longtemps dans nos esprits après le lancement du générique.
Il y a des films que vous n'êtes pas disposé à analyser, disséquer ou critiquer malgré la connaissance de leurs défauts, car cela vous a touché à bien des égards à un niveau profondément personnel. «Good Will Hunting» est ce film pour moi. Cela peut parfois être assez prêcheur mais je peux juste fermer les yeux et laisser glisser tous ses défauts car c'est un film enrichi d'une rare sensation de chaleur qui donne envie de l'embrasser dans toutes ses fragilités. Le film raconte l'histoire de Will, un prodige mathématique aux antécédents troublés, s'efforçant de se confronter à lui-même et de fuir les chaînes émotionnelles des relations et des liens humains. La scène en référence ici est celle où son meilleur ami lui dit qu'il souhaite juste sortir de la vie même dans laquelle il vit et comment il souhaite qu'il n'y ait jamais vraiment de «au revoir» ou de «à plus tard» entre eux. La plus belle partie de la fin est qu’il n’y a pas d’au revoir ici. Comme son ami l'a dit, il part sans message.
C'est un choix très personnel mais je ne pourrais jamais vivre avec l'idée d'ignorer le beau moment que Dustin Hoffman partage avec son fils de 6 ans alors que son petit garçon est prêt à partir chez sa maman. Ce qui fonctionne à merveille dans «Kramer vs Kramer» est le développement de la relation père-fils. Nous voyons le personnage de Hoffman traverser divers hauts et bas dans sa vie, mais s'accroche à son garçon et avant qu'il ne s'en rende compte, devient tout pour lui, ce qui fait de la scène de référence une scène très intime et émotionnelle. Hoffman a vraiment un moyen de nous émouvoir aux larmes à chaque fois et cette scène où il fait ses adieux à son fils, n'est qu'un témoignage du fait qu'il est l'un des plus grands acteurs à avoir jamais honoré l'écran.
Cela ne me dérange pas si je semble aller un peu trop loin ici, mais personne ne pourrait jamais observer la vie avec des aperçus aussi profonds et la dépeindre à l'écran avec un niveau inégalé de simplicité et de chaleur comme le fait Richard Linklater. Son opus magnum de 2014, «Boyhood», est le point culminant de son génie artistique inspirant et de ses obsessions thématiques de toute une vie sur le passage du temps dans la vie humaine. «Boyhood» observe 12 ans dans la vie d’un garçon de six ans, Mason, alors que Linklater fait vieillir ses acteurs en temps réel, apportant à l’écran un réalisme inégalé. Alors que Mason grandit, il se prépare à quitter la maison pour l'université et le jour de son départ, il y a un moment émouvant où il fait ses adieux à sa mère alors qu'elle se plaint douloureusement de la rapidité avec laquelle le temps s'est écoulé et pouvait à peine réaliser la croissance de la sienne. enfant et la nature agitée des relations humaines.
Vous vous souvenez de l'époque où Tom Hanks nous a fait pleurer les yeux en disant au revoir à sa bien-aimée Wilson? Pour les gens qui n’ont pas vu le film, et je suppose que ce n’est qu’un petit nombre, Wilson est un joueur de volleyball. Oui, vous avez bien entendu! Un volley-ball. L'histoire brûlante d'espoir, de survie, d'amour et de découverte de soi de Robert Zemckis a l'une des citations d'adieu les plus emblématiques de l'histoire du cinéma. Chuck Noland de Tom Hanks est bloqué sur une île désolée après avoir survécu à un accident d'avion et n'a personne pour parler sauf un ballon de volley, qu'il nomme Wilson, qu'il trouve dans l'un de ses colis qui devait être livré. Il se rapproche de plus en plus de Wilson, mais comme le destin l'aurait voulu, Chuck est laissé tout seul sur l'île par une belle journée ensoleillée lorsqu'une violente tempête éloigne Wilson des côtes. Un moment déchirant d'un cri malheureux qui résume si magnifiquement le désir humain de compagnie et de lien.
'Franchement, ma chère, je m'en fous!' Qui pourrait oublier ces mots audacieux et sans excuse prononcés avec une aplomb brûlante et un butin absolu par le légendaire Clarke Gable? `` Autant en emporte le vent n'est pas un film que j'apprécie, mais il me donne un aperçu de son époque et malgré le film qui semble daté pour la plupart, fonctionne toujours en raison de l'universalité et de la dynamique des émotions et des relations humaines qui, d'une manière ou d'une autre, restent le même. La scène d'adieu ici est brutale et percutante, mais ce qui la rend si puissante, c'est la façon dont le personnage de Vivien Leigh décide de se ressaisir et se met à la recherche d'un avenir optimiste au lieu de se noyer dans la douleur et la misère.
Le drame romantique réconfortant de Sofia Coppola est l’un des meilleurs films américains à sortir du XXIe siècle. Ses personnages se sentent souvent détachés, ce qui ne fonctionne pas à certains endroits du film, mais il est indéniable que le film regorge de certaines des scènes les plus touchantes que vous verrez jamais. Il y a une scène d'adieu poignante et douce vers la fin du film lorsque le personnage de Bill Murray lui dit au revoir dans la chambre d'hôtel et part pour l'aéroport, mais descend au milieu de la ville quand il la voit et lui murmure à l'oreille pendant environ deux heures. minutes. Coppola ne fait pas savoir au public ce qu'il murmure exactement, créant un sentiment d'ambiguïté d'une beauté rafraîchissante qui pourrait résumer leur relation. Mais Coppola laisse son public dessiner ses propres interprétations de ses personnages principaux. C'était peut-être un adieu, peut-être une confession d'amour, peut-être un échange de numéro de téléphone, mais la beauté est… On ne sait pas!
Sans surprise, Steven Spielberg a une autre entrée sur cette liste. Peut-être un favori de l'enfance pour la plupart des gens, 'E.T' est la magie de la narration à son apogée absolu. Il y a environ trois décennies et demie, le charmant petit extraterrestre de Spielberg a fait tomber le monde pour lui et il y a peu de gens qui n'auraient pas ce film près de leur cœur. La scène de clôture est l’une des scènes les plus déchirantes que j’ai jamais rencontrées au cinéma alors que Spielberg crée un moment qui durera pendant des siècles. E.T fait ses adieux à son meilleur ami sur la planète et part pour toujours dans l'espace. «E.T.» nous a montré le pouvoir des amitiés et la douleur de la séparation et du désir de compagnon bien avant que nous ne grandissions dans la pseudo société intellectuelle qui a consumé chaque parcelle de notre existence aujourd'hui.
Le plus grand travail de Milos Forman est une lettre d’amour aux esprits immortels de la nature humaine et son effort douloureux pour combattre les forces oppressives de la société qui détruisent les moindres fragments d’humanité en morceaux de rêves et d’espoirs brisés. Mettant en vedette l’une des performances les plus emblématiques du cinéma du grand Jack Nicholson dans le rôle de Randle McMurphy, «One Flew Over the Cuckoo’s Nest» est l’un de ces rares films qui doivent être regardés par des gens du monde entier, quels que soient leur âge, leur race et leur culture. La scène finale montre le charmant chef faisant ses adieux à son ami lobotomisé. Chief libère son ami de la souffrance éternelle et lui-même des griffes d'un pouvoir tyrannique pour lequel son ami bien-aimé s'est battu. Et si cette fin ne vous fait pas une boule dans la gorge, alors honnêtement, je ne sais pas quoi d’autre.
Ce n'est peut-être pas une surprise si la rédaction de ce film semble assez courte car je n'ai vraiment pas de mots pour exprimer le genre d'émotions que cette scène et le film évoquent en moi. «Stand By Me» est sans doute le meilleur drame de passage à l’âge adulte de tous les temps. C’est un film qui parle pour toutes les générations, transcendant le temps et la culture d’une manière que peu de films font. La scène où Gordie et Chris se séparent et se disent au revoir est une scène étonnamment belle et poignante qui ne manquera pas de vous arroser les yeux alors que la voix off en arrière-plan révèle ce qui arrivera à son meilleur ami dans quelques années.
Peu de films ont eu le genre d'impact sur moi comme ce joyau de Woody Allen. «Manhattan» est un mélange cinématographique absolument magnifique de vie, de relations et de désirs humains qui sert de délicieux repas à la soif inextinguible d’un cinéphile de dévorer les œuvres d’art les plus profondes. La scène finale est celle d’une triste réalisation qui s’avère trop tardive dans le jeu cruel du destin et du destin de la vie. Issac réalise enfin ce qui lui a manqué toute sa vie et avoue son véritable amour pour Tracy, mais n’est pas sûr de lui et est humilié par la fragilité de sa foi dans les gens. Tracy lui fait ses adieux et part pour Londres alors qu'Issac est réduit au silence par son incapacité à affronter ses propres faiblesses et accepte la vérité sur lui-même et sourit d'une manière qu'il n'a jamais fait auparavant.
Un peu naïf, un peu enfantin, un peu drôle et un peu au revoir sentimental pour voir la nuit la plus mémorable de vingt-deux ans. Ce sont les émotions que Jesse et Céline évoquent en nous vers la fin de la première partie de l’inoubliable trilogie de romance walk and talk de Richard Linklater. Suivant un scénario classique, presque onirique pour les amoureux, Linklater crée un murmure cinématographique magique d'amour, de vie et de nostalgie. «Avant le lever du soleil», Jesse et Céline se rencontrent dans un train, se parlent de leur enfance, de leurs rêves, de leurs peurs et de leurs désirs et finissent par se rapprocher l’un de l’autre pour les trouver inséparables le lendemain matin. Alors que le soleil se lève, ils se préparent à partir pour leur propre pays, s'assurant de se retrouver après six mois au même endroit où ils se séparent.
Y a-t-il quelqu'un au monde qui n'aime pas ce film? «Casablanca» est l’un de ces rares films qu ’il est presque impossible de détester et qui a résisté à l’épreuve du temps. Le film raconte l'histoire d'un expatrié américain déchiré entre l'amour pour sa femme et l'aide à son mari dans la lutte contre les brutales forces nazies. Dans l'une des scènes les plus citées de tous les temps, Rick dit à son ancien amour de partir et qu'elle le regretterait si elle avait choisi de rester. C’est un sacrifice et Rick sait ce qu’il y a de mieux pour eux deux, à savoir se séparer et accepter leur nouvelle vie. Les gens disent que la grandeur de l’amour réside dans votre capacité à sacrifier plutôt qu’à arracher et que «Casablanca» n’est que le plus bel exemple d’amour dans sa forme la plus pure et la plus profonde.
Steven Spielberg a maîtrisé l'art de faire pleurer ses téléspectateurs presque invariablement. Directement de «E.T. l'extra-terrestre », Spielberg a presque touché tous les horizons avec une certaine chaleur et une certaine humanité qui ne font que vous couvrir d'un sentiment d'amour, d'attention et d'espoir dans les moments les plus pénibles. «La liste de Schindler» a Spielberg à son apogée artistique et est le point culminant cinématographique des qualités Spielberg-ian les plus attachantes qui font de lui le réalisateur le plus humain de son temps. Vers la fin du film, il y a la scène emblématique où Schindler se prépare à quitter le pays, son peuple bien-aimé et ses bons souvenirs, car la période la plus inhumaine de l'histoire humaine a déchiré presque tout le sentiment d'espoir qui aide les gens à survivre aux moments les plus difficiles. Schindler a ouvert la voie à l'espoir et aux rêves pour des millions de personnes, mais son obsession pour l'humanité continue de le hanter sans relâche car il ne pourrait jamais vivre avec l'idée de ne pas pouvoir sauver un autre être humain des brutalités d'une règle inhumaine, faisant de cette scène une des scènes les plus émotionnellement fortes de l'histoire du cinéma.
Certains films sont trop douloureux pour même en parler et 'Sophie’s Choice' d’Alan J. Pakula est exactement ce genre de film. Mettant en vedette l’une des plus grandes performances d’acteur de tous les temps de la grande Meryl Streep, «Sophie’s Choice» raconte l’histoire de son personnage titulaire qui partage une maison avec son amant tumultueux et un jeune écrivain charmant. Alors que les trois s'entendent, des secrets troublants du passé obsédant de Sophie se frayent un chemin dans leur vie. Dans ce qui pourrait sans doute être considéré comme la scène la plus déchirante de l'histoire du cinéma, une scène de flashback montre que Sophie a laissé le choix de choisir entre ses enfants. Sophie laisse les gardes nazis prendre sa petite fille loin d'elle alors qu'elle la regarde disparaître dans une explosion silencieuse de douleur et de chagrin inimaginables.